Carla Bosch родилась 14 января 1976 года в Претории, Южная Африка. Отец Карлы, наверное, чувствовал, что у его дочери есть художественные способности, так как организовал для нее занятия по изобразительному искусству, когда ей было еще пять лет. Сейчас Карла говорит, что именно отец в свое время привил ей чувство красоты: «Когда мы путешествовали, он находил время, чтобы показать нам, как красивый свет упал на гору или как солнце пробивалось сквозь облака. Он часто брал нас в галереи, чтобы мы могли полюбоваться красотой искусства. По сути своей он был художником, но как фармацевт на полную ставку мог творить только в свободное время или в отпуске. Он всегда поощрял меня жить своей мечтой, и теперь, когда он вышел на пенсию, он также может практиковать свою любовь к искусству.

Вера в то, что жизнь по своей сути красива, была привита мне задолго до того, как я взяла кисть в профессиональном качестве. Я искренне верю, что жизнь прекрасна. Я говорю, что она прекрасна не только в моменты безмятежного отсутствия трудностей, но что мы можем найти невероятную красоту даже в разгар нашей величайшей борьбы.

Отец знакомил меня и мою сестру с миром изобразительного искусства с самого раннего возраста. К тому времени, как я окончила колледж, у меня был довольно большой опыт живописи и я была знакома с несколькими известными профессиональными художниками, которым удалось построить значительную художественную карьеру. Я посетила одну из персональных выставок этих художников и сразу поняла, что это то, что я хочу заниматься. Однако я поняла, что мне придется стать финансово успешной, чтобы построить устойчивую карьеру, а этого чрезвычайно трудно достичь в профессии художника. Я хорошо знала об этих трудностях, но в сердце уже все было решено. Помню, как я делилась этой мечтой с несколькими друзьями и просила их молиться со мной о моих начинаниях. Остальное, как говорится, это — история.”

Карла Бош изучала дизайн интерьера в Технологическом университете Претории, но в итоге выбрала живопись в качестве своей карьеры.

«Сначала мне пришлось рисовать то, что было востребовано, чтобы зарабатывать на жизнь. Быть художником всегда звучит романтично для сторонних людей, но это может быть физически и эмоционально тяжело, занимает много внимания и сил. Со стороны это незаметно.

Со временем у меня развилась любовь к мастихиновой технике, и потребовалось много часов практики, чтобы усовершенствовать мастерство. В итоге тяжелая работа окупилась, так как картины оказались очень популярны среди коллекционеров.”

Поступил запрос от хорошо известных художественных галерей, большинство из которых являются ее преданными сторонниками и по сей день, проводят ее персональные выставки.

В 2015, после 37 лет жизни в Южной Африке, Карла Бош переехала с мужем и детьми в США. «По всей территории США проводятся соревнования по пленэрной живописи, и, как правило, в течение одной недели вы должны выбрать сцену из ближайших окрестностей и нарисовать ее на виду. Пленэрная живопись может быть очень сложной. Мне пришлось иметь дело с чем угодно, от морозов, дождя, ветра, чрезвычайно жаркой погоды, изменения условий освещения, до иногда сумасшедших людей. Но мне нравится это внешнее давление, оно позволило мне открыть глаза на новый мир». На пленэрах Карла была в своей стихии, что давало идеальную возможность исследовать свою новую родную страну. Именно развитую культуру пленэрной живописи она отмечает в США, что выступало большим контрастом относительно довольно опасных пленэрных зарисовок, особенно в одиночестве, в ее родной стране.

«В Южной Африке мне приходилось гораздо больше работать в студии. Но в этом было и преимущество — это заставляло меня работать по памяти и черпать из своих эмоций при создании картин. Этот процесс позволил мне быть немного смелее с моим подходом, и я научилась создавать пейзажные картины без прямых ссылок”.

О вдохновении и своем стиле

«Как я уже много раз упоминала, я искренне верю, что жизнь прекрасна и поэтому легко находить вдохновение в повседневной жизни, и особенно в природе. Как бы я ни любила Гранд-Каньоны, Столовые горы и швейцарские Альпы, мне нравится находить вдохновение в поле, которое я, возможно, уже проходила миллион раз раньше, но в иной день солнце даёт новое освещение, облака могут иметь фиолетовый цвет, или, может быть, есть полевые цветы, которые вчера были бутонами, а завтра увянут. Это неожиданные сцены. Я делаю так много фотографий этой красоты вокруг себя, что мой телефон не может вместить все это. Подумайте на мгновение о том, как вы воспринимаете природу вокруг. Когда вы видите красивый пейзаж, воспринимаете ли вы его только глазами?

Я так не думаю. Восприятие происходит не чисто визуально. Вокруг не просто камни, деревья и цветы. Как насчет запаха, прикосновения, звуков, истории и личного опыта, работающих вместе, создающих эмоции, которые производят на вас впечатление? В конечном счете, вы видите пейзаж не только глазами. Я стараюсь донести этот контекст через свой смелый импрессионистический стиль. Моя цель — привести вас в этот опыт, я хочу, чтобы вы почувствовали эмоции прекрасного пейзажа, ощутили праздник красоты жизни”.

«Люди спрашивают, как я создаю такие яркие работы. Дело в смелом применении чистых цветов. Для этого нужно точно знать, где вы хотите нанести краску, а не перегружать картину после того, как вы нанесли краску на холст. Кроме того, я считаю, что в конечном итоге на холсте проявляется сердце. Я благословлена очень позитивным мировоззрением, и я искренне верю, что жизнь прекрасна. Этот взгляд на жизнь помогает мне создать так, как я это делаю”.

Благодаря полотну «Лунная ночь на Днепре» Архип Куинджи получил признание. Многие обвиняли живописца в «сделке с дьяволом» и даже искали подсветку на задней стороне картины — настолько реалистично он написал пейзаж. Как это удалось художнику?

Маркетинг XIX века

Куинджи планировал представить на выставке всего одну картину — «Лунная ночь на Днепре». Уже до выставки ходили слухи, что полотно будет необыкновенным. По воскресеньям художник приглашал зрителей на два часа, чтобы показать работу. И один из поклонников его творчества купил полотно еще до выставки. Князь Константин Константинович спросил, сколько стоит картина, на что Куинджи ответил ему: «Вы все равно не купите — она дорогая». Художник не узнал князя, он подумал, что это «молоденький офицер». В итоге картину приобрели за 5000 рублей. Для конца XIX века это были огромные деньги.

Князю так понравилась «Лунная ночь на Днепре», что он взял полотно с собой в путешествие на корабле. Его отговаривали от этого, но князь настаивал на своем. В итоге картина потеряла свой первоначальный вид из-за морского воздуха.

«Сделка с дьяволом»

На полотне изображен обычный пейзаж, но благодаря мастерству Куинджи он превратился в произведение искусства. Мы видим необычный эффект — отражение яркого сияния света луны в реке. Чтобы усилить этот эффект, художник демонстрировал картину при занавешенных окнах. Только один луч света газовой лампы падал на работу. Это вызвало восхищение зрителей.

Они не понимали, как Куинджи смог добиться такой реалистичности и строили разные догадки. Кто-то считал, что художник использовал экзотические перламутровые краски, а кто-то вовсе обвинял его в связи с потусторонними силами. На самом деле ответ прост. Все дело в трудолюбии и любви к экспериментам. Куинджи смешивал краски вместе с химическими элементами.

Моновыставка

«Лунная ночь на Днепре» была представлена на моновыставке, то есть она была единственной работой. Известные деятели искусства, например, Павел Чистяков, Иван Тургенев часто приезжали посмотреть на картину. Посетители могли любоваться полотном несколько часов — оно действительно притягивало взгляд. Куинджи называли художником света. Иван Крамской говорил, что так еще никто никогда не писал.

Секрет художника

Те, кто его знал лично писали, что Куинджи работал как учёный. У него в мастерской были пробирки, колбы, растворы смол и масел, он смешивал лаки, проверяя, как они меняют свет. «Я ищу не цвет, а воздух между цветами.” Художник отказывался раскрывать рецептуру. Даже ближайшие ученики (Рылов, Артамонов) вспоминали, что он «мешал краски за ширмой».

Современники считали его чуть ли не колдуном: после оглушительного успеха он вдруг прекратил выставляться на 20 лет. Говорили, что он “разочаровался в зрителях, которые видят свет, но не видят смысла”. В эти годы он занимался астрономией, читал труды по оптике, наблюдал за атмосферой.

Есть свидетельства, что он часами мог смотреть на закат или луну, “пока цвета не перестают быть цветами”. Некоторые исследователи полагают, что он экспериментировал с восприятием — хотел понять, где заканчивается видимое и начинается воображаемое.

Куинджи умер в 1910 году, почти отшельником. Ученики говорили, что перед смертью он повторял: “Я всё понял, но рассказать нельзя — это видится, но не пишется.”

Сейчас уже известно, что Куинджи использовал редкие связующие, отличные от академической рецептуры: не только масло, но и смолы (копалы, мастики) и иногда даже битум.

Он создавал на картине 10-12 тончайших слоёв лака поверх подмалёвка разной степени прозрачности.

В некоторых картинах («Берёзовая роща», «После грозы») присутствуют оптические интерференционные эффекты: частицы лака и пигмента отражают свет под разными углами, создавая впечатление внутреннего свечения за счёт многослойной структуры, как в перламутре.

Самая легендарная его картина “Лунная ночь на Днепре” стала для него настоящей лабораторией света. Когда картину впервые выставили в Петербурге (1880), зал был затемнён, освещалась она одной газовой лампой.
Зрители стояли в очереди часами — говорили, что “картина светится”. Некоторые думали, что Куинджи спрятал реальный источник света за холстом.

Достоевский назвал этот эффект «чудом живописи». Более поздние эксперименты показали, что художник использовал особый голубовато-зелёный пигмент на основе меди, прозрачный и почти люминесцентный при газовом освещении. Слой лака сверху усиливал отражение, как линза. А между слоями реставраторы обнаружили тонкий просветляющий слой — возможно, смесь масла с воском. Картина действительно даёт эффект “самосвечения” при тёплом жёлтом свете — современная оптика это подтверждает.

«Лунную ночь на Днепре» исследовали лазером, рентгеном и микроспектрометром, буквально «просвечивали» микроскопические срезы картины. На основе научных данных из публикаций Государственного Русского музея (2010), Эрмитажа (2001), лаборатории имени Грабаря и исследований Института реставрации РАН (2015–2020) известно, что слой краски у Куинджи устроен как миниатюрная оптическая система.

Поверхность картины идеально выровнена — под микроскопом виден блестящий “зеркальный” микрорельеф, который усиливает отражение света. Подмалёвок очень тонкий, полупрозрачный, выполнен умброй и охрой, задаёт общую теплоту сцены — подложка “греет” холодные цвета верхних слоёв, создавая эффект свечение сквозь воздух.
Главная тайна — в сочетании нескольких прозрачных и полупрозрачных пигментов, уложенных по принципу градиента.

Самый верхний слой — это оптически активная плёнка, толщиной менее 50 микрон, состоящая из смеси копала (ископаемой смолы) и льняного масла, полимеризованного до полупрозрачного янтарного состояния. При освещении газовой лампой (жёлтый спектр) этот слой отражает больше длинноволнового света, чем коротковолнового — из-за чего кажется, будто холст светится изнутри голубым холодом. Физики называют это «обратным эффектом Рэлея», когда рассеянный свет усиливает видимость синего спектра. Микроскопия картины показала, что в каждом слое количество пигмента уменьшается к поверхности, а количество связующего материала увеличивается. То есть каждый последующий слой всё более прозрачный.

Именно такая структура создаёт эффект “плавающего света”, когда фотон, проходя сквозь слой, частично отражается от частиц пигмента и снова выходит наружу, как через микроскопический фильтр. Такое построение — почти идентичное тому, что применял Леонардо в технике сфумато, только Куинджи использовал физическую, а не оптическую живопись света. Можно сказать, он пересоздал атмосферу не в воздухе, а внутри слоя краски.
В результате — зритель видит не отражение внешнего света, а иллюзию внутреннего свечения холста.

Эксперименты проведённые еще в 2010 году подтвердили: если подсветить копию “Лунной ночи” газовым пламенем, она действительно “зажигается” как экран. Реставраторы и физики формулируют это почти как научное чудо: «Куинджи построил картину как оптический прибор, где каждый слой рассчитан на преломление света.»
Он не просто писал свет — он конструировал его поведение.

Никакой мистики, и при этом — сплошная мистерия - «Лунная ночь на Днепре» светится даже через 140 лет.

Андрей Беличенко — один из тех современных художников, которые умело соединяют традицию и актуальность. Его творчество напоминает: живопись не только о технике, но и о чувстве, не только о форме, но и о содержании. Если ищете художника, чьи работы трогают душу — Беличенко точно заслуживает внимания.

Андрей Беличенко родился в 1974 году в Караганде (ныне Казахстан). В 1990 году он окончил республиканскую художественную школу, затем поступил на графический факультет Академии художеств. Благодаря выдающимся способностям завершил обучение за пять лет вместо обычных шести.

С момента окончания академии Беличенко активно участвует в выставках — региональных, национальных и международных; его работы находятся в частных коллекциях и музеях разных стран, включая Россию, Украину, Германию, Францию, Испанию, Канаду, Бразилию, Великобританию и США. В последнее время на мировом рынке искусств стал одним из самых востребованных российских художников. Его работы постоянно продаются на аукционах искусств.

Беличенко работает в стиле портретно-фигуративной живописи, уделяя большое внимание деталям, реалистичности и индивидуальному выражению своих персонажей.

В его работах заметна совокупность академической подготовки и тонкой личной интерпретации образов: свет, фактура, цветовая гамма создают ощущение внутреннего мира представленных фигур. Работы художник иногда создает в союзе с художницей и супругой Марией Бухтияровой, что придаёт им характер сотрудничества и перекрёстного вдохновения.

Литовский художник Petras Lukosius сочетает в себе влечение к сакральным моментам природы с любовью к созерцанию лучей света.

Петрас Лукосиус — современный литовский художник, чьи картины легко узнать по мягкому свечению, будто исходящему изнутри холста. Он родился в 1956 году и с раннего детства проявлял интерес к живописи: учился в художественной школе Клайпеды, затем в Тельшяйском техникуме прикладного искусства, а позже окончил факультет Вильнюсской академии искусств. С 1992 года Лукосиус является членом Союза художников Литвы и активно участвует в выставках как в своей стране, так и за её пределами.

Главная тема его творчества — пейзаж, но это не просто изображения природы. В его работах свет играет самостоятельную роль — он словно движется по полотну, рассеивается в листве, отражается от поверхности воды или медленно растворяется в тумане. Лукосиус выбирает тёплые, почти золотые тона рассвета и заката, создавая ощущение покоя и уюта, но в то же время — лёгкой ностальгии. Его мир — это пространство тишины, где человек чувствует себя частью природы, а не наблюдателем.

Техника художника тоже заслуживает внимания: чаще всего он пишет маслом на холсте, добиваясь плотной, бархатистой фактуры, а иногда использует масляные стики, что придаёт поверхности живости и рельефа. Картины Лукосиуса производят впечатление не столько изображения, сколько состояния — момента, когда свет и воздух становятся почти осязаемыми.

Работы художника находятся в частных коллекциях по всему миру. Его пейзажи часто называют «медитацией в цвете» — они не требуют пояснений, просто заставляют остановиться, вдохнуть и вспомнить, что красота может быть тихой. Петрас Лукосиус — из тех живописцев, кто напоминает: мир не всегда нужно понимать, иногда достаточно просто смотреть.

Павел Антипов считает важнейшей целью своего творчества показать взаимосвязи простых и сложных вещей, которые окружают нас в повседневной жизни, и предельно просто воплотить на холсте сложные философские темы.

Художник Павел Антипов живёт в Санкт-Петербурге, а творчество его знакомо ценителям далеко за пределами страны. Картины Антипова приобретают коллекционеры и музеи, в том числе Национальная галерея искусства в Вашингтоне и в Пекине.

Стиль художника сформировался под влиянием декоративного начала в искусстве, которое он изучал в Абрамцевском училище, и академической манеры письма, полученной в Академии художеств имени И. Е. Репина.

Своей живописью Антипов пытается не рассказать, а расспросить о важных вещах, например, о скоротечности времени, жизненных ценностях, любви и чувствах. Другими словами, его шедевры – не просто красивое сочетание цветов и линий. Порой изобразительными средствами он заключает в них целые притчи, что добавляет картинам интереса и ценности.

К примеру, картину «Ловец образов» автор объясняет так: «Живём мы в мире потребительском, и всегда в погоне за декоративным, обманчивым. Нас заставляют гоняться за «бабочками». А вот ловец образов – он несколько отличается от других. Ему интересна эта бабочка, само её существование. Он сам стремится к полёту. Ему необходимо не обладание, а – увидеть смысл того, что вообще происходит».

А картину «Источник» Павел Антипов прокомментировал так: «Источник необязательно воды, может быть, знаний, силы, энергии, денег... и что люди делают у этого источника. Умываются, пьют, запасают много кувшинов, так, что и не унести. Один из них смотрит в небо. Не там ли истинный источник?»

О работе «Танец на венском стуле» художник сказал: «Здесь неустойчивость и нестабильность как отношений между мужчиной и женщиной, так и начала двадцатого века. Цвета и композиция отправляют зрителя во времена процветания супрематизма, когда в искусстве и жизни в целом зарождалось новое и отвергалось старое...»

Работы восточного акварелиста Myoe Win Aung переносят зрителя в атмосферу его родной страны. В его картинах ощущаются дыхание культуры, история и самобытность народа. Художник с редкой полнотой и любовью изображает родные пейзажи и людей, создавая живое, поэтичное отражение своей земли.

Художник Myoe Win Aung родился в Мьянме, в столице Янгон, в 1972 году. Начал рисовать в 1989-ом. Далее поступил на обучение в государственную школу изобразительных искусств в Янгоне, в класс живописи. Учился сразу у нескольких мастеров. Закончил обучение в 1992 году. Как и в случае большинства художников Мьянмы, на его художественный вкус и выражение очень повлияла религиозная жизнь родной страны, буддизм.

Осень — пожалуй, самое благодарное время года для акварели. Листья сами становятся палитрой: золото, охра, рубиновый красный, изумруд и багровый, — стоит только коснуться бумаги кистью. Именно в это время особенно ярко проявляется талант бельгийского акварелиста Роланда Пальмаертса (Roland Palmaerts).

Его работы — это не просто пейзажи, а настоящее осеннее настроение. Лёгкость мазка передаёт прозрачный воздух, влажность утреннего тумана и хрупкость падающих листьев. Пальмаертс умеет делать то, что под силу лишь мастерам акварели: создавать свет, который будто струится изнутри картины.

Художник известен не только своими работами, но и как педагог: он проводит мастер-классы по всему миру и показывает, что акварель — это не хрупкая техника «для открыток», а мощный инструмент, который способен захватить масштабные темы и яркие эмоции.

Осень у Пальмаертса всегда разная: то задумчивая и тихая, то пылающая и праздничная. Но в каждой работе чувствуется восторг перед красотой природы и умение поймать её в несколько прозрачных мазков.

Художник Роланд Палмаэртс (Roland Palmaerts) родился в Брюсселе, в 1953 году, в семье потомственных художников. А потому не удивительно, что уже в возрасте шести лет Roland Palmaerts участвует в первом своём конкурсе и занимает первое место.

После окончания средней школы Роланд Палмаэртс поступил в брюссельскую Королевскую Академию Искусств, потом служил в армии, в бельгийских силах специального назначения.

После службы в армии, в возрасте 27 лет, Roland Palmaerts эмигрировал в Канаду, работал дизайнером и иллюстратором, занимался рекламой, а в свободное время писал картины, чтобы в 1984 году провести свою первую персональную выставку.

На сегодняшний день Roland Palmaerts провёл более ста выставок, участвует в популярных телешоу, пишет книги о живописи. И пишет. Пишет маслом и акрилом, в смешанной технике. Однако, акварель доминирует и побеждает. Как первая и самая большая любовь.