10 самых больших картин в мире

«Большое видится на расстоянии» — это строчка из стихотворения Сергея Есенина, которая давно уже стала крылатой. Поэт говорил о любви, но эти же слова можно применить к описанию картин. В мире немало художественных полотен, которые впечатляют своими размерами. Любоваться ими лучше издалека.


Художники создают такие шедевры годами. Нарисованы тысячи эскизов, потрачено огромное количество расходных материалов. Для больших картин создают специальные залы.

Вот только рекордсмены постоянно меняются, многие художники хотят запечатлеть свое имя хотя бы таким образом. Для других же это возможность подчеркнуть значимость события или явления.

Если вы интересуетесь искусством или любите все выдающееся, наш рейтинг самых больших картин в мире вам обязательно понравится.

10. «Рождение Венеры», Сандро Боттичелли, 1,7 x 2,8 м



Этот шедевр хранится в галерее Уффици во Флоренции. Работу над полотном Боттичелли начал в 1482 году, закончил в 1486. «Рождение Венеры» стало первой большой картиной эпохи Возрождения, посвященной античной мифологии.

Главная героиня полотна стоит в раковине. Она символизирует женственность и любовь. Ее поза в точности копирует знаменитую древнеримскую статую. Боттичелли был образованным человеком и понимал, что этот прием по достоинству оценят знатоки.

Также на картине изображен Зефир (западный ветер) вместе со своей супругой и богиня весны.

Картина дарит зрителям чувство спокойствия, уравновешенности, гармонии. Изящность, утонченность, лаконичность – основные характеристики полотна.

9. «Среди волн», Иван Айвазовский, 2,8 х 4,3 м



Картина была создана в 1898 году в рекордно короткие сроки – всего 10 дней. Учитывая, что на тот момент Ивану Константиновичу было 80 лет, это фантастически быстро. Идея пришла к нему неожиданно, он просто решил нарисовать большую картину на морскую тематику. Это самое любимое его «детище». Айвазовский завещал «Среди волн» своему любимому городу – Феодосии. Она до сих пор находится там, в картинной галерее.

На полотне нет ничего, кроме бушующей стихии. Для создания штормового моря использовалась широкая гамма красок. Переливчатые светлые, глубокие и насыщенные тона. Айвазовскому удалось сделать невозможное – изобразить воду так, что она кажется подвижной, живой.

8. «Богатыри», Виктор Васнецов, 3 x 4,5 м



Полюбоваться этой картиной можно в Третьяковской галерее. Васнецов работал над ней два десятка лет. Сразу после завершения работ полотно приобрел Третьяков.

Идея создания родилась неожиданно. Виктор Михайлович задумал увековечить бескрайние русские просторы и богатырей, которые стоят на страже спокойствия. Они смотрят по сторонам и примечают, нет ли поблизости врага. Богатыри — символ силы и мощи русского народа.

7. «Ночной дозор», Рембрандт, 3,6 x 4,4 м



Экспонат находится в художественном музее Амстердама «Рейксмюсеум». Там для него выделен отдельный зал. Рембрандт написал картину в 1642 году. На тот момент она была самой известной и самой большой в голландской живописи.

Изображение воинственное – люди с оружием. Зритель не знает, куда они отправляются, на войну или на парад. Личности не вымышлены, все они существовали на самом деле.

«Ночной дозор» — групповой портрет, который лица, близкие к искусству, считают странным. Дело в том, что здесь нарушены все требования, предъявляемые к портретному жанру. А так как картина писалась на заказ, покупатель Рембрандта остался недоволен.

6. «Явление Христа народу», Александр Иванов, 5,4 x 7,5 м



Картина находится в Третьяковской галерее. На данный момент она там самая большая. Специально для этого полотна был построен отдельный зал.

Александр Андреевич писал «Явление Христа народу» 20 лет. В 1858 году после смерти художника ее купил Александр II.

Эта картина – бессмертный шедевр. На ней запечатлено событие из Евангелия. Иоанн Предтечи крестит людей на берегу реки Иордан. Вдруг все они замечают, что к ним приближается сам Иисус. Художник использует интересный метод – содержание картины раскрывается через реакцию людей на явление Христа.

5. «Воззвание Минина к нижегородцам», Константин Маковский, 7 x 6 м



Картина хранится в Нижегородском художественном музее. Самое крупное станковое полотно в нашей стране. Маковский написал его в 1896 году.

В основе картины события времен Смуты. Кузьма Минин призывает народ сделать пожертвование и оказать помощь в освобождении страны от поляков.

История создания «Воззвание Минина к нижегородцам» довольно интересна. Маковского настолько поразила картина Репина «Запорожцы пишут письмо турецкому султану», что он решил сотворить не менее значимый шедевр. Он добился высокого результата, и сейчас полотно имеет серьезную культурную значимость.

4. «Брак в Кане Галилейской», Паоло Веронезе, 6,7 x 10 м



Экспонат находится в Лувре. Сюжетом картины послужило событие из Евангелие. Веронезе написал ее в 1562–1563 годах по заказу бенедиктинцев монастырской церкви Сан-Джорджо Маджоре (Венеция).

«Брак в Кане Галилейской» – это свободная интерпретация библейского сюжета. Это и роскошные архитектурные декорации, которых не могло быть в галилейской деревушке, и люди, изображенные в костюмах разных эпох. Паоло совсем не смущало такое несоответствие. Главное, что его заботило – это красота.

Во время Наполеоновских войн картина была вывезена из Италии во Францию. По сей день организация, защищающая культурное наследие Италии, пытается добиться возврата полотна на родину. Сделать это вряд ли удастся, юридически картина принадлежит Франции.

3. «Рай», Тинторетто, 7 x 22 м



«Рай» называют венцом творчества Тинторетто. Он написал ее для Дворца Дожей в Венеции. Этот заказ должен был получить Веронезе. После его смерти честь украсить торцовую стену Большого Совета выпала Тинторетто. Художник был счастлив и благодарен судьбе за то, что на заре своей жизни он получил такой подарок. На тот момент мастеру было 70 лет. Он работал над картиной 10 лет.

Это самое большое полотно в мире, написанное маслом.

2. «Путешествие человечества», Саша Джафри, 50 x 30 м



Картина написана нашим современником. Саша Джафри – британский художник. «Путешествие человечества» он написал в 2021 году. Размеры картины сопоставимы с площадью двух футбольных полей.

Работа над полотном велась в отеле Дубая на протяжении семи месяцев. При создании его Саша использовал рисунки детей из 140 стран мира.

Картина была создана с благими целями. Джафри собирался разделить ее на 70 частей и реализовать их на аукционах. Деньги он собирался пожертвовать детскому фонду. В итоге картину не стали разрезать, ее приобрел Андре Абдун. Он отдал за нее 62 миллиона долларов.

1. «Волна», Джуро Широглавич, 6 500 м x 1,7 м



Эта картина занесена в Книгу рекордов Гиннеса. Джуро Широглавич написал ее в 2007 году. Цель очевидна – установление мирового рекорда. Действительно, размеры впечатляют. Видели ли вы когда-нибудь картину протяженностью 6 км? 2,5 тонны краски, 13 тысяч м?. Вот только что с ней делать? Ее не повесить в галерее, даже создание отдельного зала здесь бессмысленно.

Однако художник не желает, чтобы его «Волна» пылилась и была невостребованной. Он решил поделить ее на части и продать на аукционе. Вырученные деньги Джуро пожертвовал в благотворительный фонд, который оказывает помощь детям, пропавшим во время войны на Балканском полуострове.
Источник: top10a.ru
Поделись
с друзьями!
445
3
8
4 дня

Чувственные картины Нэнси Ноэль (Nancy А. Noel)

«Нельзя отрицать, что лицо ребенка имеет свое «дыхание», дыхание, отражаясь в котором, мы на один миг остаемся где-то между сейчас и навсегда. Однажды я поняла это и вдохновение не покидает меня до сих пор, я поняла, что хочу написать лицо, которое потрясло меня. То лицо, которое согреет вас всех». Нэнси Ноэль (Nancy А. Noel).


Нэнси Ноэль стала всемирно известной благодаря своим чувственным картинам, на которых изображены дети и животные. Ключевой темой в её искусстве являются дети, чаще всего в образе ангелочков.


Нэнси Ноэль постоянно совершенствует свой стиль и её картины пользуются большой популярностью. Каждый день для художницы – это повод для того, чтобы стать лучше. Nancy Noel говорит, что: «только так можно быть искренней в своем творчестве: не останавливаться и пытаться отдать всё. Каждый день, я поражаюсь числу людей, до которых мне удалось донести мои работы, каждый день, я стараюсь для них».


Nancy Noel закончила факультет искусств колледжа Мунта Сэйнт Джозефа в Цинциннати. В 1970 г. открыла свою первую картинную галерею в Broad Ripple Village.


В 2005 Нэнси Ноэль купила старую Викторианскую церковь на Главной Улице в Zionsville и, отремонтировав её, устроила там картинную галерею, в которой теперь содержится наиболее полная коллекция её работ. Nancy А. Noel занимается благотворительностью, в том числе, она спонсирует множество дошкольных учреждений.


Нэнси Ноэль выпускает печатные издания со своими работами, которые самостоятельно продумывает вплоть до последней детали, и неудивительно, что они имеют многомиллионные тиражи.


Один из критиков пишет о картинах Нэнси Ноэль так: «Её искусство имеет власть излечивать, сообщать, преобразовывать и вдохновлять. Она захватывает сущность предметов, изображая их с почтением. На картинах Нэнси мир предстает естественный и мистический, изображенный с изяществом, которое исходит непосредственно от души. На холсте зрители видят вне живописи другое измерение: её работы подвигают нас ближе к пониманию того, кто мы есть и кем мы должны и могли бы быть».


В настоящее время Нэнси Ноэль живет и работает в г. Сионсвилл (Zionsville), штат Индиана, США.























Источник: juicyworld.org
Поделись
с друзьями!
555
1
10
9 дней

Художник Владимир Давыденко и его чудесные работы

Владимир Давыденко создаёт свои работы в разных жанрах: пейзаж, марины, портрет, натюрморт, при этом все они выполнены на высоком уровне, где картины имеют ясный сюжет, эмоциональность, а каждая деталь тщательно проработана. В пейзажах Владимир Давыденко точно умеет передать переменчивое состояние окружающей природы, а в портретах вечные ценности: любовь, человечность и духовность.


Владимир Давыденко родился 22 ноября 1966 г., в г. Липецк. В настоящее время живёт в г. Москва. Является членом Союза Художников России, действительным членом Петровской Академии наук и искусств.




























художник Владимир Давыденко (Vladimir Davydenko)
Источник: billionnews.ru
Поделись
с друзьями!
952
0
40
19 дней

Яблоки в искусстве: здоровое искушение

Сочный и такой обыденный фрукт, яблоко в изобразительном искусстве — объект парадоксальный. Это таинственный и неоднозначный символ, раскрывающий массу значений и объединяющий множество противоположных смыслов.


Яблоко можно смело назвать «двуликим» и вечным символом. Уже много веков оно олицетворяет как добро, так и зло, проходя и через все нюансы других значений, в зависимости от эпохи и принятого мировоззрения.

Из глубин мифологии


Для раскрытия «секрета» яблока совершим небольшое мифологическое путешествие. В славянских сказках герои часто отправляются на поиски молодильных яблок, чтобы спасти раненого или больного от смерти. Хотя не только у славян яблоки наделены такими свойствами. Яблоко — плод дерева жизни. Под таким деревом решались судьбы людей, под ним собирались боги, здесь искали бессмертия, здоровья и молодости. Конечно же, с яблоком в качестве сочного талисмана. Также яблоко является символом богатства и благополучия.

Богиня Идун Дж Пенроуз • Живопись, 1890

В мифологии скандинавов яблоки были пищей богов, они давали вечную молодость и пристально охранялись богиней-хранительницей Идун. У кельтов яблоко символизировало знание и мудрость, а в Авалоне — стране блаженных — росли яблони, плоды которых даровали счастье и бессмертие.

Геракл дарит яблоки Гесперид Афине. Античная Вазопись • Живопись, XX век

Согласно мифологии древних греков, золотые яблоки вечной молодости росли в прекрасном саду у берегов реки Океан. Охраняли их дракон Ладон и сестры Геспериды. Как известно, яблоки удалось похитить Гераклу, что вошло в мифологию как двенадцатый его подвиг, а в искусство — как один из наиболее популярных сюжетов в античной вазописи.

Сад Гесперид как сюжет интересовал некоторых художников «Нового времени». Наиболее известные работы: «Сад Гесперид» Фредерика Лейтона, «Сад Гесперид» Эдварда Берн-Джонса, триптих «Геспериды» Ханса фон Маре.

Сад Гесперид Сэр Фредерик Лейтон • Живопись, 1891, 169.5×169.5 см

Сад Гесперид Эдвард Коли Бёрн-Джонс • Живопись, 1873, 119×98 см

Часто с яблоком изображены грации — богини красоты и изящества в древнеримской мифологии. Яблоко, соответственно, символизирует здесь молодость, здоровье и красоту. Иногда грации держат шары — символы совершенства, интерпретируемые как золотые яблоки. Примечательно, что яблоко появилось в руках граций в эпоху Возрождения. С таким же смыслом и значением яблоко становится атрибутом Венеры.
Как знак богатства и силы яблоко использовала геральдика.

Три грации Рафаэль Санти • Живопись, 1505, 17×17 см

«Яблоко принесло миру все зло»


В мифологии наряду с символами плодородия, молодости и здоровья яблоко вписывается в образную систему зла. Причиной Троянской войны также было яблоко — яблоко раздора. Золотое яблоко с надписью «прекраснейшей», которое подбросила обиженная богиня Эрида за то, что Пелей и Фетида не пригласили ее на свою свадьбу. Конечно, и Гера, и Афина, и Афродита претендовали на символический приз — каждая считала себя красивейшей. Зевс приказал Парису наградить яблоком прекраснейшую. Афродита подкупила юношу обещанием отдать ему в жены прекрасную Елену. С истории похищения Парисом Елены и началась Троянская война, а яблоко стало символом раздора. Вот так невинный фрукт превратился в источник бед и… прекрасных полотен.
Из цикла греческой мифологии именно суд Париса является наиболее популярным сюжетом. Авторство известнейших работ с одноименным названием принадлежит Питеру Рубенсу, Лукасу Кранаху Старшему, Огюсту Ренуару, Михаилу Врубелю.

Суд Париса Лукас Кранах Старший 1530-е , 36.4×50.8 см

Суд Париса. Пьер Огюст Ренуар 1913, 73×92.5 см


Тема яблока раздора остается интересной и современным живописцам — многие прибегают к мотивам, напоминающим о пасторальном конкурсе красоты Париса. Выше, к примеру, картина Александра Мельникова «Яблоко Раздора». Другие же работы обращают на себя внимание индивидуальным авторским видением яблока, которое «принесло миру все зло»: ох, и недоброе яблочко изображено на картине Размадзе Рамаза!

Яблоко раздора Рамаз Размадзе • Живопись, XX век

Яблоко в религиозной живописи


С появлением христианства рождается образ «яблока грехопадения». Позже он трансформируется в библейский мотив собственно грехопадения и искушения. Кстати, в книге Бытия яблока нет — упоминаются только «плоды». Поэтому в ранней средневековой живописи, где каждый предмет и каждое явление — символ с огромным значением, — яблока на полотнах не найдешь.

А вот на многих иконах и картинах последующих веков Младенец Христос уже держит яблоко, символизирующее его будущую миссию искупителя грехов всего человечества. Яблоко здесь — спасение. Иногда вместо яблочка Младенец держит державу («яблоко Царского чина») — символ власти.

Мадонна с младенцем под яблоней Лукас Кранах Старший 1530-е , 87×59 см

Интересно осмыслен христианский сюжет китайским художником Хэ Ци в работе «Бегство в Египет». Как и в традиционной христианской живописи, Младенец Христос держит яблоко — символ спасения, искупления первородного греха. Вот только техника мастера нетрадиционна.


Мотив грехопадения тонкой нитью вписал Ян ван Эйк в работе «Портрет четы Арнольфини»: найдете яблочки?

Портрет четы Арнольфини Ян ван Эйк 1434, 82×60 см

Яблоко искушения


Яблоко как символ искушения нельзя строго отнести к религиозной живописи, но корни мотива все же библейские. Начиная с периода Возрождения, образы Адама и Евы интересуют живописцев сами по себе, а не только как воплощение первородного греха. Известнейшие произведения принадлежат Лукасу Кранаху Старшему, Питеру Рубенсу, Хендрику Гольциусу, Уильяму Блейку.

Некоторые живописцы заменили в своих работах сад или дерево веткой с яблоком, или на одно яблоко в руке Евы либо Адама.

Адам и Ева Питер Пауль Рубенс 1628, 237×184 см

Приблизительно в XIX веке искусство начинает переосмысливать мотив искушения и отходить от негативного окраса, приправленного грехопадением. Яблоко отдаляется от греха и символизирует высокое чувство — Любовь.
Яблоко здоровья и благополучия

С течением времени, сменой эпох, направлений и стилей художники возвращают яблоку оптимистическое, светлое значение символа любви, жизни, весны и благополучия.

Золотой век Лукас Кранах Старший • Живопись, 1530, 73×105 см

Еще в эпоху Возрождения живописцы начали превращать свои райские сады в яблочные. В работах Сандро Боттичелли «Весна», «Золотой век» Лукаса Кранаха Старшего яблоня — и центр мира, и дерево жизни, и олицетворение молодости.

Весна (Примавера) Сандро Боттичелли • Живопись, 1485, 314×203 см

Очень часто яблоко представлено именно символом молодости, красоты и здоровья. Не зря многие мастера изображают свои модели с яблоками в руках (работы: Рафаэль Санти «Портрет юноши с яблоком», полотна Владимира Боровиковского «Портрет Екатерины Николаевны Арсеньевой», «Портрет Скобеевой», «Девочка с яблоком» Василия Тропинина и множество других работ).

Обратите внимание на цвет такого яблочка — он обязательно нежный, золотистый, так сказать, «с румянцем», который издавна ассоциируется со здоровьем.

Девочка с яблоком Василий Андреевич Тропинин 1800-е , 34.7×27.5 см

Плоды нашего времени


Культура ХХ века вносит свои коррективы в символизм фрукта-героя. Знатный садовод по жизни, Клод Моне рисовал цветущий яблоневый сад — олицетворение полноты и жажды жизни. Около двухсот натюрмортов и масса яблок на столе — таков вклад Сезанна в «яблочную тему». Сказавший как-то «Я удивлю Париж яблоком!», художник обещание сдержал: простой фрукт у него — символ нового видения в искусстве.

Живой натюрморт Сальвадор Дали • Живопись, 1956, 125×160 см

Задачу превращения обычного в необычное решал и Сальвадор Дали. «Предел тупости рисовать яблоко как оно есть. Нарисуй хотя бы червяка, истерзанного любовью, и пляшущую лангусту с кастаньетами, а над яблоком пускай запорхают слоны, и ты сам увидишь, что яблоко здесь лишнее», — заявлял он и рисовал загадочно парящий натюрморт. С помощью красного яблока он «решился и начал постигать пространство-время путём созерцания левитации, которая разрушает энтропию».

Сын человеческий Рене Магритт 1964, 116×89 см

Кстати, в наше время художники не прочь изобразить яблоко ядовито-зеленым, подчеркивая двойственный смысл кисло-сладкого образа. Огромный интерес к яблоку-символу проявлял бельгийский художник-сюрреалист Рене Магритт, наделяя фрукт на первый взгляд традиционными смыслами. Например, яблоко — олицетворение первородного греха и предстоящего в жизни искушения в работе «Сын человеческий».
Источник: artchive.ru
Поделись
с друзьями!
286
2
29 дней

Рыба: вечно живой символ в живописи

Изображение рыбы в живописи мы встречаем нередко. Это популярный, красивый и многообразный символ, известный на протяжении многих веков в различных культурах.


Рыб почитают как символ зарождения жизни в соответствии с традиционными космогоническими представлениями большинства народов Земли: жизнь произошла из воды, поэтому и ассоциируется с процессом оплодотворения. Рыбные блюда, а также жертвоприношения рыбы преподносились в ритуальном богослужении всем богам подземного мира и лунным богиням вод, а также любви и плодородия. Этот символизм был известен как в Древнем Египте, так и в кельтской, индийской, месопотамской, бирманской, персидской культурах, искусстве восточных славян. В бронзовых фибулах VII века, найденных у села Зеньково на Полтавщине, связывающие звенья, по форме напоминают змей, рыб и хищных птиц, тем самым, соединяя три природные стихии: воздух, вода, земля. Изображение этого животного часто встречается в декоре ювелирных изделий Центральной Азии, где онo также было связано с идеей плодородия. В древности золотую фигурку рыбки носили как амулет (Амударьинский клад V—IV вв. до н.э., рыбка из Новой Нисы II вв. до н.э.); рыбы-дельфины изображены в виде застежек из Тилля-Тепе (Афганистан, I в. до н.э.). Образ рыбы нашел отражение и в орнаменте некоторых традиционных украшений северных таджиков и узбеков. Этот орнамент известен под названием «рыбий хвост «или «рыбья чешуя» и трактовался как символ многочисленного потомства, а в некоторых случаях выступал олицетворением богатства и счастья.

Из катакомб к вершинам



Самое широкое распространение и толкование изображение рыбы получило в раннехристианском искусстве III—VI вв. н.э., о чем свидетельствуют многочисленные образцы, обнаруженные в катакомбах, служивших местом собраний христиан в период первых гонений. Тогда символика употреблялась в первую очередь как тайнопись, чтобы единоверцы могли узнавать друг друга во враждебном окружении.

Символ Рыбы поясняет происхождение монограммы Иисуса. Христиане увидели в этом слове своего рода акростих (первые буквы каждого слова составляют осмысленный текст), рассказывающий о Христе. Каждая буква «древнегреческой рыбы» была для них соответственно первой буквой других, очень важных слов, выражающих исповедание христианской веры: «Iesous Christos Theou Hyios Soter» (греч.) — «Иисус Христос, Сын Божий, Спаситель» (сокращенно: ICHTHUS — Рыба).


С распространением христианства и его изобразительной культуры символ рыбы обрел многозначность. Прежде всего, это — символ крещения: как рыба не может жить без воды, так истинный христианин не обретет спасения, не пройдя через воды крещения. Насыщение пяти тысяч человек пятью хлебами и двумя рыбками служило не только примером милосердия, но и широко употреблялось как метафора евхаристии (Рыбы и хлеба. Мозаика. Табха. Израиль. IV в. н. э.).

Встречающиеся на церковных эмблемах три рыбы, переплетенные между собой или имеющие одну голову, обозначают Троицу, явленную тем, у кого открыто духовное зрение. Не менее значимы сюжет о пророке Ионе, проглоченном «большой рыбой» и исторгнутом через три дня невредимым, символизирующий воскресение, а также евангельская притча о чудесном улове учениками Христа символизирующая «ловлю человеков» в лоно христианства.
Средневековую живопись, с ее строго религиозным характером реальный мир не интересовал. Поэтому выбор тем и сюжетов, разрабатываемых художниками, был крайне ограничен, а символика — строго зафиксирована рамками церковного богословия. От каждого художника требовалось четкое следование каноническим предписаниям и для этого существовали специальные учебники. В книжных миниатюрах и надгробных рельефах ХII — XIV вв. птицы и рыбы символизировали «верхнюю и нижнюю бездны». В эмблемах рыбы использовались сравнительно редко, поскольку означали немоту и безгласие.

Код алхимиков и язык крестьян


Символы, аллегории, метафоры, сложные ассоциации, аналогии и параллели были элементами специфического языка средневекового мышления. Каждая отрасль знаний видела в реальном мире, прежде всего, определенную систему символов в зависимости от точки зрения, с которой они рассматривались. Например, рыба для астрономов и астрологов была знаком Луны; алхимики рассматривали её как символ воды; в медицине она связывалась с флегматическим темпераментом; толкователи снов интерпретировали её как воплощение плотского вожделения, а для простого народа она ассоциировалась с постом. Изображение рыбы, подвешенной за голову, означало беспорядок, нарушение моральных норм. Причем, такими разнохарактерными значениями средневековое сознание наделяло каждую вещь, явление или предмет.


Ренессансное мироощущение пробило брешь в системе средневековых эстетических представлений, и сквозь нее в религиозную живопись хлынул широким потоком земной мир. Существенный вклад в развитие европейской живописи был сделан Нидерландами в XV- XVI вв. Художники искали новые сюжеты, средства и способы выражения творческих идей. По прежнему в ходу были символы, но смысл изображения менялся в зависимости от того, какой именно язык мог быть приписан автору.


Творчество Иеронима Босха можно рассматривать как кульминацию перехода религиозной живописи в светскую, учитывая сохранение многозначности изобразительного кода. Художественный язык Босха никогда не укладывался целиком и полностью в канонические толкования. Художник часто употреблял определенные символы в значении обратном общепринятому, а также изобретал новые символы. Одна из самых известных работ мастера — триптих «Сады земных наслаждений» (1500−1510 гг.).


В творчестве другого великого художника той эпохи — Питера Брейгеля Старшего изображение рыбы иллюстрирует исключительно фламандские пословицы. Например, на картине «Голландские пословицы» (1559 г.) герои картины визуально обращаются с рыбой, как с продуктом, но художник в свои сюжеты вложил смысл, который до сих до конца не прочитан искусствоведами, поскольку не все пословицы дожили до наших дней.

Например, сюжет, где мужчина жарит рыбу, иллюстрирует пословицу «Жарить селёдку, чтобы поесть икры» (означает «сорить деньгами»). При этом возможно, в этом случае зашифрована пословица «Его селедка жарится не здесь» (все идет не по плану). К этому же фрагменту применима другая голландская пословица: «Там селёдка не жарится», т. е. его попытки терпят неудачу, он не получает того, на что надеется. В другой части картины крестьянин безуспешно ловит рыбу сачком: «Он рыбачит ниже сети» (упускать удобный случай).


Конечно, на многих картинах присутствует любимый сюжет «Большие рыбы пожирают малых» (как на работе Питера Брейгеля Старшего, 1556) — могущественные угнетают слабых; съесть самому или быть съеденным и др.


Особое место в этом контексте занимает образный ряд Джузеппе Арчимбольдо, который отразил водную стихию в женском портрете «Вода» (1563−1564 г.), составленном из различных морских обитателей.

Застолье сменило престол


Европейское общество претерпевало изменения и постепенно стала происходить переоценка ценностей. Символ Рыбы начал утрачивать свое сакральное значение и переходить в плоскость утилитарную: ловим, едим, получаем удовольствие. Это произошло в Голландии, где Реформация, запретив художникам писать картины на религиозные темы, вынудила их искать новые направления. Так появился натюрморт.


Первые натюрморты были сюжетно просты, изображение в них выстраивалось торжественно и чинно в соответствии с устоявшимися канонами: хлеб, бокал вина, рыба (символы Христа); нож (символ жертвы); лимон (символ неутоленной жажды); орехи в скорлупе (душа, скованная грехом); яблоко (грехопадении) и так далее. (Питер Клаас. Натюрморт. 1597−1661).
Рыба-символ, наделённая разнообразием смыслов и оттенков (от сатиры на человеческую похоть до отзвука споров о церковных таинствах и иерархии) получила широкое распространение в сценах рыбных рынков и лавок, ловли Рыбы и. т.д. Религиозные сюжеты постепенно начали уступать место буржуазным. Заказчиками произведений искусства уже стали не только церковь, но и новый зарождающийся класс. Каждая гильдия старалась заказать полотно для увековечивания своих заслуг, стало популярным иллюстрировать деятельность различных специальностей, ремесел.

Голландия и Фландрия, как ключевые центры развития европейской живописи, сосредоточили свое внимание на новых гуманистических ценностях: человек и его интересы.
Фламандский художник Франс Снейдерс в знаменитой серии «лавок» — «Рыбная лавка», «Фруктовая лавка», «Натюрморт с лебедем» (1613−1620 гг.) и др., изобразил столы, переполненные всевозможной снедью, чаще всего дичью или рыбой.
На полотнах сверкает серебристая рыбья чешуя, этим изобилием художник напоминает не о смерти, а об отшумевшей жизни. Не следует слишком доверять столь богатой картине — реальный быт того времени был значительно более скромным. Перед зрителем — воплощение духа старой доброй Фландрии, любви ее народа к земным дарам и простодушной мечты о благодатной Стране бездельников, где жареные куропатки влетают в рот всем желающим.

Всегда в цене



Активно использовали в своем творчестве «рыбную» тему художники начала XX века. Участники группы «Бубновый валет» стремились приблизить свое творчество к «народному лубку», создавая сочные красочные натюрморты конкурирующих с уличными вывесками, таких как «Натюрморт» (1910 г.) Ильи Машкова.


Одно из ярких упоминаний, апелирующее к классической традиции — картина основоположника метафизической живописи Джорджио Кирико «Священные рыбы» (1918 г.), в которой сюжет полон таинственности и многозначности. Да и название прямо указывает на смысл. Через десять лет Кирико создал натюрморт с рыбами, в котором он отказался от иррациональной загадочности, обратившись к традиционной образной системе.

Художников авангарда уже интересовали оптические иллюзии, игра форм, цвета, фактур (Зинаида Серебрякова, Жорж Брак, Анри Матисс).

По-своему интерпретировал образ обитательницы водной стихии Пауль Клее, создав в 1925 году картину «Золотая рыбка». Своим свечением, угрожающими «колючками» рыбка приковывает к себе взгляд зрителя. Вполне вероятно, что в этой работе автор решил обратиться к нереализованным детским фантазиям, и милое создание трансформировал в загадочную пиранью.


К мистической теме рыб обратился в 1940 г. Николай Рерих в картине «Заклятие. Терафим», на который изображен шаман, обращающийся в своем обряде к силам воды, огня, земли и воздуха.


Художники любят изображать рыб по сей день и, наверняка, будут все время возвращаться к этому образу. Скорее всего, их интерес будет продиктован свойствами обитателей морских глубин, заложенными на подсознательном уровне: водная стихия, изобилие, богатство и разнообразие природы.

Автор: Елена Настюк
Источник: artchive.ru
Поделись
с друзьями!
449
1
6
1 месяц

Верность, статус и жизненная философия. Собака, как символ в искусстве

На протяжении практически всей человеческой истории собаки служили не только защитниками, помощниками и компаньонами, но и музами. Их увековечивали в живописи и скульптуре, на гравюрах и фотографиях (и даже в монументальных творениях в форме воздушного шарика). Сейчас, спустя много веков, собаки по-прежнему сопровождают человека и служат живым символом защиты, верности и безусловной любви. Поэтому несложно понять, почему они так долго являются очень важной и яркой частью нашей визуальной истории.

Геррит (Герард) Доу — «Спящая собака и глиняный горшок» (1650)

Символизм в разных культурах


Долгое время собаки считались своего рода проводниками, связующим звеном между физическим и потусторонним миром. Древние египтяне, греки, римляне, кельты и другие народы назначали собаку священным хранителем иных миров — тех, которые находятся за пределами нашего повседневного опыта. Именно по этой причине собаку иногда называют символом смерти — поскольку она может служить стражем эфемерных областей и проводником во внетелесных путешествиях. Здесь можно вспомнить и египетского бога Анубиса с головой шакала, который сопровождал умерших в загробный мир.


Собака — священное животное греческой богини Гекаты, повелительницы теней, богини мрака, волшебства и ночных кошмаров. Однако Геката и ее верные псы еще и служат охранниками и защитниками тех, кто не может постоять за себя сам: детей и младенцев, слабых и кротких, безумных и оклеветанных.

У кельтов собаки служили символом героизма, воплощая в себе такие важные для воинов качества, как отвага, выносливость и мужество. Кельты не только использовали собак для охоты, но и обучали их для помощи в битвах. При этом здесь собака была еще и символом врачевания: этих животных часто ассоциировали с Ноденсом — богом питательных вод, охоты и исцеления.

В Китае, как и у большинства народов, собаки издавна считаются символом верности и послушания, но кроме этого — удачи и процветания. Считается, что виляющая хвостом собака предвещает приход богатства. А мощный защитный талисман по фен-шуй — пара собак Фу — охраняет дом от злых людей и негативной энергии, помогает достичь успеха в делах и материального благополучия. Собак Фу еще называют небесными львами Будды, поэтому пекинесов изначально разводили и скрещивали таким образом, чтобы они были как можно сильнее похожи на миниатюрных львов.

Собаки Фу, XIX век

Японская енотовидная собака — Тануки — один из любимых и часто встречающихся героев в японском искусстве (как традиционном, так и современном). В японском фольклоре и легендах этих животных часто наделяли сверхъестественными способностями. Как и лиса-оборотень Кицунэ, Тануки умеет превращаться в других существ и в неодушевленные предметы. В самых ранних легендах эти животные предвещали беду, они могли принимать человеческий облик, преследовали и вселялись в людей. Сейчас, много веков спустя, Тануки превратился в безобидного, в общем-то, трикстера — озорника и обманщика. Керамические статуи Тануки можно часто встретить по всей Японии, особенно в барах и ресторанах.

В традиционном японском искусстве Тануки часто изображают под луной, поскольку считалось, что именно в ночь полнолуния он превращается в других существ. Интересно, что это роднит легенды о енотовидной собаке с другими легендами об оборотнях, распространенных в разных странах по всему миру. В древнем китайском и японском фольклоре услышать вой Тануки под луной по большей части считалось дурным предзнаменованием, но в некоторых случаях оно могло, наоборот, предвещать удачу.


Охрана и охота


Датируемые бронзовым веком пещеры и гробницы часто украшены рисунками и статуями собак (по большей части — охотничьих). Даже среди древних детских игрушек и в узорах на керамических изделиях можно обнаружить этих животных.

Древние греки и римляне ценили собак за преданность и отвагу и в качестве домашних животных предпочитали их кошкам. На греческих и римских рельефах и керамике собаки изображались как символ верности. Собаки были домашними любимцами, символом статуса, охранниками и охотниками. Греки ценили этих животных за доверие и любовь. В рисунках на древнегреческих вазах частым сюжетом было возвращение Одиссея домой после странствий и встреча со своим старым псом Аргусом — единственным, кто узнал Одиссея и умер, дождавшись хозяина.

Одиссей признан своей собакой Теодор ван Тюльден

Древние римляне держали в основном три вида собак: охотничьих, чаще всего борзых (их увековечивали в виде скульптур); крупных сторожевых вроде неаполитанского мастифа (их изображения чаще использовали в рельефах и мозаиках с надписью «Cave Canem»); маленьких декоративных собак, например, мальтийских болонок, обычно заводили женщины, и в искусстве того периода их практически не найти. Животные крупных пород больше ценились из-за того, что их можно было использовать во время битв или охоты на волков.


Преданность и аристократизм


В Средневековье собаки по-прежнему считались символом верности и преданности. По этой причине их стали изображать не только в аллегорических сюжетах, но и на парных супружеских портретах (чаще всего — у ног или на коленях женщины). Собака, присутствующая на портрете вдовы, символизировала ее верность умершему супругу. Кроме того, в Средневековье изображения этих животных высекали на надгробных камнях, чтобы подчеркнуть феодальную или супружескую верность усопшего.

Ярким примером символического изображения собаки может служить «Портрет четы Арнольфини» Яна ван Эйка, хотя в этом случае исследователи не пришли к единому мнению. С одной стороны, собака на этом семейном портрете может символизировать супружескую верность, а с другой — страсть и вожделение, стремление пары иметь ребенка. В конце концов, это вполне мог быть реально существующий домашний питомец, и тогда художник запечатлел его на холсте, чтобы подчеркнуть благосостояние семейства Арнольфини.

Портрет четы Арнольфини (фрагмент) Ян ван Эйк, 1434

В средневековом искусстве получили широкое распространение сюжеты, изображающие людей и животных во время охоты. Человек, запечатленный вместе с охотничьими собаками или соколами, таким образом заявлял о своем социальном статусе, поскольку в то время охота была развлечением исключительно для аристократии и неотъемлемой частью придворного этикета. Кроме того, несмотря на развитие сельского хозяйства, охота по-прежнему оставалась важным источником пищи. Знатные люди тратили много денег на покупку специально выведенных гончих не только ради статуса, но и для того, чтобы обеспечить свою семью мясом.

Видение св. Евстафия. Антонио Пизанелло 53×65 см

Политика и человечность


В эпоху Возрождения собаки прочно обосновались в европейском искусстве. В Италии XVI века аристократы часто заказывали собственные портреты со своими питомцами, чтобы продемонстрировать высокий социальный статус. Например, на одной из фресок Андреа Мантеньи в «Камера пикта» в Мантуе под креслом маркиза Лудовико Гонзага удобно устроился его любимый пес Рубино.

Двор Гонзага. Камера дельи Спози Андреа Мантенья, 1474

Одним из самых больших ценителей и знатоков собак в искусстве Ренессанса считается Якопо да Понте Бассано. Точность и достоверность, с которыми художник изображает псов, например, на картинах «Поклонение волхвов» или «Добрый самаритянин», говорит о том, что Бассано наверняка проводил много времени, наблюдая за этими животными, изучая их строение и повадки.

Поклонение волхвов Якопо да Понте Бассано 1540-е , 183×235 см

Добрый самаритянин Якопо да Понте Бассано 1563, 102.1×79.7 см

Особое место занимают собаки и в творчестве Тициана. Они стали чаще появляться на его картинах в 1530-х годах, примерно в то время, когда художник переехал в большой «статусный» дом с садом и завел нескольких псов. Одна из самых ярких «собачьих» работ Тициана — портрет маленькой Клариссы Строцци с комнатной собачкой породы папийон. Кларисса, дочь Роберто Строцци и Маддалены Медичи, была наследницей двух знатных флорентийских родов, так что это в определенном смысле «политический» портрет. И хотя тяжелые украшения на ребенке подчеркивают ее высокое происхождение, присутствие собаки рядом с девочкой привносят в портрет некоторую долю детской беззаботности. То же самое можно сказать и о групповом портрете семейства Вендрамин, в который Тициан добавил нотку человечности и несерьезности, усадив на колени одного из мальчиков такого же бело-рыжего папийона. Похожая собака спит, свернувшись калачиком, на постели «Венеры Урбинской».

Портрет Клариссы Строцци, дочери Роберто Строцци. Фрагмент Тициан Вечеллио, 1542, 115×98 см

Семья Вендрамин поклоняется остаткам Истинного Креста Тициан Вечеллио, 1560, 206.1×288.5 см

Венера Урбинская Тициан Вечеллио, 1538, 119.2×165.5 см

Тициан использовал изображения собак как статусного символа знати и в своих картинах с мифологическими сюжетами, которые он писал для короля Испании Филиппа II. Одна из них посвящена знаменитому мифу об охотнике Актеоне, который случайно застал богиню Диану (Артемиду) за купанием, в наказание был превращен в оленя и убит собственными псами. Собака Актеона вновь появляется на другой картине Тициана — «Диана и Каллисто» — и здесь она, по всей видимости, уже принадлежит богине. Гончие псы в похожих позах присутствуют во всех трех версиях картины «Венера и Адонис». Тициан выбирал именно эти мифологические сюжеты, поскольку его заказчик, король Филипп II, был страстным любителем охоты.

Диана и Актеон Тициан Вечеллио 1559, 184.5×202.2 см

Диана и Каллисто Тициан Вечеллио 1559, 187×204.5 см

Венера и Адонис Тициан Вечеллио 1554, 186×207 см

Образ жизни и личные качества


В XVI и XVII веках, хотя собаки появлялись в живописи чаще всего в охотничьих сценах или на коленях знатных дам, некоторые художники все же использовали их изображения в качестве символических образов. Жан-Леон Жером, к примеру, изобразил древнего философа Диогена в компании псов, делая отсылку к философской школе киников (от древнегреческого κύων - собака). Антисфен Афинский, считающийся основателем этой школы, полагал, что для достижения блага нужно жить «подобно собаке» — следовать своей природе, уметь постоять за себя, быть верным, храбрым и благородным. Диоген был одним из самых ярых приверженцев кинизма, и на могиле философа даже установили мраморный памятник со скульптурой собаки.

Диоген Жан-Леон Жером

Еще в эпоху Ренессанса начали разрабатываться и устанавливаться стандарты собачьих пород. И уже в XVIII веке в живописи стали появляться полноценные портреты собак, причем иногда за этими портретами стояли удивительные истории. Например, в 1831 году Эдвин Ландсир написал портрет ньюфаундленда по кличке Боб. Этот огромный пес был спасен после кораблекрушения у берегов Англии и поселился в лондонском порту. Боб и сам стал спасателем — за 14 лет он вытащил из воды более 20 тонущих людей. За эти заслуги пса сделали почетным членом Королевского гуманитарного общества, наградили медалью и обеспечивали едой. С тех пор отдельная порода черно-белых собак, родственных ньюфаундлендам, носит название Ландсир.

Достойный член гуманного общества Эдвин Генри Ландсир 1831, 111.8×143.5 см

P.S.
ХХ век со всеми его стремительными переменами и многообразием стилей подарил собакам огромное количество новых обличий. Кассиус М. Кулидж «очеловечил» собак, усадив их за покерный стол. Франц Марк, который любил не только лошадей, писал спящих и играющих собак в своей уникальной манере. Дэвид Хокни нарисовал бессчетное количество портретов своих такс. Домашних любимцев писали Эдвард Мунк, Фрида Кало, Энди Уорхол и Люсьен Фрейд.

Покерное сообщество (Собаки, играющие в покер) Кассиус М. Кулидж, 1900-е

Играющие собаки Франц Марк, 1912, 38×54 см

Диоген, Жан-Леон Жером

В определенном смысле в искусстве ХХ века на передний план гораздо чаще стала выходить личность самого художника, и любой выбранный им сюжет (в том числе и изображение собаки) больше говорит о нем самом, чем несет глубинное символическое значение.
Источник: artchive.ru
Поделись
с друзьями!
478
0
7
2 месяца

Игра в диагнозы. Что видят медики на картинах великих художников

«Врачи любят играть в диагнозы», — признался доктор Майкл Мармор, профессор офтальмологии Стэнфордского университета и автор нескольких книг о художниках и зрении. Большинство медиков сообщают заключения лишь пациентам. Но существует целая субкультура докторов, которые увлекаются историями болезней известных умерших художников и тем, как эти недуги повлияли на их творчество.


Искусствоведение и медицина имеют одну важную общую черту: обе дисциплины требуют внимательного наблюдения и некоторых умозаключений, что привлекает практиков, которые любят хорошие головоломки. В последнее время эти две сферы начали пересекаться ещё больше. Медицинские школы в США всё чаще включают уроки искусства в свои программы, а исследования показывают, что изучение произведений тренирует у врачей навыки наблюдения. Это объясняет, почему некоторые медики проявляют интерес к жизни и творчеству мастеров искусства.

Рецензируемые медицинские журналы изобилуют исследованиями, в которых диагностируются болезни умерших художников. Выводы основываются как на врачебных записях, так и — в редких случаях — на анализе физических останков. Но чаще всего доктора-светила обращаются за подсказками к произведениям мастеров.

Урок анатомии доктора Тульпа. Рембрандт Харменс ван Рейн. 1632, 169.5×216.5 см

К этому стоит относиться просто как к игре. Доктор Мармор предупреждает, что часто врачи оперируют неточными величинами и заходят слишком далеко в своих выводах. «Художники имеют право рисовать как им хочется, поэтому стиль может изменяться и это не обязательно указывать на болезнь, — сказал он. — Умозрительные построения — это всегда весело, но не тогда, когда они представлены в научных журналах как „доказательства“». В семи опубликованных исследованиях, о которых речь пойдёт ниже, использовалось множество изобретательных методов. Учёные старались составить более полную картину физического здоровья художников в попытке лучше понять их творчество.

Больные руки Микеланджело


Однажды Микеланджело, которому было уже под восемьдесят, написал своему племяннику, что руки — его основной инструмент — причиняют ему огромную боль. «Ведение записей доставляет мне большой дискомфорт», — сетовал итальянский художник и скульптор эпохи Возрождения. И если писать ему было нелегко, то работать молотком и долотом над прочным блоком каррарского мрамора, вероятно, просто невыносимо. Но современные врачи до сих пор не могут точно определить, от какого именно заболевания суставов пострадали пальцы знаменитого скульптора.


Власти церкви Санта-Кроче во Флоренции, где похоронен Микеланджело, запретили эксгумировать его останки для патологических изысканий. Поэтому команда из пяти медицинских экспертов подошла к проблеме творчески. В своем исследовании от 2016 года, опубликованном в «Журнале Королевского медицинского общества», врачи решили опираться на три портрета художника — два прижизненных и одну более позднюю копию. Они пришли к выводу, что у Микеланджело был остеоартрит (повреждение хрящей и окружающих тканей), вызванный многолетней работой с камнем.

Косоглазие Леонардо да Винчи


Художники видят мир иначе, и некоторые офтальмологи приписывают такое творческое видение именно особенностям их зрения. В исследовании, опубликованном в 2018 году в «Журнале Американской медицинской ассоциации», утверждается, что у Леонардо да Винчи было косоглазие. Такое нарушение приводит к потере восприятия глубины — и этот недуг мог бы объяснить необычайные способности мастера эпохи Возрождения. Если у Леонардо действительно было косоглазие, это было бы «довольно удобно для художника», — пишет автор исследования Кристофер Тайлер. Он считает, что взгляд на мир одним глазом позволяет напрямую сравнивать натуру с нарисованным или написанным плоским изображением.

Витрувианский человек (пропорции человеческого тела) Леонардо да Винчи 1492, 34.3×24.5 см

В своём исследовании Тайлер сравнил шесть работ, в которых, как считается, художник изобразил себя — в том числе «Спасителя мира» и «Витрувианского человека». Учёный обосновал свой выбор словами Леонардо о том, что все его работы в той или иной степени воспроизводят его самого. Затем офтальмолог измерил угловое расхождение зрачков в этих произведениях и усреднил его. Этот показатель соответствовал косоглазию.

Искажённое видение Эль Греко


В 1913 году офтальмолог Герман Беритенс подверг сомнению то, что драматически удлинённые фигуры испанского художника эпохи Возрождения Эль Греко были стилистическим ходом. Он утверждал, что у художника серьезный астигматизм. Это — искажение зрения, которое возникает из-за того, что свет на сетчатке фокусируется неравномерно. Должно быть, это заставляло мастера в реальности видеть вытянутые по вертикали фигуры, которые он затем переводил на холст. Теория Беритенса объясняла уникальность Эль Греко и вызвала сенсацию, когда попала в газеты.

Эль Греко, «Автопортрет» (1600-е). Метрополитен-музей, Нью-Йорк

Почти столетие спустя другой исследователь понял, что логика Беритенса была интуитивной, но ошибочной. В исследовании 2002 года, опубликованном в «Леонардо», психолог из Калифорнийского университета Стюарт Анстис утверждал, что если бы у Эль Греко был астигматизм, то зрение искажало бы и его модели, и их изображения. Другими словами, если бы Эль Греко писал портрет дворянина, то и портрет, и натурщик должны были выглядеть в его глазах одинаково изменёнными — тогда бы это подтвердило диагноз.

Но Анстис проводил эксперименты, которые показали, что люди с астигматизмом могут рисовать пропорциональные предметы. «Удлинение у Эль Греко было художественным самовыражением, а не симптомом проблем со зрением», — заключил Анстис. Сейчас развенчанная им теория известна как «заблуждение Эль Греко».

Загадочная смерть Поля Гогена


Когда постимпрессионист Поль Гоген скончался на Маркизских островах в 1903 году, он оставил четыре зуба в стеклянной банке и множество предположений о сифилисе как причине смерти. Возможность ответить на ряд оставшихся без ответа вопросов, связанных с его наследием, появилась в 2000 году. Тогда эти зубы были извлечены из запечатанного колодца неподалёку от бывшей хижины художника. Кэролайн Бойл-Тёрнер, специалист по Гогену, для начала хотела подтвердить, что они действительно принадлежали французу, а затем посмотреть, что можно узнать из них.

Автопортрет с мандолиной. Поль Гоген 1889, 61×50 см

Во время круиза по южной части Тихого океана она случайно познакомилась с Уильямом Мюллером, одним из основателей Стоматологической антропологической ассоциации. Учёные начали совместное исследование, результаты которого были опубликованы в журнале «Антропология» в 2018 году. ДНК, извлеченную из зубов, сравнили с ДНК, полученной из захороненных останков отца художника, ранее обнаруженных в Чили, а также с образцом, предоставленным живым внуком Гогена. Результаты совпали. Тогда моляры проверили на наличие следов кадмия, ртути и мышьяка, которые были традиционным средством лечения сифилиса в те времена — и ничего не обнаружили.

Впрочем, это не обязательно значит, что Гоген не был сифилитиком. Это свидетельствует, что он не принимал такое лекарство, ну или не в той дозировке, которая оставляет следы.

Абстрактный взгляд Клода Моне


Художник-импрессионист Клод Моне создал свои близкие к абстрактным выразительные работы уже на закате карьеры. И в тематическом исследовании 2015 года, опубликованном в «Британском журнале общей практики», утверждается, что причиной инноваций было плохое зрение. После шестидесяти лет у Моне начала прогрессировать возрастная двусторонняя катаракта, которая приглушала краски окружающего мира. В 1913 году офтальмолог порекомендовал ему сделать операцию по удалению катаракты. Художник отказался, испугавшись неудачной операции на глазах у своей коллеги Мэри Кассат. Он велел наклеить на тюбики с краской этикетки, чтобы не ошибиться в выборе цвета.

Японский мостик в Живерни. Клод Моне 1924, 89×116 см

Но спустя десятилетие Моне всё же согласился на вмешательство. И в 1923 году перед его обновлённым взором предстали истинные цвета картин, созданных до операции. Многие из них он уничтожил и после выздоровления вернулся к своей первоначальной цветовой палитре. «Послеоперационные работы Моне лишены ярких красок и импасто, — отмечает офтальмолог и автор статьи Анна Грюнер. — Поэтому маловероятно, что он умышленно перешёл к более абстрактному стилю в поздних работах. Это подкрепляет аргумент о том, что эти произведения стали результатом катаракты, а не сознательного экспериментирования с экспрессионизмом».

Метафизические галлюцинации Джорджо де Кирико


Что, помимо безграничного воображения, помогло итальянскому художнику XX века Джорджо де Кирико создавать метафизические образы, пронизывающие его загадочные полотна? В статье, опубликованной в 2003 году в журнале «Европейская неврология», утверждается, что ответом может быть височная эпилепсия. Это неврологическое состояние, которое в некоторых случаях вызывает сложные галлюцинации. В своей книге «Гебдомерос» (1929) сам де Кирико писал, что картины отражают его галлюцинаторные переживания. Это открытие озадачило врачей, которые попытались установить, были ли видения художника результатом мигрени с аурой или височной эпилепсии.

Джорджо де Кирико, «Метафизический автопортрет» (1919). Частная коллекция

В статье отмечается, что следствием мигрени у испытуемых обычно было нечёткое или деформированное зрение, что не характерно для работ де Кирико. Его совмещение нескольких реальностей больше похоже на сложные образы, возникающие при парциальных приступах. Тем не менее, автор исследования признаёт: хотя неврологические истории болезней художников могут нести дополнительную информацию, «в них зачастую отсутствуют важные клинические данные, поэтому окончательный диагноз остаётся спорным».

Аутоиммунная болезнь «дегенеративного» Пауля Клее


Последние пять лет жизни швейцарско-немецкого художника Пауля Клее были плодотворными. Он создал почти 2500 произведений искусства — четверть всего своего творчества. Но эта работа была для него наиболее физически изнурительной. Клее страдал от сочетания кожных заболеваний, язв, анемии и вздутия пищевода. При жизни ему не был поставлен окончательный диагноз, и спустя почти 40 лет после его смерти эти недуги заинтересовали молодого дерматолога-стажёра Ханса Сутера. Десятилетиями он реконструировал историю болезни художника, говорил с вдовой и единственным сыном Клее, изучал неопубликованные письма с описанием симптомов.

Письмо призрака. Пауль Клее 1937, 33×48 см

Свои выводы Сутер обобщил в книге и статье, которые вышли в 2010 году. Он пришёл к выводу, что у Клее было редкое аутоиммунное заболевание — диффузный системный склероз. Хотя он, похоже, не повлиял на его художественный стиль. Но Сутер считает, что болезнь обострялась после определённых стрессовых событий в жизни абстракциониста. Это его увольнение с должности профессора в Дюссельдорфском колледже искусств, критические отзывы на авангардные работы и клеймо «дегенеративного» художника, навешенное нацистами.

По материалам Artsy
Источник: artchive.ru
Поделись
с друзьями!
514
5
5
2 месяца
Уважаемый посетитель!

Показ рекламы - единственный способ получения дохода проектом EmoSurf.

Наш сайт не перегружен рекламными блоками (у нас их отрисовывается всего 2 в мобильной версии и 3 в настольной).

Мы очень Вас просим внести наш сайт в белый список вашего блокировщика рекламы, это позволит проекту существовать дальше и дарить вам интересный, познавательный и развлекательный контент!