«Нет пророка в своём отечестве». Как Левитан создал хрестоматийные русские пейзажи

Золотая осень. 1889

Исаак Ильич Левитан родился в 1860 году в местечке Кибарты и, прожив совсем недолгую жизнь, умер на сороковом году с наступлением 20-го века. Иногда кажется, что история или некая иная могущественная рука вырвала из жизни тех, кто не смог бы перенести испытаний грядущими русскими революциями, оставив их творчество, далёкое от политики и от мира дольнего чистым и незапятнанным. И Левитан один из таких людей. Несмотря на формальную принадлежность к течению передвижников, его картины начисто лишены почти обязательного обличения язв современного передвижникам общества; мрачных и прекрасных в своей безжалостности к зрителю сюжетов.

Берёзовая Роща. 1885-1889

На его полотнах не найти ни нищих в рванье, ни изнеженных служителей культа, вкупе с купцами и дворянами, сермяжного быта и прочих посконных «прелестей», которыми были сильны передвижники и в которых были абсолютно правдивы. Нет, на картинах Левитана можно повстречать отголоски того самого быта: рыбацкие лодки на берегу, избы, церкви…

Исаак Левитан. Исаак Левитан. Март. 1895.

Но лодки выглядят не укором тяжёлому промыслу и нищете, избы, пусть и порядком скособоченные, купаются в закатных лучах, точно краюхи ржаного хлеба в пряничной глазури, а церкви… церкви, написанные внуком раввина, выглядят кротко и целомудренно, сочетая в себе спокойствие прибрежного валуна и нежные краски закатно-рассветного неба. Они – часть пейзажа, его логичное и неотъемлемое продолжение, созвучие, рифма мира человеческого к миру вообще.

Исаак Левитан. У омута. 1892

Левитан умело чередовал различные техники. К слову, он рисовал весьма талантливые натюрморты («Лесные фиалки и незабудки») и портреты («Портрет Софьи Петровны Кувшинниковой»), но они очевидно мало привлекали художника и чести быть нарисованным Левитаном удостаивались немногие – близкий друг Чехов, возлюбленная Кувшинникова, редкие запавшие в душу знакомцы вроде А.А. Грошевой, сам Левитан, зафиксировавший себя в нескольких автопортретах и… те, кто мог за них заплатить. Лишь на пороге голода Левитан принимал постылые сердцу «портретные» предложения.

Исаак Левитан. Весна. Большая вода. 1897.

Соученик художника Константин Коровин приводит в своих воспоминаниях такой диалог:

«– Нет, постой, – говорю я, – Давай лучше анатомию...
– Ну зачем это? Я никогда не буду писать человека. Анатомия! Я не хочу знать, какие у меня кости, какой хрусталик в глазу. Ой, это невозможно...
– Нет, обязан знать, – говорю я с умыслом. – Ты сегодня хотел писать вечером "Галки летят... "
– Ну и что же?..
– Значит – должен знать анатомию галки...
Левитан пристально посмотрел на меня и сказал, горячась:
– Но нет же анатомии весны...».

Исаак Левитан. Вечерний звон. 1892

Впрочем, если даже говорить только о пейзажах, трудно обойти вниманием удивительную разнообразность техник и материалов, которыми работал мастер: акварели, уголь, пастель, масло… На полотнах встречается строго реалистическая манера, близкая к Шишкину («Лесистый берег. Сумерки»), («У омута») и куиндживская игра со светом («Последние лучи солнца. Осиновый лес»), («Вечерние тени»), романтический лёгкий пафос Лагорио («Крымский пейзаж») и околоимпрессионистские эксперименты («Туман над водой»), («Осенний пейзаж с церковью»). Это ненавязчивое разнообразие не даёт зрителю заскучать, словно тот смотрит выставку не одного, а десяти мастеров и, конечно же, говорит об огромной одарённости, жажде творческого поиска.

Исаак Левитан. Над вечным покоем.

При этом все вышеприведённые сравнения в большой степени условны, ведь прославила Левитана, конечно же, не эта схожесть или, тем более, подражательство. Не умение подражать условному Шишкину и Куинджи сделало Левитана знаменитым, а умение не подражать никому, ведь все эти картины при схожести сюжетов или приёмов внешних, отличаются глубиной передачи настроения автора. Не блестящее техническое совершенство, способность ухватить мелочи или сложную игру света, но тонкость чувствования и способность ретранслировать эмоции посредством полотен делает Левитана выдающимся живописцем. К слову, искусствоведы позиционируют художника именно как мастера «пейзажа настроения», что в высшей степени справедливо. По собственным словам, Левитан рисовал не просто пейзаж, но то чувство, которое этот пейзаж вызывает.

Большую часть сохранившихся картин Левитана можно разделить на два настроения: меланхоличную спокойную задумчивость и тихую, обнадёживающую радость. К первым подходят вечерние и ночные пейзажи, ко вторым – утренние и дневные. Для художника совершенно нехарактерно деление на сезоны; например, его осенняя живопись может быть задумчивой, как на полотнах «Осень», «Туман. Осень» и заразительно жизнерадостной, как в случае с картинами «Золотая осень» и «Большая дорога. Осенний солнечный день». Влюбчивый по натуре не только в женщин Левитан искренне любил окружающий его бессловесный неторопливый мир природы, отдаваясь творчеству без остатка.

Исаак Левитан. Тихая обитель

От казённого неторопливого государственного антисемитизма, подогреваемого регулярными для того времени политическими эксцессами, художника защитили друзья, учителя и сам Павел Михайлович Третьяков, который, покупая картины молодого художника, гарантировал тому некоторую финансовую независимость. Не стоит оставлять без внимания тот факт, что Левитан был одним из любимейших учеников признанного, на тот момент, мастера Алексея Саврасова. Именно Саврасов аккуратно и легко направлял Левитана в начале творческого пути. А крепкое товарищество однодумцев или, если точнее – одночуствовцев от живописи подкрепляло прижившиеся ростки. Художник Коровин вспоминал очень характерный эпизод с участием Левитана: «Исаак, – сказал я, – смотри, шиповник, давай помолимся ему, поклонимся. И оба мы, еще мальчишки, стали на колени. – "Шиповник!" – сказал Левитан, смеясь. "Радостью славишь ты солнце – сказал я, – продолжай, Исаак... и даришь нас красотой весны своей. Мы поклоняемся тебе».

Исаак Левитан. Озеро

Уже состоявшимся, художнику довелось побывать во Франции, Италии, Австрии, Финляндии, где написал несколько полотен. Так же восторженно принял Левитан и Крым, куда приехал, вероятно, по приглашению Чехова. Написав несколько десятков ярких, безусловно, талантливых пейзажей, объездив несколько городов и отнаслаждавшись видами, художник писал впоследствии другу-писателю: «Передайте Шехтелю..., пусть не беспокоится, – я север люблю теперь больше, чем когда-либо, я только теперь понял его...». Левитан навсегда останется верен своему «подмосковью» и, особенно, городку Плёс, где родились главные сюжеты художника. Остановившись там на ночёвку, Левитан остался в Плёсе на три художественных сезона и на всю жизнь, неразрывно связав собственное имя и имя поволжского городка.

Исаак Левитан. После дождя.

Ездивший в Европу, чтобы «сверить часы» с ведущими художниками, он, тем не менее писал из Ниццы: «Воображаю, какая прелесть теперь у нас на Руси – реки разлились, оживает все. Нет лучше страны, чем Россия... Только в России может быть настоящий пейзажист». И картины Левитана (последняя несла говорящее название «Озеро. Русь») вправду стали отображением русской природы, вдохновляя на стихи поэта Рубцова и на прозу гениального Чехова. Константин Паустовский, знаменитый своими пейзажами в прозе, восторженно писал о спектре «эмоций» на полотнах художника.

Исаак Левитан. Лето

За три года до смерти Левитан напишет: «Я никогда еще не любил так природу, не был так чуток к ней, никогда еще так сильно не чувствовал я это божественное нечто, разлитое во всем, но что не всякий видит, что даже и назвать нельзя, так как оно не поддается разуму, анализу, а постигается любовью. Без этого чувства не может быть истинный художник...».

Исаак Левитан. Октябрь
Источник: cameralabs.org
Поделись
с друзьями!
678
1
10
4 дня

Художники, чьи сердца похищены котиками

Не секрет, что кошки захватили интернет, однако за многие годы до этого они заселили живописные полотна и гравюры. Оказывается, многие художники ужасно любят кошек: умиляются повадкам, выражениям мордашек и глаз. Теряют бдительность. А котики, играя на чувствах, незаметно и безжалостно похищают сердца. Навсегда.

Зато можно наслаждаться прекрасными произведениями искусства, пропитанными любовью к этим хитрющим мордахам. Представляем вам найпушистейшую и теплую коллекцию картин от художников-кошатников из разных уголков мира.


Ким Хаскинс. Англия


Художница Ким Хаскинс (Kim Haskins) родилась в Англии. Ким в основном работает акриловыми красками на картоне или холсте. Ее лохматые разноцветные котики с круглыми глазами неизменно вызывают широкие улыбки. Забыть эти умильные полосатые кучки невозможно. Коты Ким легко, даже слишком легко, похищают многие сердца на них смотрящих.






Валерий Хлебников. Россия


Хлебников Валерий Иванович родился в городе Вышний Волочек Тверской области. Сейчас живет в Московской области. Уже в трехлетнем возрасте маленький Валера нарисовал первую картинку. И это был, конечно, кот. Его коты похожи на тяжелых, добрых великанов. С таким котом здорово обниматься и ни о чем не беспокоиться. Работы Валерия полны юмора, доброты и тепла.







Джой Кэмпбелл. США


Американская художница-иллюстратор Джой Кэмпбелл (Joy Campbell) живет в местечке Уинлок, штат Вашингтон. Пишет картины уже более 30 лет. Сейчас работает в масле, и, конечно, любимой темой полотен являются котики. Ее котики довольны жизнью, самодостаточны. Они развалились по диванам и столам, игриво заглядывают в глаза и полностью контролируют сердца людей.






Генриетта Роннер-Книп. Бельгия


Ронннер-Книп - известная художница-анималистка во втором поколении (ее мать - Полин Рифер де Курсель, чьи безукоризненно точные изображения птиц пользовались большой популярностью). Ее родители развелись, вместе с отцом и его новой женой Генриетта часто меняла место жительства. Она начала профессионально заниматься живописью, когда ее полностью ослепший отец уже не мог содержать семью. Одним из сюжетов самых продаваемых ее картин были... котики.







Рихард Донскис. Латвия


Рихард Донскис — художник из Латвии, работающий под ником Apofiss. Рихард творит атмосферные, немного мистические иллюстрации, где царствуют милейшие котики. Нежные глазастики с пронзительным выражением мордочек завоевывают любовь зрителя с первого взгляда.







Норвиль. Литва


Литовская художница Норвиль (Norvile Dovidonyte, Nora) — хозяйка рыжего вдохновителя Элвиса. Она обожает рисовать котиков, создавать неиссякаемый источник хорошего настроения и доброй улыбки. Нора творит уютную, простую жизнь, передает забавные повадки милых зверей. Она давно и нежно влюблена в кошек.





Утагава Куниёси. Япония


Один из крупнейших мастеров гравюры эпохи Эдо, Куниёси изображал героев и призраков, сёгунов и актёров кабуки. Однако есть в его творчестве и ироничная «кошачья серия» - очаровательные пушистики в кимоно ведут веселую жизнь куртизанок и актёров из «веселого» квартала. Дело в том, что в 1842 году в результате так называемых «реформ Тэмпо» художникам укиё-э запретили изображать «непристойности» - театральные постановки, гейш, музыкантов... Так художник элегантно вышел из затруднительного положения.






Владимир Румянцев. Россия. Санкт-Петербург


Владимир Румянцев был членом Санкт-Петербургского союза художников и общества акварелистов, а также членом Российского союза художников. Его работы есть в музейных коллекциях России, а также в частных коллекциях Германии, США, Великобритании, Финляндии и Швеции. Его коты романтичны. Они видят ангелов, любят цветы и лиричный город на Неве. Художник был невероятным жизнелюбом, посмотрите на его котов – они считают, жизнь прекрасна, мир их светел и добр.








Поделись
с друзьями!
1146
1
25
10 дней

Оригинальные пейзажи, которые нелегко отличить от фона

Ричарда Джей Оливера едва ли можно назвать популярным художником. Однако в последнее время его работы часто появляются в лентах социальных сетей.



В своём инстаграм-блоге художник из Англии публикует фотографии картин, но сами шедевры лишь часть успеха.


Секрет в том, что вокруг. На снимках Оливера картины идеально вписываются в окружающий мир, дополняя его.


И, несмотря на успех пейзажей британца, он не ограничивается только ими. В его аккаунте можно найти сюрреалистические портреты, вдохновлённые сказками и мифологией.


Ричард родился в 1975 году в городке Понтипридд на юге Великобритании. С самого детства родители заметили у мальчика тягу к творчеству.


Поэтому после школы он сразу отправился в Университет Западной Англии изучать изобразительное искусство, затем получил магистерскую степень в Университете Кардифф Метрополитан.


Большую часть своей жизни Оливер писал картины, сюжеты которых завязаны на катастрофах — социальных, международных и даже семейных.


Но в последнее время мужчина выбирается из своей мастерской в Лос-Анджелесе, США, чтобы отправиться в поход и насладиться окружающей его природой.


В таких вылазках Ричард и пишет свои шедевры, которые каждый раз становятся вирусными.


life.ru
Источник: life.ru
Поделись
с друзьями!
623
3
8
2 месяца

Филип Барлоу. «Вне фокуса». Масляные картины с волшебным светом

Художник Филип Барлоу пишет удивительные картины, ведь главный сюжет всех его произведений - отраженный свет. Живописец заставляет зрителя озадачиться: действительно ли перед ним картина, написанная красками или же причудливые фотоснимки?


Художник живет и творит неподалеку от волшебного города Кейптаун. На своем скромном сайте он время от времени делится новыми картинами. Филип рисует пейзажи. Сам он признается: выбранный жанр всего лишь служит инструментом для трансляции чего-то более глубокого, но в то же время до безумия родного и знакомого.


Художник утверждает, что свет — это вершина реальности. Свет игнорирует происходящее на заднем плане, воруя у зрителя все внимание. Перед тем, кто рассматривает картину, рассыпается конфетти из разноцветных бликов. Удивительно, как своей простотой они навевают атмосферу ночного, но еще бодрствующего города.


Пока Филип рисует свет, на его фоне капает дождь и сигналят машины. Слышна веселая болтовня и звук удаляющихся шагов. Хотя происходящее позади мало заметно, мы все равно улавливаем чувство, происходящее там, внутри.



Филип Барлоу стирает границу между физическим и духовным, создавая пространство, в котором они сливаются воедино. При всем этом — ни капли сюрреализма. Зритель смотрит и видит место, в котором будто сам недавно побывал.


Ночь на картинах Барлоу полна очарования, запредельной легкости и городского уюта.










Источник: philipbarlow.com
Поделись
с друзьями!
712
18
19
2 месяца

Тончайшая красота природы в работах японского художника Абэ Тошиюки

Мало кто из художников может освоить ненадежную легкость акварели с таким мастерством, как японский художник Абэ Тошиюки (Abe Toshiyuki). Все уважение и восхищение, которое испытывает японский народ к своей природе в полной мере отражено в работах этого художника-реалиста.



Abe Toshiyuki (Абе Тошиюки) родился в 1959 году в японском городе Саката. С раннего детства он мечтал стать художником, но после окончания национального художественного университета, почти 20 лет проработал простым учителем рисования.


Наконец, в 2008 году Абэ перестал преподавать и начал активно писать акварели. За последние годы художник получил несколько престижных наград в области живописи, а также организовал большое количество персональных выставок по всему миру.


«Я воспринимаю акварель не просто как жанр, а больше как музыкальный инструмент. Например, на фортепиано можно сыграть джаз, рок и классическую музыку. Также в зависимости от чувств художника, акварель может выражать много всего», – пишет художник.


Как истинный японец Абэ умеет по-настоящему любить, созерцать и глубоко уважать природу и все ее проявления. «По моему мнению, чтобы произведение искусства возымело настоящий эффект, оно должно затронуть глубокие эмоции в сердце зрителя», – говорит художник.


По его словам, он фокусируется на наиболее возвышенных вещах окружающего нас мира, "быстротечность реки, хрупкость лепестков вишни ..." - в его работах прослеживается настоящая философию жизни. По его словам, для него "искусство является зеркалом души смотрящего."




















Поделись
с друзьями!
1871
2
28
2 месяца

Неповторимый Магритт или «как понять сюрреалиста»

Творчество Рене Магритта знакомо людям, даже не интересующимся живописью целенаправленно. Странные люди в котелках с лицами скрытыми яблоками, птицами и прочими неожиданными предметами, слившаяся в поцелуе пара с наволочками на головах, трубка под которой написано "это не трубка"... Бессмысленные, но только на первый взгляд, полотна западают в память даже тем, кто не любит «такое». В чём же секрет притягательности Магритта и как нужно «читать» его полотна - попробуем разобраться ниже.

Влюблённые (1928)

Русскоязычные биографии мастера немногословны, но, подобно его полотнам, полны необычных, почти мистических эпизодов. Родился Рене в 1898 году в Бельгии. У него появилось двое младших братьев, он неплохо учился в школе – ничего необычного, на первый взгляд. Необычное началось после столкновения Магритта с живописью. Рене и его подруга выбрали местом для игр заброшенное кладбище, где и повстречали художника, рисующего местные аллеи. Эти встречи произвели большое впечатление на мальчика. Необычный антураж, возможно, первая, детская ещё влюблённость и одинокий волшебник с палитрой, в которой смешались все краски лета и чувства, зародили в мальчике благоговение перед живописью.

Медитация (1936)

Однако рука об руку с этой вполне романтической историей идёт и известие о самоубийстве матери нашего героя. Нельзя говорить о том, что это событие произошло бесследно для Рене, но, уже повзрослев, он говорил о том, что его как художника сформировала не эта трагедия, пусть и оказавшая на него влияние, а таинственные истории, вроде встречи с кладбищенским художником.

Между 1914 и 1915 годами Магритт создаёт свою первую работу, после чего бросает школу и переезжает в столицу, где устраивается вольным слушателем в художественную академию. Посещает которую, впрочем, не слишком усердно. Менее трёх лет ему хватает, чтобы бросить обучение. Несмотря на это, художник трудится над первыми полотнами. На ранние произведения Магритта, которые совершенно не похожи на всё последующее творчество мастера, оказывают влияние кубизм и футуризм. Мозаичность, коричнево-красно-жёлтая гамма при общей тусклоте красок – только искусствоведы смогут узнать в этих полотнах именитого бельгийца.

Автопортрет (1923)

Женившись, Магритт устраивается работать художником рекламы и афиш. Несмотря на ремесленническое направление работы, он получает возможность заниматься параллельно и живописью. Однако, ему требуется несколько лет для создания первой удачной (по мнению самого Рене) картины «Потерянный жокей», написанной в стиле сюрреализма. Последовавшая за этим первая персональная выставка не получает, тем не менее, благословения со стороны критики.

Образ жокея, кстати, надолго задержится в живописи Магритта. Нужно заметить, что мастер вообще будет очень привязан к своим находкам. Трубки, яблоки, птицы, мольберты, сливающиеся с пейзажем, парящие в воздухе каменные глыбы, котелки, листья-деревья будут встречаться друг с другом на разных картинах. Самое удивительное, что при использовании одних и тех же образов художник умудрялся рассказать каждый раз новую, непохожую историю. Также трепетно и внимательно домосед-Магритт воссоздавал на полотнах по частям интерьер собственной картины, вписывая в сюрреалистические пейзажи камины, оконные рамы, лестницы etc.

Сын человеческий (1964)

В 1927 году Магритт отправляется в Мекку всех живописцев – Париж, где пробудет почти десять лет и приобщится к французским сюрреалистам, заимствуя идеи, но продолжая идти собственным путём. Война застаёт мастера в Бельгии, оккупированной немецкими войсками. Магритт, желая поддержать соотечественников, принимает решение писать больше ярких жизнерадостных полотен, которые должны были оказывать подбадривающее влияние на зрителя. Из-за изменения цветовой гаммы и манеры рисования критики назвали этот период в творчестве художника «ренуаровским». Знаменитости же и расцвета художник достигает уже в послевоенный период, продолжая плодотворно работать до смерти в 1967 году.

Критики говорят, что Магритт первым сделал сюрреализм приемлемым для масс, что обеспечило ему известность пополам с популярностью. И это отчасти правда. Если сравнить бельгийца с коллегой по жанру – Сальвадором Дали, то можно отчётливо заметить, что Магритт и вправду лишён свойственной Дали провокативности. Обнажённая натура Магритта схематична, она выполняет лишь показательную функцию, служит проводником зрителя в мире картины. Обнажённая натура Дали, наоборот – отвлекает, путает мысли зрителя, распаляет даже. И так во всём: в использовании религиозных символов, в степени искажения действительности etc. Именно по вышеприведённым причинам сравнивать всерьёз картины двух именитых сюрреалистов не вполне корректно. У Дали визуальная сторона зачастую преобладала над идейной, у Магритта во главе угла всегда была именно идея. Предметы на картинах бельгийца не плавятся, не распадаются на атомы – они нарисованы просто и понятно, но зрителя затягивает не изысканность изображения а тайна происходящего на картине, где самые повседневные предметы становятся загадочней священного Грааля.

Изобретение жизни (1928)

По сути, многие картины бельгийца – это интеллектуальные головоломки, ключом к которым служит, как ни странно, название. Возьмём для примера одну из самых знаменитых картин мастера «Сын человеческий», где лицо среднестатистического человека закрывает яблоко. Окончательных трактовок в таком случае быть не может, но название и сюжет картины сами наталкивают на мысли о библейском грехопадении, сопряжённом с вкушением плода познания и завершившегося изгнанием из рая. Ещё проще и иллюстративней картина «Проницательность», где смотрящий на яйцо художник рисует на холсте птицу. Всё совершенно понятно. Ну или «Влюблённые», которые тянутся в поцелуе, несмотря на то, что из-за закрывающей их глаза пелены не знают друг друга по-настоящему.

Иногда словесные подсказки появляются на самом полотне, что было вполне революционным для искусства того времени. Так, на картине «Вероломство образов» под изображением, собственно, трубки располагается надпись «это не трубка». Это, кстати, ещё один вид «шифрования» Магритта – попытка взглянуть на мир от обратного. Мастер говорит нам, что изображение трубки не является самой трубкой. В картине «Коллективное изобретение» изображена русалка наоборот – существо с человеческими ногами и рыбьим туловищем. Пространство толкований здесь велико, как нигде, но именно нестандартный взгляд на привычное и отличает Магритта от большинства художников.

Магритт оказал влияние не только на живопись (его зовут крёстным отцом зародившегося в Америке поп-арта), но и вообще плотно укоренился в массовой культуре, вдохновив режиссёров Нового Голливуда вроде Дэвида Линча и Уильяма Фридкина. В Брюсселе открыт внушительный музей Магритта, где хранятся более двухсот работ автора.

Убийца в опасности (1927)

Попытка невозможного (1928)

Лампа философа (1936)

Бесконечное признание (1963)

Соблазнитель (1953)

Вероломство образов (1929)

Предвидение (1936)

Маг (1952)

Голконда (1953)

Стрела Зенона (1964)

Шедевр, или Тайны горизонта (1955)

Империя света (1950)

Победа (1939)

Вечереет (1964)

Пламя (1943)

Терапевт (1937)

Запредельное (1938)

Условия человеческого существования (1935)
Источник: cameralabs.org
Поделись
с друзьями!
806
8
13
2 месяца

Лучшие акварелисты современности и их картины. Часть 1


Сегодня акварель очень востребованная техника, ею увлечены очень многие именитые живописцы, возведшие ее в ранг высокого искусства. Международные фестивали и выставки, экспозиции в музеях и галереях, — всюду витает дух акварели. В нашей публикации мы представим вам самых лучших современных представителей этой техники, которым удалось овладеть ею в совершенстве и научиться создавать работы невероятной красоты.


И прежде чем начать нашу обзорную экскурсию по галереям прославившихся на весь мир акварелистов, хотелось бы сказать, что эта техника в изобразительном искусстве довольно молода, а также и то, что акварель до сих пор считается самой сложной техникой в живописи.

Несколько любопытных фактов об акварели


Наверняка многие читатели удивятся тому, что техника акварели появилась значительно позднее масляной живописи. Первые упоминания об этой технике, как живописном средстве, относятся к началу 19 века. Тем не менее, прообраз акварели был известен еще со времен древнего Китая, древнего Египта и стран античного мира. Это были более древние водорастворимые краски – сепия, китайская тушь, славкармин, имевшие более плотную и непрозрачную консистенцию.

Акварель стала похожей на современную по качеству и свойствам лишь в 15 веке, а вот в том виде, в котором ее используют сейчас - она стала использоваться лишь на рубеже 18-19 века.
До того времени акварель применяли в основном для украшения церковных книг, ею выполнялись орнаменты, миниатюры и заглавные буквы. А также эта удивительная краска использовалась художниками в разработке будущих картин в качестве подмалевка, в эскизах и зарисовках.

Прафул Савант (Prafull Sawant). Очарование городских пейзажей



Прафул Савант (Prafull Sawant) считается одним из ведущих реалистов мира. Живописец-акварелист родился и вырос в семье известных индийских художников, и его первыми учителями и наставниками были отец и старший брат. Впоследствии Prafull Sawant окончил знаменитую школу искусств в Мумбаи. После окончания обучения он посетил Рим, Париж, Флоренцию, много путешествовал по миру, участвовал в конкурсах и выставках художников-акварелистов как в Индии, так и далеко за её пределами.



Его уникальный стиль критики характеризуют умелым слиянием портрета, пейзажа и современных архитектурных форм. Именно этот стиль помогает художнику рассказать о его родной Индии и местных жителях. Немного «пыльные» пейзажи с легкостью переносят зрителя на далекие улицы Дели и зачаровывают с первого взгляда.



Прафул Савант — лауреат десятков международных и национальных премий в США, Австралии и Индии. На его счету – свыше до 100 выставок по всему миру, более 50 международных профессиональных наград, победы в престижных конкурсах. С секретами своего мастерства художник делится, давая многочисленные мастер классы по многим городам мира.




Джо Фрэнсис Доуден. Невероятные пейзажи в акварели



Художник Джо Фрэнсис Доуден (Joe Francis Dowden) родился в 1958 году в Англии. Профессиональную карьеру художника начал в 1982 году. Доуден широко стал известен в первую очередь за счет акварельных пейзажей, которые настолько гиперреалистичны, что выглядят как фотографии. За годы творческой карьеры художник выпустил ряд обучающих книг и видео, на которых делится профессиональным опытом. Помимо этого, Джо Доуден часто проводит мастер-классы по живописи в различных странах. К слову, в 2014 году подобные мероприятия проводились и в России.


Как опытный акварелист Доуден советует начинающим художникам, стараться не упрощать технику, а наоборот, усложнять как можно больше. Его многослойные акварели вызывают у публики незабываемый восторг.



И еще, проводя мастер классы, он настоятельно рекомендует своим последователям рисовать не сам ландшафт, а свет: "Даже самый невзрачный вид сверкает и искрится полный жизни и энергии в лучах солнца. Но обернитесь и вы увидите мертвый и скучный пейзаж. Ищите в первую очередь свет, а потом — вид."





Лю Йи. Магия балета в акварели



Китайский художник-акварелист Лю Йи родился в Шанхае (Китай). Там же окончил Восточно-Китайский педагогический университет (художественный факультет) и занялся преподавательской деятельностью в шанхайском колледже Искусства и Дизайна. Сейчас он широко известный во всем мире мастер акварели, является членом Ассоциации китайских художников и состоит в Обществе Акварелистов.


Акварельные работы этого талантливого китайского живописца часто называют искусством об искусстве. А все потому, что излюбленной тематикой Лю Йи является балет и театр. Герои его акварелей — утончённые образы балерин и классических музыкантов, внутренний мир и настроение которых художник мастерски передал зрителю с помощью нежной полупрозрачной краски. Их образы как будто проступают из темной мглы, эмоциональные и очень характерные. В какой-то степени они перекликаются с образами балерин французского художника Эдгара Дега.


Удивительно изящные акварели китайского художника удостоены множества наград, в том числе высшей награды Седьмой национальной выставки изобразительных искусств и высшей награды Китая на выставке акварельной живописи. Уже немало лет картины Лю Йи продаются на аукционных торгах Sotheby’s и хранятся в Национальном музее Китая как национальное достояние.




Рукие Гарип. Живые акварели турецкой художницы



Рукие Гарип родилась в 1964 году в городе Бартын, Турция. В 1985 году окончив факультет живописи и графического дизайна университета Гази (Gazi Universitesi), жила в Анкаре, трудилась в области графического дизайна. Через пару лет, решив заняться творчеством, основала керамическую мастерскую. Но с керамикой у художницы как-то не сложилось.


С 1990-х Рукие перешла на преподавательскую должность учителя рисования в школу, где проработала 20 лет. Лишь уйдя на пенсию, раскрыла в себе невероятный творческий потенциал и стала профессиональной художницей. В настоящее время она живёт в родном городе Бартын и пишет потрясающие акварельные работы в собственной мастерской.



«Все, что дает нам природа, я стараюсь перенести в свои работы, сделать их реалистичными и живыми. Каждое прекрасное мгновение, которое дает нам природа, я хочу отразить в своих работах, каждую деталь, пусть даже самую мелкую, передать с помощью акварели на бумаге» ,— так говорит о своем творчестве Рукие Гарип.



Джозеф Збуквич и его акварели



«Акварель нельзя контролировать или приручить. Её надо объезжать, как дикую лошадь», - так высказался однажды о своём взаимоотношении с акварелью выдающийся австралийский художник с хорватскими корнями Джозеф Збуквич. Пожалуй, через 40 лет успешной творческой деятельности можно констатировать, что строптивая «лошадь» ему поддалась. И теперь его имя навсегда вписано в историю современного искусства золотыми буквами.


Его впечатляющие достижения и колоссальный успех обусловлены тем, что он умудряется превращать обыденность в визуальный поэтический язык, покоряющий сердца, как ценителей подобного стиля и направления, так и тех, кто ничего в этом не смыслит. Ведь зачастую для того, чтобы что-то понять, достаточно чувствовать душой и сердцем, а не обладать безграничными знаниями, которые вряд ли смогут передать все те ощущения, что испытывает простой человек, глядя на безмятежный пейзаж или же на снующие туда-сюда машины по дождливым улицам городов и стран.



Помимо всего этого, он является автором уникальной в своём роде книги «Освоение атмосферы в акварели», где подробно, шаг за шагом рассказывает о том, как правильно писать картины при помощи «капризной барышни», точно знающей как себя стоит вести в той или иной ситуации. Джозеф приводит тонкие сравнительные параллели между краской, чаем, кофе, молоком и кремом. Объясняя это тем, что только так можно понять какую консистенцию стоит выбрать для создания картины. Лёгкую и небрежную с мягкими, плавными без нажимными мазками или же наоборот, густые и сочные, с ярко выраженными линиями и штрихами, слегка липкими и объёмными на вид, которые так хочется потрогать пальцем.


Поделись
с друзьями!
860
0
12
3 месяца
Уважаемый посетитель!

Показ рекламы - единственный способ получения дохода проектом EmoSurf.

Наш сайт не перегружен рекламными блоками (у нас их отрисовывается всего 2 в мобильной версии и 3 в настольной).

Мы очень Вас просим внести наш сайт в белый список вашего блокировщика рекламы, это позволит проекту существовать дальше и дарить вам интересный, познавательный и развлекательный контент!