Когда смотришь на картины Валерия Блохина, кажется, будто реальность начала таять, оставляя за собой только эмоции, цвет и движение. Его живопись — это диалог на грани абстракции, где можно уловить очертания мира, но ощутить нечто большее — настроение, ритм, энергию. Блохин не просто пишет красками — он играет с восприятием, провоцирует чувство и оставляет зрителя наедине с собственными ассоциациями. Кто он — этот художник, чье полотно вибрирует между сном и явью?

Валерий Блохин родился в 1964 в г. Новороссийске.
В 1984 году закончил Краснодарское художественное училище.
С 1987 года — городские, краевые, республиканские, всесоюзные и международные выставки.
С 1990 года — в Союзе художников России.
C 1999 года – почетный член Академии Искусств Чехии им. Масарика, награжден золотой медалью этой же кадемии.
В 2006 году – награжден серебряной медалью Российской Академии Художеств.
С 2007 года – член Творческого союза художников России.

Валерий с детства занимался дзюдо и художеством. Когда первое стало мешать второму, выбрал второе. Бросил дзюдо в Новороссийске, поехав поступать в Краснодарское художественное училище, после того, как закончил местную художественную школу. В Краснодаре никого из знакомых не было. Мама привезла его в город, устроила в школу, сняла квартиру. Здесь уже он заканчивал восьмой класс, готовился поступать в художественное училище.

При этом, жил Валерий в городе сам, без родителей. Приходилось учиться образцово, чтобы не вызывали в школу родителей. А когда проводили в школе родительские собрания, то находил на улице соответствующих прохожих и уговаривал их сходить в школу. Особенно любил подбирать девушек, в качестве сестер. Находил в этом веселье.

Сам Валерий работать начал рано – около семнадцати лет. После армии уже стал работать серьезно. Но были свои проблемы. Частных заказчиков тогда не существовало. Сбыт картин через Художественные галереи шел только по факту пребывания в рядах Союза художников.

Ситуация стала меняться после 1987 года. В ту пору открылся в Краснодаре первый «Арбат» в скверике. Художники работали прямо на глазах у прохожих. Что-то даже стало продаваться. Но и здесь все шло не гладко. Власти «Арбат» переносили по городу из одного места в другое несколько раз. Это очень негативно повлияло на атмосферу в художественном «Арбате», многие художники ушли.

Восточные мотивы в творчестве Валерия Блохина появились в связи с выставочной деятельностью за рубежом. Началось все в 1990 году в Германии, а затем дошло дело и до Индии, Вьетнама, Шри-Ланки. Восток внес в творчество Валерия еще больше цвета, характерного фейерверка костюмов, орнаментов. От первой поездки было много впечатлений. Их группу там много водили, показывали обряды, различные праздники, показывали то, что иностранцам обычно не показывают. И все это под характерную мелодичную восточную музыку. А Валерий любит музыку.

Каждая последующая поездка привносила много новых впечатлений и даже потрясала. Новые эмоции были настолько сильны, что стали основной темой его творчества.

В живописи Валерий Блохин любит цвет. Но пришел к этому не сразу. После училища он был неплохим рисовальщиком. Однако тот уровень творчества был изучен другими вдоль и поперек. Возникла некоторая неопределенность и вопрос: куда идти дальше?

Знакомство с Алексеем Паршковым очень повлияло на молодого художника. Тот порекомендовал не жалеть свои работы и холсты, больше экспериментировать с цветом. И Валерий стал выливать краску на холст, учиться мыслить более абстрактно. А так как работа шла не от фигуры, а от цветового пятна, то и вскоре пришло понимание цвета. Сложилась его особая техника: сначала идут абстрактные пятна, и только потом дописывается реальность. До определенного момента Валерий не знает, что появится на холсте. Ранее он опирался, как и большая часть художников русской школы, на рисунок, карандашный набросок, который затем заполнялся цветом. А сейчас – сначала эмоции, и только затем – детали…

Как пример, Валерий приводит разглядывание стен, в которых имеются небольшие выпуклости, трещины, неровности. Из всего этого вырисовываются фигуры, лица. Это его метод в живописи – поиск в абстрактном реальных вещей.

Часто Валерий настраивается на творчество так – садится, включает музыку – чаще джаз и фольклор — и мысленно начинает путешествовать. Если получается, то приступает к работе. А если настроение не возникает, то за краски не берется. Ведь если без настроения браться за работу — ничего хорошего не выйдет.

Летняя гроза — это всегда немного волшебство. Тот самый момент, когда небо внезапно темнеет, ветер срывает листья с деревьев, а в воздухе будто закипает напряжение… Молнии рассекают тучи, и в грохоте грома слышится дыхание самой природы. Именно такие минуты вдохновляли поэтов на строки, полные силы, страха и красоты. Делимся подборкой стихов, в которых гремит, сверкает и пахнет грозой.

Летняя гроза

Синие, чистые дали
Между зеленых ветвей
Бело-молочными стали…
Ветер играет смелей.
Говор негромкого грома
Глухо рокочет вдали…
Все еще веет истома
От неостывшей земли.
Птицы кричали и смолкли;
С каждым мгновеньем темней.
В небо выходит не полк ли
Сумрачных, страшных теней.
Вновь громовые угрозы,
Молнии резкий зигзаг.
Неба тяжелые слезы
Клонят испуганный мак.
Ливень, и буря, и где-то
Солнца мелькнувшего луч…
Русское, буйное лето,
Месяцы зноя и туч!

1911 г.
Валерий Брюсов

Как весел грохот летних бурь…

Как весел грохот летних бурь,
Когда, взметая прах летучий,
Гроза, нахлынувшая тучей,
Смутит небесную лазурь
И опрометчиво-безумно
Вдруг на дубраву набежит,
И вся дубрава задрожит
Широколиственно и шумно!..
Как под незримою пятой,
Лесные гнутся исполины;
Тревожно ропщут их вершины,
Как совещаясь меж собой, –
И сквозь внезапную тревогу
Немолчно слышен птичий свист,
И кой-где первый желтый лист,
Крутясь, слетает на дорогу…

1851 г.
Федор Тютчев

Пахнет ладаном воздух. Дождь был и прошел…

Пахнет ладаном воздух. Дождь был и прошел.
Из зияющих пастей домов —
Громовыми руладами рвется рояль,
Разрывая июньскую ночь.
Героическим громом бетховенских бурь
Город мстит…

1918 г.
Марина Цветаева

Дождливое лето

Ни тучки нет на небосклоне,
Но крик петуший — бури весть,
И в дальном колокольном звоне
Как будто слезы неба есть.
Покрыты слегшими травами,
Не зыблют колоса поля,
И, пресыщенная дождями,
Не верит солнышку земля.
Под кровлей влажной и раскрытой
Печально праздное житье.
Серпа с косой, давно отбитой,
В углу тускнеет лезвие.

1850 г.
Афанасий Фет

В гелиотроповом свете молний летучих...

В гелиотроповом свете молний летучих
В небесах раскрывались дымные тучи,
На косогоре далёком — призрак дубравы,
В мокром лугу перед домом — белые травы.

Молнии мраком топило, с грохотом грома
Ливень свергался на крышу полночного дома —
И металлически страшно, в дикой печали,
Гуси из мрака кричали.

30 августа 1922
Иван Бунин

Возвращение с работы

Вокруг села бродили грозы,
И часто, полные тоски,
Удары молнии сквозь слёзы
Ломали небо на куски.

Хлестало, словно из баклаги,
И над собранием берёз
Пир электричества и влаги
Сливался в яростный хаос.

А мы шагали по дороге
Среди кустарников и трав,
Как древнегреческие боги,
Трезубцы в облако подняв.

1954
Николай Заболоцкий

Июльская гроза

Так приближается удар
За сладким, из-за ширмы лени,
Во всеоружьи мутных чар
Довольства и оцепененья.

Стоит на мёртвой точке час
Не оттого ль, что он намечен,
Что желчь моя не разлилась,
Что у меня на месте печень?

Не отсыхает ли язык
У лип, не липнут листья к нёбу ль
В часы, как в лагере грозы
Полнеба топчется поодаль?

И слышно: гам ученья там,
Глухой, лиловый, отдалённый.
И жарко белым облакам
Грудиться, строясь в батальоны.

Весь лагерь мрака на виду.
И, мрак глазами пожирая,
В чаду стоят плетни. В чаду —
Телеги, кадки и сараи.

Как плат белы, забыли грызть
Подсолнухи, забыли сплюнуть,
Их всех поработила высь,
На них дохнувшая, как юность.

______________
Гроза в воротах! на дворе!
Преображаясь и дурея,
Во тьме, в раскатах, в серебре,
Она бежит по галерее.

По лестнице. И на крыльцо.
Ступень, ступень, ступень. — Повязку!
У всех пяти зеркал лицо
Грозы, с себя сорвавшей маску.

1914
Борис Пастернак

Аэрофотосъемка дает возможность посмотреть на привычные объекты совершенно по-новому. С высоты птичьего полета перед нами открывается совсем другой мир, полный ярких красок и удивительной симметрии. Братья Эндрюс подметили эту особенность, когда впервые запустили дрон, и с тех пор не расстаются со своим маленьким и быстрым помощником. Мастера аэрофотосъемки создают потрясающие кадры, снятые с высоты птичьего полета.

Смотрите дальше лучшие работы творческого дуэта братьев Эндрюс.

Братья Джей Пи и Майк Эндрюс (JP and Mike Andrews) были потрясены, когда впервые запустили дрон в воздух. Эти полеты открыли им целый мир, спрятанный в небесах. Перспектива на земную поверхность, которая открывается с высоты птичьего полета, дала возможность увидеть захватывающую красоту. Вдохновленные тем, что они увидели, братья решили путешествовать по миру и показывать всем, каким необыкновенным и прекрасным выглядит наш мир сверху. Так появился проект Abstract Aerial Art.

Их аэрофотосъемка характеризуется умными композициями, которые создаются путем интенсивного поиска лучшей перспективы. Часто братья Эндрюс используют Google Earth и другие приложения, чтобы виртуально спроектировать кадры еще до прибытия на место. Фотографов часто спрашивают о достоверности их фотографий, настолько нереальными они кажутся на первый взгляд. Мастера говорят, что почти не обрабатывают снимки в фоторедакторе, за исключением корректировки светотени.

Братья Эндрюс демонстрируют зрителю, что наша планета до сих пор полна открытий. С высоты птичьего полета можно бесконечно узнавать новое о земле и ее жителях. Привычные объекты смотрятся по-особенному, соединяясь в причудливые композиции, которые видны только с небес. Симметрия, цвет и гармония наполняют нашу планету, стоит лишь посмотреть на нее с заоблачной перспективы под углом творческого взгляда.

Когда смотришь на картины Роберта Бейтмена, кажется, что вот-вот услышишь шорох травы под лапами хищника, плеск воды от крыльев утки или треск льда под медвежьей тушей. Этот канадский художник-анималист — не просто мастер реализма, он настоящий летописец дикой природы. Его работы — это не просто изображения животных, а глубокие истории о выживании, гармонии и исчезающей красоте мира, который мы часто не замечаем. В его картинах столько силы, точности и уважения к природе, что они кажутся по-настоящему живыми.

Robert Bateman — канадский художник-анималист. Он родился в городе Торонто в 1930 году. О своем детстве Robert рассказывает, что он всегда был художником и одновременно натуралистом, потому как все дети любят и природу, и искусство. Но дети взрослеют и когда им исполняется 12-13 лет, то начинают интересоваться «взрослыми» вещами.

А Robert Bateman не достиг своей стадии «взрослого» человека, так как серьезно увлекаться изобразительным искусством и изучением природы именно в 12 лет… Именно тогда Robert нарисовал свой первый рисунок и начал ежедневно рисовать разных птиц, по приходу из школы. Он тогда рисовал в реалистической манере, используя маленькую кисть. Но через несколько лет , испытав влияние друзей, он стал писать в более свободном стиле, уже большой кистью и более ярко.

А Robert Bateman не достиг своей стадии «взрослого» человека, так как серьезно увлекаться изобразительным искусством и изучением природы именно в 12 лет… Именно тогда Robert нарисовал свой первый рисунок и начал ежедневно рисовать разных птиц, по приходу из школы. Он тогда рисовал в реалистической манере, используя маленькую кисть. Но через несколько лет , испытав влияние друзей, он стал писать в более свободном стиле, уже большой кистью и более ярко.

В 1950 году Robert закончил Академический институт в Форест Хилл. Четыре года спустя с отличием окончил по географии Торонтский университет, получил степень бакалавра искусств. Далее Robert взялся за преподавательскую и просветительскую деятельность, при этом не забывал о творчестве. За относительно короткое время пережил увлечение импрессионизмом и постимпрессионизмом в манере Ван Гога. Затем последовал его период кубизма и импрессионистской абстракции. Но на всех этих этапах его продолжала вдохновлять природа, и поскольку он был по своей сути натуралистом, в нем всегда жило стремление к отображению природы с максимальной точностью.

В 32 года Robert Bateman посетил персональную выставку Эндрю Уайета, известнейшего американского художника-реалиста. Эндрю был мастером детализации, при доведении картин всегда пользовался маленькой кистью. Бейтмэн вспоминал, что тогда пришел к выводу, что в этом единственный путь для художника-натуралиста. После осознания этой идеи, он почувствовал себя раскрепощенным.

Так Роберт Бейтмэн обрел свой индивидуальный путь в искусстве, и верен ему до сего дня. Он не ощущает необходимости менять стиль, ведь тот животный мир, которому посвящены его многие картины, он сам по себе бесконечно разнообразен. В нем можно находить бескрайнее вдохновение, неиссякаемый источник новых идей.

На сегодня Robert Bateman является самым признанным и известным художником живой природы. Список его выставок очень длинный. Он продолжает читать свои лекции по искусствам и охране природы, и заслуги Роберта в это деле отмечены высокими государственными наградами. В университете Роял Роудс (Канада) открыт Образовательный центр Роберта Бейтмэна – т.н. «экодом», который идеально вписывается в окружающую среду и не нарушает ее естественного состояния.

У разных народов мира есть свои уникальные технологии, позволяющие создавать удивительные вещи, отражающие географические и культурные особенности местности. Зачастую подобные ремесла, существовавшие на протяжении многих поколений, процветают и сейчас, — и отнюдь не только для того, чтобы мастерить сувениры на потребу туристам. Эти изделия охотно покупают и местные жители.

Той вакайро маори, Новая Зеландия

Народ маори заселил острова Новой Зеландии, по оценкам ученых, в XIII веке. Металлургию маори не освоили, поэтому им приходилось обходиться древесиной, камнем и костью. В работе с этими материалами маорийские мастера достигли совершенства.

После появления в Новой Зеландии европейцев древнее ремесло вакайро пришло в упадок, ведь маори начали массово покупать европейские вещи. Но на волне борьбы за независимость вернулся и интерес к национальным традициям.

Возрождению вакайро в свое время поспособствовал местный политик Апирана Нгата, этнический маори, основавший в 1926 году в городе Роторуа Институт искусств и ремесел маори. Сейчас вакайро процветает: продукцию резчиков скупают не только туристы, но и сами маори, с удовольствием украшающие свой быт резными предметами интерьера. Раз в два года проводится «Рынок произведений искусства маори» (Māori Art Market), в ходе которого ремесленники распродают свою продукцию.

Молас куна, Центральная и Южная Америка

Молас — это ткань ручной работы, создаваемая методом аппликации мастерицами народа куна (гуна) в Панаме и Колумбии. Из этой ткани делают национальные костюмы, которые куна носят в обыденной жизни. Когда-то женщины куна наносили похожие узоры прямо на свое тело. Но после появления в этих краях испанцев аборигены начали покупать у них хлопчатобумажную ткань европейского производства и переносить на нее свои национальные узоры.

Создание молас требует многих часов кропотливой работы. Качество и, соответственно, стоимость оцениваются по числу соединенных вместе слоев разноцветных тканей (от двух до четырех и больше), тонкости шва и сложности рисунка. Чаще всего куна используют геометрические узоры, похожие на свои татуировки.

Также в ходу узоры с изображением животных, птиц и цветов. В последнее время стали появляться и мотивы, позаимствованные из современной поп-культуры. Причем подобные ткани куна делают в первую очередь для своих соплеменников, а не для продажи туристам.

Лакированная посуда Цугару, Япония

Более трехсот лет назад в Японии научились делать посуду, отличающуюся повышенной прочностью и уникальными узорами. Правитель дайме Цугару Нобумаса пригласил лучших японских лакировщиков, которые создавали по его заказу декоративные ножны для самурайских мечей, посуду, ящики для хранения писем, чернильницы и многое другое. Мастера наносили множество тончайших слоев лака на основу из древесины кипариса: чем больше слоев, тем массивнее и прочнее получится изделие.

Для росписи используют несколько видов узоров. Основа: моншанури — черные контуры на темной поверхности и нисикинури — сплетение кругов, узоров и линий. Дополняют их каранури, напоминающие капли дождя, и маленькие кружки нанаконури — похожие на рыбью икру. Комбинируя эти элементы, мастера добиваются бесконечных вариаций узоров.

Минакари Исфахана, Иран

Еще задолго до нашей эры на территории современного Ирана освоили технику эмалирования металла и керамики — минакари (в переводе «помещать в рай»). Мастера стали выводить цветной эмалью на посуде, вазах, женских украшениях и прочих предметах различные узоры и рисунки — сцены пиров, охот, верховой езды и т. д.

Сейчас центр традиционного производства изделий с эмалью — город Исфахан. Процесс весьма трудоемок, проходит в несколько этапов и требует участия нескольких высококвалифицированных ремесленников. Посуда минакари пользуется большим спросом как в самом Иране, так в соседних странах.

Техника вырезания из бумаги Цзянчжи, Китай

Ремесло художественного вырезания из бумаги существует, возможно, уже со II века нашей эры. Оно появилось практически одновременно с изобретением самой бумаги. Изначально рисунки, вырезанные из бумаги, применялись во время обрядов и культовых церемоний — например, для празднования Нового года в храме.

Позже искусство ушло в народ, люди начали создавать в этой технике обереги от злых духов. В Китае есть несколько художественных школ. Самая известная — Цзянчжи. Ее традиции распространены в провинциях Цзянсу и Чжэцзян на востоке страны. Техника Цзяньчжи предполагает вырезание фигур строго из цельного листа бумаги: склеивание и составление из частей, как в аппликации, исключено. Приверженцы этой школы склоняются к естественным формам — они вырезают цветы, рыбы, фрукты, человеческие фигурки. Самые искусные мастера способны вырезать сложные бытовые сценки с большим количеством персонажей.

В 2009 году искусство вырезания из бумаги было включено в список культурного наследия человечества ЮНЕСКО. Бумажные узоры, выполненные в технике Цзяньчжи, в Китае и сейчас широко используются для декора стен, дверей, окон, колонн, зеркал, ламп и фонарей.

Синдские аджраки, Пакистан

В пакистанской провинции Синд существует древняя традиция изготовления аджрака — трехметровой хлопковой шали, окрашенной в багряный цвет и индиго и украшенной черными и белыми узорами.

Их созданием занимаются только мужчины. Ткань подолгу вымачивают в водоемах, а потом отбивают о камни. Затем опускают в жидкий верблюжий навоз, смешанный с содой и красителями, — из-за этого материал приобретает свойства, которые позволяют красителям протравливать ткань, благодаря чему узоры получаются яркими и долговечными.

После отбивки ткань сушат на солнце, а затем начинается штамповка узоров. Рисунок засыпают высушенным коровьим навозом, который оседает на еще сырой краске и придает ей особую стойкость. Ведь будущие аджраки после этого еще вываривают в чане с красителями и стирают в холодной воде в третий раз. Так цвета усиливаются. После последней сушки шаль готова.

В Синде аджраки пользуются большим спросом и у женщин, и у мужчин, и у пожилых, и у молодых, и у богатых, и у бедных. Правда, в последнее время местный рынок заполонили фабричные подделки, изготовленные на станках и покрашенные обычными красителями. Они не имеют той глубины и стойкости цвета, которые присущи настоящему аджраку.

Вампум алгонкинов, ирокезов, криков и си, Северная Америка

Индейские племена широко использовали вампумы (нанизанные на шнуры цилиндрические бусины из раковин моллюсков вида Busycotypus canaliculatus) как минимум с начала XVI века. Вампумы служили для самых разных целей и даже заменяли письменность: комбинируя расположение бусин на шнурах, шифровали сообщения, которые можно было отправлять вместо писем. Из бусин делали пояса-украшения.

Появление в этих краях европейцев привело к тому, что вампум изрядно обесценился, ведь пришельцы активно сбывали туземцам металлические инструменты и стеклянные бусинки промышленного производства. Но ремесло все же выжило, сейчас индейцы считают его символом самоидентификации. Поэтому многие художники из числа коренных народов продолжают создавать пояса вампум, используя традиционные методы и материалы — и современные индейцы их активно носят. В 1998 году племя ункечогов, живущее на юго-востоке Лонг-Айленда, построило небольшую фабрику по производству таких бусин.

Ткани бауле, Центральная Африка

Населяющий центральный и южный районы Кот-д`Ивуара народ бауле занимается земледелием и ремесленничеством. Одежду шьют из ткани собственного производства. Полотно получают из узких полосок, сотканных из хлопковой нити и сшиваемых вместе. Ткань богато украшена орнаментом, каждый узор имеет символическое значение, и может рассказать посвященным целую историю из жизни рода человека, который ее носит.

Истоки ткаческого искусства бауле восходят еще к королевству Ашанти, возникшему в Западной Африке в конце XVII века. Однако это ремесло процветает и сейчас. Ткань бауле используется и в родном регионе, и идет на экспорт, обеспечивая работой многие семьи. Поэтому весьма ходовым товаром в Кот-д`Ивуаре являются ткацкие станки и ингредиенты для получения натуральных красителей.

Зеркала Аранмулы, Индия

В индийском штате Керала есть храмовый город Аранмула, мастера которого более 300 лет хранят секрет изготовления уникальных металлических зеркал. Эти зеркала дают исключительно четкое и точное отражение. Считается, что только они могут отразить истинную суть человека.

История происхождения этих зеркал окутана легендами, а состав сплава долгое время держался в секрете. Несколько семей мастеров передают его из поколения в поколение. В основе сплава — медь и олово. Отражающая поверхность создается путем полировки и сложного процесса травления. Работа очень кропотливая и требует от мастера не только навыков, но и исключительного терпения.

На изготовление одного зеркала может уйти до двух недель. Но затраченные усилия окупаются — в Керале эти зеркала считаются символом процветания и удачи, и их часто дарят по торжественным случаям. Стоят они дорого, но на отсутствие спроса мастера не жалуются.

Зулусские корзины, Южная Африка

Зулусы плетут корзины из пальмовых листьев и окрашивают их в яркие цвета красителями, которые получают путем кипячения корней, ягод, листьев и коры растений. Чтобы корзины из листьев были водонепроницаемыми, мастерам приходится сделать от 180 до 300 стежков на квадратный дюйм.

К середине прошлого века это ремесло почти исчезло из-за повсеместного использования жестяных сосудов и пластиковых емкостей. Однако в конце 1960–х годов шведский миссионер Кьелль Лофрот, желая помочь жителям Квазулу-Натал, где начался голод, основал общество развития традиционных ремесел «Вукани» («Просыпайся и берись за дело»). Он нанял трех пожилых женщин, помнивших искусство плетения, которые стали обучать молодых соплеменников.

Постепенно ремесло возродилось, и корзины вновь начали завоевывать местный рынок. Они широко используются местными жителями в быту и служат непременным подарком молодоженам на свадьбах.

Автор текста:Владимир Веретенников

Царица Клеопатра едва ли не самая знаменитая женщина древности. Все помнят ее по невообразимым ритуалам ухода за собой и головокружительным романам с Цезарем и Марком Антонием. Но о том, как на самом деле жила эта великая правительница, сейчас остается только гадать.

Мы решили изучить наиболее примечательные и неожиданные факты из биографии Клеопатры, чтобы выяснить, почему даже спустя тысячи лет ее имя знает каждый.

Птолемеи правили Египтом 275 лет. Клеопатра стала последней царицей из этой династии. Причем на самом деле ее полное имя Клеопатра VII, то есть она была седьмой по счету женщиной с таким именем в семействе египетских фараонов.

Как следует из записей Плутарха, правительница не обладала выдающейся красотой, которую нередко демонстрируют в кинематографе. Но она, по его словам, восхищала своими речами, манерой поведения и бархатным голосом. Римский историк Аврелий Виктор, напротив, утверждал, что эта женщина была настолько привлекательна, что «многие мужчины готовы были отплатить своей жизнью за одну ночь с ней».

Впрочем, изучив скульптуры Клеопатры, а также ее изображения на древних монетах, ученые пришли к выводу, что она обладала крупным носом, довольно узкими губами и острым подбородком. Ее рост составлял 152 см, и в наше время она бы считалась полноватой.

О секретах ее ухода за собой до сих пор слагают легенды

Образ Клеопатры хорошо «раскупается» по сей день. В настоящее время маркетологи любят говорить о разных средствах, подчеркивая, что «так делала сама Клеопатра». Наиболее известны ее следующие советы по части красоты:

Считается, что она принимала ванну, в которую добавляли подогретое молоко и мед, от этого кожа царицы была невероятно нежной. Также она использовала скраб, который делали из сливок с добавлением морской соли.
Знаменитые черные стрелки Клеопатры были не украшением, а лекарством. Они помогали справиться с инфекциями глаз, которые в те время были не редкостью. Сурьма, с помощью которой красавице делали макияж, содержит вещества, препятствующие развитию подобных заболеваний.

Царица знала, что мед обладает антибактериальными свойствами, поэтому наносила его на кожу лица как крем.
При воссоздании макияжа в стиле Клеопатры большинство современных людей используют золотой или нюдовые цвета. Однако царица красила губы и щеки в ярко-красный цвет. Для этого она использовала красную охру, мелко измельченную и смешанную с водой.

Она умывалась по несколько раз в день маслом с известью и ополаскивала лицо яблочным уксусом.
Чтобы кожа оставалась мягкой и чистой, Клеопатра протирала лицо розовой водой. Удивительно, но по сей день этот ингредиент входит в состав большинства тоников и очищающих средств. Сделать его можно и самой: достаточно поместить лепестки розы в кастрюлю с водой и довести ее до кипения. Как только лепестки потеряют большую часть своего цвета, выключите плиту и дайте отвару остыть. При желании можно добавить в раствор немного витамина Е.

Натуральным лаком для ногтей, который использовала Клеопатра, была хна. Она придавала ногтям красивый красновато-коричневый цвет.

Чтобы приготовить специальную смесь для эпиляции, правительница смешивала огурец, камедь, масло, сок платана и измельченные кости определенной птицы.

Если у вас когда-нибудь закончится карандаш и тени для бровей, поджарьте немного миндаля. Царица Египта использовала этот жженый орех, чтобы затемнить брови.

У Клеопатры был особый рецепт для избавления от нежелательного загара. Им можно вооружиться и сегодня: возьмите стакан зеленого винограда и столовую ложку меда. Смешайте и нанесите на кожу. Через 15 минут загар сойдет с тела.

Но главным ее достоинством был незаурядный ум

Царица по праву считалась одной из самых образованных женщин своего времени. Ее познания в литературе, искусстве, политике, философии поражали собеседников. Обладающая удивительной грацией и изяществом женщина прекрасно играла на лютне и арфе, пела и танцевала. Помимо этого Клеопатра знала как минимум семь языков, поэтому редко прибегала к помощи переводчиков, предпочитая лично общаться с иностранцами.

Однажды народ поднял бунт, и царице пришлось уехать из Александрии. Однако вскоре в столицу прибыл Цезарь, с которым ей было необходимо встретиться, чтобы подавить восстание. Чтобы прорваться сквозь разъяренную толпу, царицу завернули в мешок, а ее сподвижник, прикинувшись рыбаком, смог пронести ее во дворец. Пораженный такой хитростью римский император без памяти влюбился в Клеопатру.

Позже Цезарь стал готов на все ради египетской правительницы. А в римском храме Венеры по приказу влюбленного императора установили золотую статую Клеопатры и стали воздавать ей божественные почести.

Клеопатра завоевывала сердца самых влиятельных людей своей эпохи

Позже в Риме начали считать, что своим наследником Цезарь хочет провозгласить сына египетской царицы. По некоторым слухам, из-за этого против императора созрел заговор, который привел к его трагической гибели.

Клеопатра понимала: царицей Египта она сможет остаться только в том случае, если обольстит Марка Антония. Она решила завоевать сердце римского воина во что бы то ни стало. Клеопатра знала, что полководец считал себя олицетворением греческого бога Диониса, и, чтобы произвести на него впечатление, решила подыграть ему. Она появилась в городе в облачении греческой богини Афродиты. Увидев женщину, полководец потерял голову.

Очевидцы рассказывали, что с Антонием Клеопатра вела себя иначе, чем с Цезарем. Если с римским императором она всегда была остроумной, очаровательной, изящной, рассуждала об искусстве, литературе и политике, то с ним вела себя как куртизанка: нецензурно выражалась, много пила, пела неприличные песни.

Безумно влюбленный Антоний делал для нее все, чего бы она ни пожелала. Его увлечение было настолько сильно, что он даже развелся со своей законной женой Октавией.

Клеопатра любила эпатировать и держать окружение в тонусе

Царица изучала математику, астрономию, ораторское искусство и философию. Клеопатра стала единственной из всей династии, кто принял религию и интересовался культурой Египта. До ее правления Птолемеи не особо интересовались богами и обычаями своего народа.

У Клеопатры было отличное чувство юмора. Вместе с Марком Антонием она основала клуб «Неподражаемая печень». Его участники устраивали шумные вечеринки с горячительными напитками. Царица и Марк Антоний одевались в специальные костюмы, чтобы их никто не узнал, и бродили ночами по городу.

Однажды Клеопатра потратила на коктейль сумму, равную сегодняшним $ 20 млн. Чтобы его приготовить, ей понадобилась чашка уксуса и гигантская жемчужина. Она бросила ее в чашку уксуса и наблюдала, как камень растворяется. После этого царица спокойно осушила чашку необычного коктейля.

Царица родила детей как от Юлия Цезаря, так и от Марка Антония. От Цезаря был сын по имени Цезарион. От Антония — близнецы Александр Гелиос и Клеопатра Селена, а также Птолемей Филадельфус.

Клеопатра была уверена, что ароматы могут стать инструментом убеждения. У нее имелась собственная парфюмерная фабрика. Там же неподалеку располагались салон красоты и спа. Их развалины обнаружили при раскопках.

Клеопатра стала последней правительницей в своей династии

Разгневанный брат бывшей супруги Антония, Октавиан, решил пойти на Египет войной. Противнику удалось одержать победу, и египетская царица впадала в отчаяние. К тому же она узнала, что ее собираются провести в цепях, как рабыню, за колесницей Октавиана. Тогда Клеопатра произнесла: «Эти запястья созданы для того, чтобы носить драгоценности, а кандалы — для плебеев и преступников. Никогда царице Египта не быть побежденной!»

В свой последний день она закатила роскошный пир для победителей. Во время застолья женщина удалилась в свою спальню. По одной из версий, она приняла яд, по другой — специально уколола змею, чтобы та ее укусила.

Клеопатра стала последней царицей Египта. Ее кончина совпала с закатом величия этой страны, и некогда могущественная империя превратилась в одну из римских колоний. Ее жизнь была полна интригующих поворотов и была настолько яркой и необычной, что Клеопатру помнят и почитают до сих пор.

А как вы относитесь к Клеопатре? Считаете, она действительно была незаурядной женщиной или исследователи преувеличивают ее заслуги?

Лувр, где хранится «Мона Лиза», является всемирно известной сокровищницей искусства, ежегодно привлекающей миллионы посетителей. Хотя «Мона Лиза», несомненно, привлекает всеобщее внимание, истинная красота Лувра заключается в его глубине и разнообразии. Помимо толпы людей, окружающих знаменитый портрет, вас ждет множество шедевров, каждый из которых рассказывает свою уникальную историю и демонстрирует эволюцию искусства на протяжении веков и культур. Давайте отправимся в путешествие, чтобы познакомиться с 14 самыми известными картинами Лувра, вникая в их историю и значение.

Где: Обычно в крыле Ришелье, на втором этаже, зал 818.

Картина «Мадонна канцлера Ролена», выполненная около 1435 года, является краеугольным камнем ранней нидерландской живописи. Ян ван Эйк, мастер масляной живописи, демонстрирует свое непревзойденное мастерство и скрупулезное внимание к деталям в этой культовой работе.

На картине изображен Николя Ролен, канцлер Бургундии, преклонивший колени в молитве перед Девой Марией и Младенцем Христом. Декорация — тщательно выполненный интерьер с захватывающим дух пейзажем, открывающимся из окон. Мастерство Ван Эйка проявляется в замысловатых деталях – богатой фактуре одежды персонажей, тонкой игре света на их лицах и детально переданном пейзаже. Особого внимания заслуживает использование света, создающего ощущение божественного присутствия и освещающего роскошные текстуры и поверхности по всей сцене.

Эта работа выходит за рамки религиозной живописи; это портрет власти. Статус и благочестие Ролена очевидны в его позе и одежде, отражающих социальный и политический ландшафт того времени. Реставрация картины в период с 2021 по 2024 год подчеркнула красоту искусства, а весной 2024 года в Лувре была организована специальная выставка.

2. «Автопортрет с чертополохом», Альбрехт Дюрер

Где: Обычно в крыле Ришелье – 2–й этаж, зал 809.

Этот автопортрет, написанный в 1493 году, когда Дюреру было всего 22 года, демонстрирует его не по годам развитый талант и уверенность в себе, что является поворотным моментом в искусстве эпохи Возрождения. Дюрер был на уровне, сравнимом с Леонардо да Винчи.

На картине Дюрер изображен элегантно одетым, держащим в руках веточку эрингиума (которую часто принимают за чертополох), символизирующую верность. Мастерство Дюрера в технике рисования маслом проявляется в поразительном реализме и детализации — от тонких оттенков кожи до тонко прорисованных складок одежды. Его проницательный взгляд и ракурс в три четверти создают интимную связь со зрителем.

Внешность художника отражает ренессансные идеалы культурного человека, передавая чувство самосознания. Этот автопортрет демонстрирует техническое мастерство Дюрера и подчеркивает его художественную индивидуальность. Ее присутствие в Лувре подчеркивает важность Дюрера как ключевой фигуры, соединяющей традиции Северной Европы и итальянского Возрождения. Он поддерживал контакты с крупнейшими итальянскими художниками своего времени, включая Рафаэля, Джованни Беллини и Леонардо да Винчи.

3. «Пасторальный концерт», Тициан (ранее приписывавшийся Джорджоне)

Где: Обычно в крыле «Денон», 1–й этаж, зал 711 (Государственный зал).

«Пасторальный концерт», который когда-то приписывался Джорджоне, в настоящее время считается ранним шедевром Тициана, датируемым примерно 1509 годом. Это один из краеугольных камней венецианского ренессанса, представляющий творчество основателей этого движения.

Не пропустите: Опасные туристы: Почему музеи Парижа переполнены?
На картине изображены двое элегантно одетых молодых людей, беседующих на фоне безмятежного, залитого солнцем пейзажа, в сопровождении двух обнаженных женских фигур, напоминающих муз поэзии и музыки. Загадочная аллегория завораживала зрителей на протяжении веков. Одна женщина наливает воду из хрустального кувшина, а другая играет на флейте.

Позже Мане шокирует Париж, поместив современных обнаженных женщин рядом с современными джентльменами в своей картине “Завтрак на траве”, превратив эту ренессансную аллегорию в социальный комментарий. Сегодня это шедевральное произведение продолжает очаровывать зрителей гармоничным сочетанием реализма и поэтической аллегории.

4. «Меняла и его жена», Квентин Массейс

Где: Обычно это крыло Ришелье, 2–й этаж, зал 814.

Эта картина Квентина Матсиса, написанная в 1514 году, является прекрасным образцом искусства фламандского Возрождения. Она демонстрирует внимание Матсиса к деталям и его способность придавать повседневным сценам глубокий моральный смысл.

На картине изображены меняла и его жена, тщательно взвешивающие и пересчитывающие монеты. Тщательная передача Матсисом текстур и поверхностей, от сверкающего металла монет до мягкого меха рукавов, демонстрирует техническую виртуозность фламандской живописи.

Помимо реалистичности, картина несет в себе моральный и религиозный подтекст. Раскрытый молитвенник и озабоченность пары деньгами указывают на конфликт между мирскими и духовными заботами. Картина призывает задуматься об искушениях жадности и важности духовных ценностей.

5. «Женщина перед зеркалом», Тициан

Где: Обычно в крыле Denon, на 1–м этаже, в зале 711 (Государственный зал).

«Женщина перед зеркалом» (фр. «La Femme au miroir») — свидетельство мастерства Тициана в изображении красоты эпохи Возрождения. Созданная около 1515 года, она запечатлела момент интимного размышления: золотистые волосы героини ниспадают каскадом на изумрудное бархатное платье, когда она изучает свое лицо.

Картина вызвала бурные споры своего времени, и Тициан продемонстрировал, как живопись может превзойти скульптуру, изображая несколько точек зрения одновременно. Работа Тициана также известна в истории искусства, поскольку ее интерпретация учеными до сих пор остается предметом споров. Некоторые видят в этом размышление о тщеславии, аллегорию благоразумия или торжество любви и красоты. Некоторые видят в этом визуальную метафору брака, в то время как другие интерпретируют это как сложное утверждение о природе видения и того, что тебя видят.

Работы Тициана часто остаются незамеченными посетителями из-за популярности «Моны Лизы», но это квинтэссенция мастерства художника и культурных нюансов эпохи Возрождения. Тициан, вероятно, родился в 1488 году, через 5 лет после Рафаэля, но умер в 1576 году, в возрасте 88 лет, через 56 лет после него.

6. «Портрет Бальдассаре Кастильоне», Рафаэль

Где: Обычно крыло Денона занимает 1–й уровень – зал 712 (Большая галерея).

На этом мастерском портрете, написанном Рафаэлем в 1515 году, изображен Бальдассаре Кастильоне, выдающийся итальянский дипломат, военный и писатель. Картина известна своим глубоким изображением и технической виртуозностью, воплощая идеалы Высокого Возрождения.

Рафаэль представляет Кастильоне в трехчетвертном ракурсе, который смотрит прямо на зрителя с безмятежным выражением лица. Идеальный баланс и гармония композиции, а также приглушенная цветовая палитра создают ощущение сдержанной элегантности, отражающей утонченный характер Кастильоне.

Портрет особенно важен своей психологической глубиной, он отражает не только физическое сходство Кастильоне, но и его интеллектуальные и духовные качества. Это согласуется с работами самого Кастильоне об идеальном придворном эпохи Возрождения. Картина оказала глубокое влияние на более поздних художников, послужив образцом для многих последующих портретов и продемонстрировав непревзойденную способность Рафаэля передавать внешний облик и внутреннюю сущность своих персонажей.

7. «Весна», Джузеппе Арчимбольдо

Где: Обычно в крыле «Денон», 1–й уровень, зал 712 (Большая галерея).

«Весна» Джузеппе Арчимбольдо, написанная в 1573 году, является ярким примером оригинального и причудливого стиля художника. На этом портрете, входящем в его знаменитую серию “Времена года”, изображена человеческая голова, полностью состоящая из весенних цветов и растений.

Не пропустите: Самые лучшие музеи истории викингов в Норвегии
Тщательное внимание Арчимбольдо к ботаническим деталям проявляется во множестве точно прорисованных цветов, которые формируют черты фигуры. Картина демонстрирует уникальную способность художника сочетать натюрморт с портретом, создавая одновременно реалистичный и фантастический образ.

Эта работа отражает интеллектуальный климат позднего Возрождения с его интересом к естественным наукам и визуальным головоломкам. Инновационный подход Арчимбольдо повлиял на художников-сюрреалистов столетия спустя. “Весна” демонстрирует не только техническое мастерство художника, но и его остроумие и фантазию, предлагая зрителям восхитительный визуальный парадокс.

8. «Габриэль д’Эстре с сестрой», неизвестный художник

Где: Обычно это крыло Ришелье, 2–й этаж, зал 824.

«Габриэль д’Эстре с сестрой» — известная картина, написанная примерно в 1594 году, приписываемая неизвестному художнику, но явно относящаяся ко Второй школе Фонтенбло, периоду позднего маньеризма, завершавшему французское возрождение с 1594 по 1617 год.

Картина знаменита своим интригующим изображением Габриэль д’Эстре, любовницы французского короля Генриха IV, рядом с одной из ее сестер. Интимный момент, запечатленный на картине, раскрывает тонкий символизм, особенно жест сестры, щиплющей Габриэль за сосок, намекая на тему плодородия.

Картина отражает придворную жизнь и художественные пристрастия конца XVI века. Это замечательный образец портретной живописи французского Ренессанса, сочетающий эротизм с политическим подтекстом. Посетители Лувра переносятся в эпоху, когда искусство переплеталось с властью и индивидуальностью.

9. «Гадалка», Караваджо

Где: Обычно крыло Денона занимает 1–й уровень – зал 712 (Большая галерея).

Эта ранняя работа Караваджо, написанная около 1594 года, демонстрирует революционный подход художника к живописи и его мастерство владения светотенью. На картине изображен молодой человек, которому цыганка-гадалка гадает по ладони, а тот тайком снимает кольцо с пальца.

Новаторское использование Караваджо драматического освещения и его акцент на психологическом взаимодействии персонажей ознаменовали отход от идеализированного искусства позднего Возрождения. Реализм картины и выбор современного уличного сюжета были новаторскими для своего времени. Внимание Караваджо к деталям проявляется в разнообразии фактур и тонкой игре выражений, приглашая зрителя разгадать историю обмана, разворачивающуюся перед ним.

10. «Коронация в Сен-Дени», Питер Пауль Рубенс

Где: Обычно это 2–й этаж в крыле Ришелье, зал 801 (Галерея Медичи).

Эта монументальная картина 1625 года, написанная по заказу в рамках цикла о Марии Медичи, является самой известной из 24 картин этого цикла, которые представлены в отдельном зале Лувра.

На огромном шедевре запечатлена коронация Марии Медичи в аббатстве Сен-Дени, где кардинал де Жуайез возлагает корону. Виртуозная работа художника со светом и цветом, особенно с роскошными красными и золотыми оттенками, подчеркивает священный и царственный характер церемонии.

Динамичная спиральная композиция и тщательное внимание к деталям – от сверкающих церковных облачений до величественной готической архитектуры – превращают этот исторический документ в визуальный праздник.

Коронация, состоявшаяся 13 мая 1610 года, приобрела трагическое значение, когда на следующий день был убит король Франции Генрих IV, что привело к регентству Марии над юным Людовиком XIII. Эта внезапная смена власти вызвала устойчивые слухи о ее причастности к смерти короля, хотя историки по-прежнему расходятся во мнениях относительно теории заговора.

Этот шедевр Питера Пауля Рубенса демонстрирует замечательную композицию, которая позже вдохновила Жака-Луи Давида на создание знаменитой картины “Коронация Наполеона”.

11. «Мученичество святого Себастьяна», Жорж де Латур

Где: Обычно это 2–й этаж 912–й зал в крыле Сюлли.

Эта картина, написанная между 1634 и 1643 годами, демонстрирует мастерство Жоржа де Латура в области светотени и его уникальный подход к религиозной тематике.

На картине изображены Святая Ирина и ее служанка, ухаживающие за ранами святого Себастьяна, который был ранен стрелами. Бросается в глаза характерное для Де Латура использование драматического освещения: сцена освещается единственным невидимым источником света, создающим мощный контраст между светом и тенью. Композиция удивительно проста, но в то же время мощна: фигуры образуют треугольную группу на темном фоне.

Внимание Де Латура к деталям проявляется в реалистичном изображении ран Себастьяна и тщательной передаче текстуры ткани. Эта картина демонстрирует способность художника сочетать религиозную тематику с глубоко человеческим и чутким подходом, создавая духовно глубокое и эмоционально резонансное произведение.

12. «Автопортрет Рембрандта за мольбертом», Рембрандт

Где: Обычно это крыло Ришелье, 2–й этаж, зал 844.

Этот очаровательный автопортрет, написанный Рембрандтом около 1660 года, является шедевром самоанализа и технического мастерства. Это одна из самых известных картин Золотого века Голландии.

На картине, созданной в конце карьеры художника, Рембрандт изображен за работой, стоящим перед мольбертом с кистями и палитрой в руках. Насыщенные, землистые тона и свободный, выразительный мазок характерны для зрелого стиля Рембрандта.

Картина примечательна своей психологической глубиной и тем, как художник уверенно передает самого себя. Лицо Рембрандта выходит из тени, освещенное мягким светом, подчеркивающим его обветренные черты и проницательный взгляд.

Этот автопортрет является глубоким размышлением о жизни, карьере и художественном творчестве художника. Это свидетельствует о неизменном увлечении Рембрандта автопортретом, жанром, в котором он был пионером и мастером, и оставил после себя визуальную автобиографию, охватывающую всю его карьеру.

13. «Клятва Горациев», Жак-Луи Давид

Где: Обычно в крыле Denon, 1–й этаж, зал 702 (Salle Daru).

Эта картина, являющаяся квинтэссенцией неоклассического искусства 1784 года, воплощает в себе такие добродетели, как патриотизм и самопожертвование, оказав влияние на поколения художников. Клятва Горациев — это символ революционных настроений в дореволюционной Франции.

На картине изображена сцена из римской истории: три брата клянутся на своих мечах сражаться за Рим, в то время как женщины скорбят, предвидя трагический исход. Дэвид использовал композицию, напоминающую фриз, с фигурами, расположенными параллельно плоскости картины, что создает ощущение монументальности. Четкая скульптурная прорисовка фигур и акцент на линии, а не на цвете, являются отличительными чертами неоклассического стиля. Строгая композиция картины и эффектное освещение оказали влияние на поколения художников.

14. «Великая одалиска», Жан Энгр

Где: Обычно в крыле Denon, на 1–м этаже, в зале 702 (Salle Daru).

Эта работа в стиле ориенталистики, написанная в 1814 году, демонстрирует отход Жана-Огюста-Доминика Энгра от строгой анатомической точности в пользу чувственности и экзотики.

На картине изображена наложница в окружении гарема. Намеренное искажение фигуры Энгром, особенно удлиненной спины, вызвало споры, но также и восхищение ее изящными, извилистыми линиями. Богатые ткани, павлиний веер и тюрбан создают экзотическую атмосферу, отражая европейское увлечение Востоком в 19 веке. Эта картина остается ключевой в обсуждении ориентализма и женской обнаженной натуры в западном искусстве.

Изучая эти 14 замечательных картин, посетители могут глубже оценить художественное разнообразие Лувра, эволюцию истории искусства и способность искусства отражать и формировать человеческий опыт. Лувр предоставляет уникальную возможность прикоснуться к прошлому, поучиться у мастеров и вдохновиться красотой и сложностью человеческого творчества.