Сочное и сладкое лето в ярких акварелях Крис Крупински

Крис Крупински (Chris Krupinski) профессионально занимается живописью с самого детства, но так случилось, что акварель длительное время не привлекала внимания художницы. А в середине восьмидесятых годов прошлого века она написала несколько акварельных этюдов и просто влюбилась в акварельную живопись. С тех пор как художник-акварелист она получила более сотни наград и премий самого разного достоинства.


Сейчас Chris Krupinski – член Американского общества «Акварель» и «Профессиональной лиги американских художников, обладатель более 100 призов и наград.
















Источник: svistanet.com
Поделись
с друзьями!
5
0
5 часов

Портреты сербской художницы Марии Кнезевич

Портреты Марии Кнезевич - удивительно живые и глубокие. Мария утверждает, что отражение в зеркале — это просто «лицо», а портрет — это душа. Предлагаем вам подборку замечательных работ художника.


Мария Кнезевич (Marija Knezevic) — сербский художник. Родилась в 1967 году. В 1991 году окончила факультет живописи Белградского университета в классе профессора Момчило Антоновича. Магистратуру закончила в 1994 году в том же классе. Начиная с 1991 года, член Ассоциации сербских художников, внештатный художник.

С 1988 по 2012 год участвовала с своими работами в 100 групповых выставках в Югославии, Сербии и за рубежом. Также провела несколько публичных выступлений. Приняла участие в нескольких международных съездов художников и фестивалей искусств.

Отражение в зеркале — это просто «лицо», а портрет — это душа. Начало художественного произведения, работа над каждым личным портретом — это начало приключения по поиску более глубоких слоев характера, как изображаемого, так и внутреннего. Содержание одного лица, одной головы достаточно богато и сложно как художественно, так и психологически, оно сильный мотив для творчества, исследования. Каждый новый написанный портрет — это новый сюрприз.

Girl with cat

Girl with green gloves

Laddy

Lady in red

Портрет матери


Автопортрет










Поделись
с друзьями!
396
3
6
6 дней

Портреты из лоскутков яркой ткани художника от Marcellina Oseghale Akpojotor

Используя лоскутки яркой ткани, художник из Лагоса (Нигерия), Марселлина Осегале Акпойотор создает портреты, в которых отображается фрагментированная и разнообразная внутренняя жизнь персонажей.

Её тщательно продуманные изображения основаны на какофонии узоров, расположенных рыхлыми волнами и пучками, создавая лоскутное одеяло цвета и текстуры. Хотя текстиль голландского происхождения — в просторечии его называют “африканскими тканями с принтом”, — он имеет большое культурное значение, и, собирая воедино различные мотивы, Марселлина создает общую визуальную память.


На фоне лаконичных домашних фонов, выполненных акрилом, рисунки на основе волокон часто прерываются небольшими пятнами краски, чтобы “рассказать о влиянии нашей среды на формирование нас как личностей”, — делится Акпойтор. “Они представляют связи, которые мы имеем с нашим прошлым и ближайшим обществом, и то, как эти часто игнорируемые элементы составляют часть нашего существа”. Поиск связей между объектами и их окружением является постоянной заботой художника, чья работа посвящена влиянию текущего момента, в дополнение к тому, как личные истории и действия предыдущих поколений оказывают длительное воздействие.

Картины Марселлины Осегале Акпойотор представлены галереей Rele, где ее работы будут выставлены в конце этого месяца, и в настоящее время она работает над проектом, который исследует, как образование влияет на расширение прав и возможностей женщин. За работами Марселлины вы можете следить вы можете следить в Instagram.














Marcellina Oseghale Akpojotor
Поделись
с друзьями!
570
8
8
11 дней

Пленяющий огонь в живописи. Сможете ли вы ощутить его тепло?

Действительно ли реально передать состояние через краски и донести до зрителя не только эмоции, но и ощущения. Давайте проверим?

Художник Даниэль Герхартц "Свеча"

Говорят, что огонь - это очищение. Если долго смотреть на пламя свечи или на костер, то очищается сознание человека. В огне есть нечто магическое, притягательное и манящее...

Художник Винцентас Дмахаукас "Пожар в лесу"

Но огонь носит и разрушительную силу. Это мощная стихия, которая испепеляет и дает новую жизнь.

Художник Алексей Головченко "Огонь"

Елена Эллинская "Масленица"

Павел Еськов "Походная уха"

Алексей Головченко "Свет купальского костра"

Сергей Ефошкин "Ночные стражи"

Н.К. Рерих "Заклинатель"

Кудряшева Г. «Костер в ночи»

Андрей Атрошенко "Красная симфония "
Поделись
с друзьями!
795
2
17
23 дня

Картины Naoto Hattori. Фантастические создания с большими глазами, в которых отражаются сказочные пейзажи

Одновременно очаровательные и пугающе сюрреалистичные фантастические существа, изображаемые Наото Хаттори (Naoto Hattori), плавно соединяют мириады текстур и цветов, встречающихся в природе, в необычные гибридные образы, которым трудно подобрать название.


Они часто пушистые, обладают рожками в неожиданных местах, а глаза медведя настолько необычайно большие и стеклянные, что отражают полномасштабные пейзажи. Будь то пушистый персонаж, похожий на морского конька, или большая выпуклая голова, парящая в воздухе, эти фигуры-размышления об опыте Хаттори. “Когда я (нахожусь) в осознанном сновидении, я представляю себя одним из этих плавающих гибридных существ или чем-то иным, но обязательно находящимся в гармонии с природой”, — говорит он.

“Внутренний звук”

В основном работая с акрилом, японский художник создаёт свои картины небольшими по масштабу, выбирая миниатюрные доски, которые обычно не превышают пятнадцати с половиной сантиметров. Он приветствует техническую сложность таких крошечных пространств. Ограничение по размеру первоначально возникло, когда около 10 лет назад у него был диагностирован тяжелый шейный спондилез. “Когда я попытался рисовать локтями и плечами, кончики моих пальцев онемели, и я не мог контролировать кисть”, — говорит он. “Если она размером с блокнот, я могу рисовать, не двигая шеей или плечами… Поэтому в настоящее время я рисую в меньшем размере, что позволяет мне свободно рисовать движениями запястий и кончиков пальцев».

Хаттори, который живет в своем родном городе Иокогама, Япония, примет участие в выставке Blab, которая открылась 11 сентября текущего (2021-го) года в копрогалерее Санта-Моники. Вы можете ознакомиться с его процессом в Instagram, а также приобрести оригиналы и принты на его сайте.

“Детский грибок”

Эти акриловые картины имеют небольшие размеры, как правило, размером менее 3 дюймов на 3 дюйма без рамки. Стиль художника был назван поп-сюрреалистом, но Хаттори говорит, что это то, что он видит в своей голове. Хаттори говорит Колоссалу, что он рисует глаза с трех лет. «Когда я закрыл глаза, я увидел разноцветный глаз, похожий на мандалу, и он продолжал менять форму, как калейдоскоп. Я нарисовал сотни изображений глаз. Тогда я думал, что все могли бы это увидеть».

Хаттори продолжал рисовать глаза, когда стал старше и получил степень бакалавра искусств в области иллюстрации в Школе визуальных искусств. Существа на картинах – аватары для художника из мира его воображения.


Я не отношу себя к сюрреализму, но мне нравится рисовать образ, который не может быть выражен словами, такими как чувства, мысли и эмоции в моем уме. Глаз ощущается как вход в мир призрачных воспоминаний. Я часто рисую кусок, который визуализирует себя как гибридное существо, входящее в призрачный мир. Изображения искажены, но это похоже на медитацию и успокаивает меня.

“Осознанный сновидец”

“Плыву”

“Регенерация 2”

“Регенерация 3”



«Наблюдатель»



Источник: www.naotohattori.com
Поделись
с друзьями!
554
19
21
23 дня

Пять картин. Пять сюжетов

Как много картины могут рассказать нам! За многочисленными полотнами порой скрываются уникальные символы, неподдельные жизненные истории и глубокие философские смыслы, мастерски воплощенные в цвете и форме. Давайте приоткроем завесу и узнаем несколько тайн, скрывающихся за простыми сюжетами известных и не очень полотен.

Время приказывает старости уничтожить красоту


В Национальной галерее в Лондоне висит одна картина, мимо которой невозможно пройти мимо.

Это полотно итальянского художника XVIII века Помпео Батони "Время приказывает старости уничтожить красоту".

Помпео Батони "Время приказывает старости уничтожить красоту"

Сюжет картины полностью раскрывает её название - "Время приказывает старости уничтожить красоту". На картине изображены три фигуры - Время, Старость, Красота.

Седовласый старик с белыми крыльями за спиной - это Время. В руке у него песочные часы, как символ быстротечности того, что он олицетворяет. Песчинки неумолимо перетекают из одной части в другую. Ничто их не может остановить. Как ничто не может остановить и быстротечность времени.

На картине Красоту символизирует молодая девушка. Она еще прекрасна. Но перст жестокого Времени уже направлен на неё. А рядом Старость в образе безобразной старухи. И руки Старости уже тянутся к молодому и цветущему лицу Красоты. И сколько бы Красота не отворачивалась, сколько бы не оттягивала момент соприкосновения со Старостью, он неизбежен. Ибо так велит Время.

Конечно, случится это не сразу. Дерево, расположенное за юной девой, еще зелено, еще сильно. Но со временем и от него останется только сухой сук, место которому на гробу, который уже виднеется за спиной старухи.

Потрясающая по силе и глубине заложенного в ней смысла картина. Разве может кого-нибудь она оставить равнодушным? Ведь она про каждого из нас. И нам решать, что делать в ситуации, когда старость по указке времени будет уничтожать нашу красоту.

В тихой обители


Павел Яковлев. В тихой обители. 1896 г

Несмотря на столь мирное название, картина изображает совершенно дикий, вопиющий случай и отличается отменной экспрессией.

Художник Павел Филиппович Яковлев, будучи глубоко верующим человеком, выступает в качестве дотошного рассказчика, наглядно показывая зрителям скандал, разразившийся в стенах монастыря.

Итак, на картине мы видим двух женщин, схлестнувшихся в жестокой драке. Одна из женщин - монахиня, вторая - светская дама, а, скорее всего, дама полусвета, то есть, проститутка. Не секрет, что в те годы жители монастырей нередко прибегали к услугам женщин с низкой социальной ответственностью. Судя по всему, монахиня приревновала женщину к священнику.

Монахиня повалила светскую даму на пол и лупит ее зонтиком - очевидно, отобранным у соперницы. Светская дама не сдается и тянется к глазам монахини острыми ухоженными ногтями.

Неподалеку валяется упавшая с головы дамы шляпа с перьями. Лицо монахини пышет искренней яростью, мало совместимой с христианским смирением.

За дракой с явным интересом наблюдают шесть человек. Это настоятель монастыря, сидящий за столом в своем кабинете, монах, два священника и два мальчика-послушника. Никто и не думает разнимать дерущихся женщин - очевидно, что подобное зрелище внесло некоторое разнообразие в скучное существование монастырских жителей.

Один из священников - толстопузый представительного вида мужчина с окладистой рыжей бородой и в светлом одеянии, очевидно, и является причиной драки. На его лице застыла самодовольная улыбка, как бы говорящая: "Смотрите, какой я удалец, из-за меня бабы бьются".

Мальчики-послушники смеются, толстопузый пожилой священник что-то говорит дерущимся, очевидно, увещевает их.

За большим окном, расположенным справа, видна церковь. В окно бьют лучи солнца, и падают они как раз на дерущихся женщин.

Потолок над головами персонажей картины символично покрыт трещинами - художник таким образом подчеркивает, насколько расшатаны моральные устои духовенства.

Покинутые


Гуго Мерле «Покинутые», 1872 год

Картина французского художника Мерле называется «Покинутые», из чего следует, что мать с ребёнком брошены на произвол судьбы. Скорее всего, женщина стала жертвой соблазнения, после чего забеременела, однако отец малыша на захотел брать её в жёны.

В XIX веке быть матерью-одиночкой считалось большим позором. Если молодой незамужней женщине вдруг случалось забеременеть, то её с позором выгоняли из дома, вынуждая перебираться в те места, где её никто не знал. Изгнанные вынуждены были скитаться по углам и каморкам, жить впроголодь, страдать от холода и болезней.

Фактически молодые одинокие матери были обречены на медленную, мучительную и позорную смерть. Именно такая судьба и ожидает героиню картины Гуго Мерле «Покинутые».

Чтобы усилить трагизм сюжета, художник изобразил на заднем плане свадьбу. Вероятно, женихом является именно отец ребёнка нашей героини. Он нашёл себе более выгодную партию, совершенно не задумываясь о том, что ждёт соблазнённую им когда-то женщину и их общего малыша

Теперь молодой матери придётся как-то выживать на улицах города. Она будет вынуждена либо попрошайничать, либо сдать ребёнка в приют, чтобы самой устроиться на работу. Шансов на счастливую и спокойную жизнь у этой женщины практически нет.

Картина написано очень реалистично. Художнику удалось не только тщательно изобразить все детали, но и наполнить полотно эмоциональной чувственностью. Чего только стоит хрустальная слеза на щеке несчастной и её растрёпанные волосы.

Особое внимание художник уделил ребёнку, который похож на маленького ангелочка. Пока он беззаботно и уютно спит на руках своей мамы, не осознавая масштаба будущих страданий.

Его светлая голова и пухлые розовые щёки говорят о том, что пока малыш здоров и сыт, героине удаётся хорошо заботится о нём даже в тяжёлых условиях. В общем образе этой женщины есть некие отсылки к образу мадонны с младенцем. Да и в целом картина не создаёт удручающего впечатления.

Шелковое платье


Томас Фаед «Шёлковое платье», 1862 год

На этой картине мы видим двух женщин — молодую и пожилую. Молодая сидим с задумчивым видом, а старушка что-то шепчет на ухо, указывая рукой на жёлтое шёлковое платье, лежащее на столе. На сердце юной красавицы явно лежит какая-то печаль, с которой она не в силах справиться. Давайте попробуем разобраться, что же тут происходит.

Как мы может заметить, семья живёт совсем небогато. Возможно, они зарабатывают на жизнь производством пряжи, что можно понять по стоящей в углу прялке. Однако этих денег едва хватает на самое необходимое, поэтому помощь богатого поклонника может значительно улучшить их семейное положение.

Художник решил усилить сюжет сидящим возле стола ребёнком. Это может говорить о том, что молодая женщина рано осталась вдовой или родила вне брака. Именно поэтому ей особенно необходим покровитель, который сможет не только покрыть необходимые на семью расходы, но и защитит от нападок сурового викторианского общества.

На картине хорошо видны душевные метания девушки. С одной стороны ей хочется быть с любимым, а с другой — нужно обеспечить нормальную жизнь семье. Масла в огонь добавляет мать, которая призывает оставить мечты о бедняке и посвятить себя богатому покровителю. Какой выбор сделает эта женщина, мы не знаем. Художник позволил зрителю самому додумать концовку истории.

Автор полотна — художник Томас Фаед, который очень любил писать свои работы на основе художественных произведений (вспомним его «Старого Робина Грея»). Не стала исключением и картина «Шёлковое платье», написанная по мотивам баллады английской поэтессы 18 века Сюзанны Бламир.

Баллада называется «И ты будешь ходить в шёлковой одежде». Её сюжет рассказывает о молодой девушке, за которой ухаживал богатый господин. Он дарил ей дорогие платья и обещал роскошную жизнь, однако юная красавица любила совсем другого человека. В балладе некто уговаривает её принять ухаживания старика, но ей трудно определиться с решением.

Именно этот сюжет мы и видим на картине Томаса Фаеда. Вероятно, пожилая женщина — это мать юной героини, и именно она уговаривает свою дочь принять платье и выбрать пожилого богача.

Менины



«Мени́ны» (исп. Las Meninas — «фрейлины»), или «Семья Филиппа IV» — картина Диего Веласкеса, написанная в 1656 году. Одна из самых знаменитых картин в мире, ныне хранящаяся в музее Прадо.

Полотно изображает сцену написания Веласкесом совместного портрета испанского короля Филиппа IV с его супругой и племянницей Марианной Австрийской в присутствии их дочери инфанты Маргариты Терезы со свитой. Сложная и загадочная композиция картины поднимает вопросы об иллюзии и реальности, а также о неопределённости связи между зрителем и персонажами.

«Менины»— это фрейлины, слуги королей, другими словами. Кажется, что все смотрят на нас. Но на самом деле все смотрят на короля с королевой, чей портрет пишет художник, — их лица мы видим в отражении в зеркале на стене. Инфанта Маргарита и ее фрейлины забежали в комнату, где Филипп IV с женой Марианной позируют для портрета. Мы, зрители, видим детей, а также карликов и других слуг с позиции монархов. А за мольбертом — сам Веласкес. Он выступает здесь как слуга короля, но в то же время мы интуитивно понимаем, что он режиссер этой сцены, ее организующая сила. Однако в последующие годы Карл II — последняя надежда Филиппа IV — родился инвалидом. Он стал последним из Габсбургов на испанском престоле. После его смерти разразилась война за испанское наследство, приведшая к власти Бурбонов в стране.

«Менины» общепризнанно считаются одной из самых важных и наиболее тщательно изученных картин в истории западного искусства. По словам итальянского мастера барокко Луки Джордано она представляет собой «теологию живописи», а президент Королевской академии художеств сэр Томас Лоуренс назвал её «подлинной философией искусства». По одной из современных оценок, это «высшее достижение Веласкеса — самоосознанная и тщательно выверенная демонстрация пределов живописи; возможно, самое глубокое высказывание о её возможностях из когда-либо сделанных»
Поделись
с друзьями!
1176
4
28
1 месяц

«Нет пророка в своём отечестве». Как Левитан создал хрестоматийные русские пейзажи

Золотая осень. 1889

Исаак Ильич Левитан родился в 1860 году в местечке Кибарты и, прожив совсем недолгую жизнь, умер на сороковом году с наступлением 20-го века. Иногда кажется, что история или некая иная могущественная рука вырвала из жизни тех, кто не смог бы перенести испытаний грядущими русскими революциями, оставив их творчество, далёкое от политики и от мира дольнего чистым и незапятнанным. И Левитан один из таких людей. Несмотря на формальную принадлежность к течению передвижников, его картины начисто лишены почти обязательного обличения язв современного передвижникам общества; мрачных и прекрасных в своей безжалостности к зрителю сюжетов.

Берёзовая Роща. 1885-1889

На его полотнах не найти ни нищих в рванье, ни изнеженных служителей культа, вкупе с купцами и дворянами, сермяжного быта и прочих посконных «прелестей», которыми были сильны передвижники и в которых были абсолютно правдивы. Нет, на картинах Левитана можно повстречать отголоски того самого быта: рыбацкие лодки на берегу, избы, церкви…

Исаак Левитан. Исаак Левитан. Март. 1895.

Но лодки выглядят не укором тяжёлому промыслу и нищете, избы, пусть и порядком скособоченные, купаются в закатных лучах, точно краюхи ржаного хлеба в пряничной глазури, а церкви… церкви, написанные внуком раввина, выглядят кротко и целомудренно, сочетая в себе спокойствие прибрежного валуна и нежные краски закатно-рассветного неба. Они – часть пейзажа, его логичное и неотъемлемое продолжение, созвучие, рифма мира человеческого к миру вообще.

Исаак Левитан. У омута. 1892

Левитан умело чередовал различные техники. К слову, он рисовал весьма талантливые натюрморты («Лесные фиалки и незабудки») и портреты («Портрет Софьи Петровны Кувшинниковой»), но они очевидно мало привлекали художника и чести быть нарисованным Левитаном удостаивались немногие – близкий друг Чехов, возлюбленная Кувшинникова, редкие запавшие в душу знакомцы вроде А.А. Грошевой, сам Левитан, зафиксировавший себя в нескольких автопортретах и… те, кто мог за них заплатить. Лишь на пороге голода Левитан принимал постылые сердцу «портретные» предложения.

Исаак Левитан. Весна. Большая вода. 1897.

Соученик художника Константин Коровин приводит в своих воспоминаниях такой диалог:

«– Нет, постой, – говорю я, – Давай лучше анатомию...
– Ну зачем это? Я никогда не буду писать человека. Анатомия! Я не хочу знать, какие у меня кости, какой хрусталик в глазу. Ой, это невозможно...
– Нет, обязан знать, – говорю я с умыслом. – Ты сегодня хотел писать вечером "Галки летят... "
– Ну и что же?..
– Значит – должен знать анатомию галки...
Левитан пристально посмотрел на меня и сказал, горячась:
– Но нет же анатомии весны...».

Исаак Левитан. Вечерний звон. 1892

Впрочем, если даже говорить только о пейзажах, трудно обойти вниманием удивительную разнообразность техник и материалов, которыми работал мастер: акварели, уголь, пастель, масло… На полотнах встречается строго реалистическая манера, близкая к Шишкину («Лесистый берег. Сумерки»), («У омута») и куиндживская игра со светом («Последние лучи солнца. Осиновый лес»), («Вечерние тени»), романтический лёгкий пафос Лагорио («Крымский пейзаж») и околоимпрессионистские эксперименты («Туман над водой»), («Осенний пейзаж с церковью»). Это ненавязчивое разнообразие не даёт зрителю заскучать, словно тот смотрит выставку не одного, а десяти мастеров и, конечно же, говорит об огромной одарённости, жажде творческого поиска.

Исаак Левитан. Над вечным покоем.

При этом все вышеприведённые сравнения в большой степени условны, ведь прославила Левитана, конечно же, не эта схожесть или, тем более, подражательство. Не умение подражать условному Шишкину и Куинджи сделало Левитана знаменитым, а умение не подражать никому, ведь все эти картины при схожести сюжетов или приёмов внешних, отличаются глубиной передачи настроения автора. Не блестящее техническое совершенство, способность ухватить мелочи или сложную игру света, но тонкость чувствования и способность ретранслировать эмоции посредством полотен делает Левитана выдающимся живописцем. К слову, искусствоведы позиционируют художника именно как мастера «пейзажа настроения», что в высшей степени справедливо. По собственным словам, Левитан рисовал не просто пейзаж, но то чувство, которое этот пейзаж вызывает.

Большую часть сохранившихся картин Левитана можно разделить на два настроения: меланхоличную спокойную задумчивость и тихую, обнадёживающую радость. К первым подходят вечерние и ночные пейзажи, ко вторым – утренние и дневные. Для художника совершенно нехарактерно деление на сезоны; например, его осенняя живопись может быть задумчивой, как на полотнах «Осень», «Туман. Осень» и заразительно жизнерадостной, как в случае с картинами «Золотая осень» и «Большая дорога. Осенний солнечный день». Влюбчивый по натуре не только в женщин Левитан искренне любил окружающий его бессловесный неторопливый мир природы, отдаваясь творчеству без остатка.

Исаак Левитан. Тихая обитель

От казённого неторопливого государственного антисемитизма, подогреваемого регулярными для того времени политическими эксцессами, художника защитили друзья, учителя и сам Павел Михайлович Третьяков, который, покупая картины молодого художника, гарантировал тому некоторую финансовую независимость. Не стоит оставлять без внимания тот факт, что Левитан был одним из любимейших учеников признанного, на тот момент, мастера Алексея Саврасова. Именно Саврасов аккуратно и легко направлял Левитана в начале творческого пути. А крепкое товарищество однодумцев или, если точнее – одночуствовцев от живописи подкрепляло прижившиеся ростки. Художник Коровин вспоминал очень характерный эпизод с участием Левитана: «Исаак, – сказал я, – смотри, шиповник, давай помолимся ему, поклонимся. И оба мы, еще мальчишки, стали на колени. – "Шиповник!" – сказал Левитан, смеясь. "Радостью славишь ты солнце – сказал я, – продолжай, Исаак... и даришь нас красотой весны своей. Мы поклоняемся тебе».

Исаак Левитан. Озеро

Уже состоявшимся, художнику довелось побывать во Франции, Италии, Австрии, Финляндии, где написал несколько полотен. Так же восторженно принял Левитан и Крым, куда приехал, вероятно, по приглашению Чехова. Написав несколько десятков ярких, безусловно, талантливых пейзажей, объездив несколько городов и отнаслаждавшись видами, художник писал впоследствии другу-писателю: «Передайте Шехтелю..., пусть не беспокоится, – я север люблю теперь больше, чем когда-либо, я только теперь понял его...». Левитан навсегда останется верен своему «подмосковью» и, особенно, городку Плёс, где родились главные сюжеты художника. Остановившись там на ночёвку, Левитан остался в Плёсе на три художественных сезона и на всю жизнь, неразрывно связав собственное имя и имя поволжского городка.

Исаак Левитан. После дождя.

Ездивший в Европу, чтобы «сверить часы» с ведущими художниками, он, тем не менее писал из Ниццы: «Воображаю, какая прелесть теперь у нас на Руси – реки разлились, оживает все. Нет лучше страны, чем Россия... Только в России может быть настоящий пейзажист». И картины Левитана (последняя несла говорящее название «Озеро. Русь») вправду стали отображением русской природы, вдохновляя на стихи поэта Рубцова и на прозу гениального Чехова. Константин Паустовский, знаменитый своими пейзажами в прозе, восторженно писал о спектре «эмоций» на полотнах художника.

Исаак Левитан. Лето

За три года до смерти Левитан напишет: «Я никогда еще не любил так природу, не был так чуток к ней, никогда еще так сильно не чувствовал я это божественное нечто, разлитое во всем, но что не всякий видит, что даже и назвать нельзя, так как оно не поддается разуму, анализу, а постигается любовью. Без этого чувства не может быть истинный художник...».

Исаак Левитан. Октябрь
Источник: cameralabs.org
Поделись
с друзьями!
1188
1
14
2 месяца
Уважаемый посетитель!

Показ рекламы - единственный способ получения дохода проектом EmoSurf.

Наш сайт не перегружен рекламными блоками (у нас их отрисовывается всего 2 в мобильной версии и 3 в настольной).

Мы очень Вас просим внести наш сайт в белый список вашего блокировщика рекламы, это позволит проекту существовать дальше и дарить вам интересный, познавательный и развлекательный контент!