Его картины словно дышат солёным ветром. Байрон Пикеринг не просто рисует море — он передаёт его мощь, движение и настроение. В каждом мазке — буря или штиль, закат или рассвет, и всё это так реалистично, что хочется сделать шаг вперёд и окунуться в глубину. Его живопись — это признание в любви океану, которое завораживает и притягивает.

Вырос Byron среди озер штата Висконсин, где оценил всю манящую красоту скалистых берегов озера Верхнего. Часто бывал там со своими друзьями-художниками. После завершения учебы в технологическом институте Нью-Йорка, войдя в быстро развивающуюся сферу технологий, он оказался в штате Орегон, а вскоре и на берегу моря.

Именно тогда Byron Pickering приобщился к морским красотам, когда поселился у моря на побережье штата Орегон в l971 году. Сама судьба распорядилась этой встречей художника и изрезанной скалами береговой линией, с постоянно меняющимся прибоем.

Близость океана и сообщество художников вновь возродило в нем желание рисовать. Byron наблюдал за движением волн ежедневно, пытался понять, схватить принцип движения воды, ее текучести. Видать, технологическое образование к тому располагало. Очень много работ было посвящено именно прибою, движению волны в разнообразных условиях, при разном освещении. Благодаря своим многочасовом наблюдениям Byron очень хорошо прочувствовал море, и теперь оно раза за разом оживает в каждой его новой картине.

После года интенсивной художественной практики, Byron провел свою первую персональную выставку в одной из прибрежных галерей. Далее последовали многочисленные аншлаги. Публика была в восторге, художник нашел признание. В 1981 году Byron и его семья открыли галерею искусств и антиквариата «Пикеринг студия». Живопись для галереи и серии ежегодных семинаров заняли последующие тринадцать лет жизни Байрона.

Далее можно расписать на полстраницы награды и заслуги Byron Pickering, но это уже излишне, так как его картины в этом смысле отлично все рассказывают без слов.

Картины Сергея Маршенникова привлекают взгляд своей необычной, завораживающей техникой: он мастерски играет с солнечным светом, тенями и яркими красками, создавая полотна, полные тепла и внутреннего сияния. Узнайте, как художнику удается добиваться такой живой атмосферы и уникального колорита, способного оживить даже самые простые сюжеты.

Джозеф Коут (Josef Kote) увлекся живописью в ранней юности. Его вдохновляли живописные портовые пейзажи родного городка Влор в Албании. Начиная с 13 лет, он прикладывал немало усилий, чтобы постичь тонкости мастерства. Но, конечно, сам по себе диплом специалиста по живописи и сценографии не гарантирует успеха на творческом поприще. А Джозефу удалось найти свой уникальный стиль и «язык». Используя особую технику нанесения красок, албанский художник создает изумительные картины, которые излучают свет и энергию.

Спешим поделиться с вами неповторимыми работами истинного мастера, который жил и работал в Греции, Торонто и Нью-Йорке. Вы можете совершить небольшое красочное путешествие, ведь каждая его картина — это дивная симфония цвета.

Представляем вашему вниманию работы немецкого художника-мариниста Карстена Мейвальда. Его картины отличаются высокой степенью реализма, уделяя особое внимание игре света и тени, а также природным явлениям, таким как закаты и морские пейзажи. Среди техник, которые использует художник, – акриловая и масляная живопись на холсте. Работы посвящены преимущественно морским темам, включая пляжи, дюны и морские волны.

Карстен Мейвальд родился в 1966 году в Оствестфалии, Германия. Его интерес к искусству проявился с самого раннего детства: он начал рисовать и писать картины еще в юном возрасте. На протяжении своей жизни Мейвальд развивался как графический дизайнер в сфере рекламы, но со временем полностью посвятил себя живописи.

Карстен Мейвальд известен своими реалистичными и эмоциональными морскими пейзажами. В его картинах часто изображаются побережья, бушующие волны, песчаные дюны и маяки. Художник уделяет особое внимание свету, теням и игре цвета, создавая почти фотографический реализм. Его работы передают атмосферу спокойствия и умиротворения, предлагая зрителю почувствовать себя частью изображенного пейзажа.

Картины Мейвальда завораживают своей детализированностью. Он мастерски передает движение воды, отблески света на волнах и мягкость песка под ногами. Художник стремится, чтобы зритель мог буквально "погрузиться" в его произведения, ощутить их всем телом и почувствовать свежесть морского воздуха.

Творчество Карстена Мейвальда пользуется большой популярностью как в Германии, так и за ее пределами. Его картины регулярно выставляются в известных галереях, таких как Galerie Meisterstück и Glaserei Knoke, а также на различных международных выставках. Его произведения можно найти в частных коллекциях по всей Европе.

Одним из центральных аспектов работ художника является желание передать моменты спокойствия и отдыха в повседневной жизни. В эпоху, когда люди сталкиваются с постоянным стрессом, давлением и стремлением к потребительству, работы Мейвальда напоминают о важности паузы, наслаждения простыми радостями жизни и связи с природой.

Карстен Мейвальд женат, воспитывает троих детей и проживает в своем родном регионе, Оствестфалии. Его семья оказывает ему поддержку, а его дом, окруженный природой, вдохновляет на создание новых произведений.

Талантливый мастер и человек с тонким восприятием природы, он продолжает вдохновлять тысячи поклонников по всему миру своими уникальными картинами.

В современном мире много информации, ОЧЕНЬ много информаци. Часто хочется прервать поток мыслей и отдохнуть от всего. Хорошо в том помогает глубокое ритмичное дыхание и контроль мысли, медитация. Сегодняшняя галерея сродни медитации в изобразительном искусстве, так как деталей в работах минимум: лишь наполнение чистым цветом, несколькими цветовыми, тональными переходами и парой-другой линий. Нет сюжета, нет поиска смысла, переживаний. Остается лишь спокойное восприятие цвета, уравновешенной композиции, часто лишенной центра и акцентов…

Камилла Уэст родилась в 1969 году. Получила образование в Академии искусств Фунена, Дания, в период с 1991 по 1997 годы. Пишет картины маслом по холсту, обычно изображая пейзажи южного региона Дании.

Большинству зрителей ее работы будут непонятны своим максимальным минимализмом. Некоторые картины вызовут отчетливые ассоциации лишь у тех, кто сам, как и она, наблюдал самые разнообразные морские пейзажи.

Судя по работам, она живет недалеко от моря, часто бывает на берегу. Это видно по тем ее картинам, которые запечатлели особо редкие минуты вечернего и утреннего освещения. Чтобы увидеть подобное, надо очень часто находиться у моря в ожидании соответствующего сочетания поверхности моря, света, облаков и тумана.

Иногда все складывается, и тогда ты своими глазами видишь такие необыкновенные сочетания цвета и форм, в которые сложно поверить. Тем более сложно поверить подобному в картинах. Да, художница упростила, стилизовала, подправила, но характерную суть при этом оставила…

Кто видел подобное вживую, тот и в картинах узнает. Навсегда запоминаются острова, висящие в свете золотого заката, море гладкое, почти как зеркало, и туман, в красочном освещении стирающий границы всех стихий: земли, воды, неба и огненного света…

Камилла Уэст черпает вдохновение из того, что видит и переживает. От повседневной жизни, смены времен года, перемены цвета в природе. Личное запечатлено как сжатые образы и мысли в живописной форме.

Это мысленные образы или образы настроения, которые, используя силу цвета, показывает нам мирный пейзаж. Он передает нам мощную природу, которая лежит в основе всего.

Картины Камиллы Уэст выглядят так, будто созданы одним движением. Быстро. И невероятно уверенно.

"Когда я замечаю определенный мотив — в основном проходит мало времени, прежде чем он обретет свою форму на холсте. Техника требует, чтобы краска не успела высохнуть до завершения работы, и таким образом она сохраняет свежее и яркое выражение. Штрихи нельзя исправить, и если что-то пойдет не так, нельзя рисовать поверх, так как нижележащие слои будут мешать окончательному результату. Мне больше всего нравится, когда это молниеносно."

В ее работах легко проследить непосредственность и легкость.

Мастер-стеклодув Леопольд Блашка и его сын Рудольф посвятили свои жизни созданию самых изысканных и натуралистичных стеклянных моделей. Они не позиционировали свои работы как произведения искусства и не изготавливали их для широкой публики. И даже сейчас, когда стеклодувы обладают гораздо большим количеством инструментов и возможностей, от миниатюрных скульптур, созданных отцом и сыном Блашка в XIX веке, захватывает дух.

В США Леопольд и Рудольф Блашка известны прежде всего благодаря уникальной коллекции стеклянных цветов, созданной для Гарварда. Однако во всем мире их прославили искусно выполненные скульптуры морских созданий: осьминогов, медуз, улиток, морских анемонов, кораллов, морских звезд, морских огурцов и множества других видов. Модели Блашка изготавливались из прозрачного, цветного и окрашенного стекла, некоторые из них были собраны с помощью проволоки. Все эти скульптуры были заказаны научными учреждениями для частных исследовательских коллекций и не продавались широкой публике. Исследователи творчества Блашка подсчитали, что Леопольд и Рудольф создали несколько тысяч уникальных моделей, большинство из которых сохранились по сей день.

В конце XIX века стеклянные модели Блашка пользовались невероятной популярностью в научных кругах. Их использовали в качестве учебных пособий в школах и институтах по всему миру, от США и Европы до Японии, Новой Зеландии и Индии. Однако со временем стеклянные морские создания начали исчезать: постепенно творения Блашка перемещались на дальние полки и в музейные хранилища, где они покрывались пылью и стирались из памяти людей. Прошло несколько десятилетий, прежде чем морские сокровища вновь обрели былую известность.

Одна из крупных коллекций стеклянных скульптур Леопольда и Рудольфа Блашка была обнаружена в 1960-х годах в Университете Корнелла. Сейчас 570 моделей из этой коллекции хранятся в Музее стекла Корнинга в штате Нью-Йорк. На выставках они демонстрируются вместе с подготовительными эскизами и с оригинальными инструментами отца и сына Блашка.

Но вернемся немного назад во времени. В XVIII веке начало эпохи Просвещения и Французская революция привели к разрушению прежних социальных и религиозных институтов. На их место пришли наука и образование. В то время как существование Царство Божьего было поставлено под сомнение эволюционной теорией, многообразный мир природы начали воссоздавать в таксидермии и диорамах в музеях по всему миру. Зоопарки, ботанические сады, аквариумы и музеи занялись созданием собственных миниатюрных искусственных вселенных.

Благодаря появлению дешевого листового стекла в Лондоне в 1853 году открыли первый крупный общественный аквариум. Здесь и возникла главная проблема: тела беспозвоночных невозможно было сохранить в первозданном виде. Предполагалось, что они будут храниться в стеклянных банках, наполненных спиртом, однако из-за отсутствия костной структуры медузы и другие морские существа просто распластывались по дну, а из-за спирта естественные цвета тускнели. Здесь и пришел на помощь Леопольд Блашка.

В 1850 году жена 28-летнего Леопольда Блашка и его новорожденный сын умерли от холеры, а спустя год скончался его отец. И тогда Блашка, который всегда интересовался естественной историей, отправился в годичное путешествие из родной Богемии в Америку в надежде, что чудеса природы смогут залечить его душевные раны. Во время этой поездки корабль, на котором плыл Леопольд, на две недели застрял на Азорских островах к западу от Португалии, и Блашка целыми днями наблюдал, как из глубины выплывают светящиеся медузы. Рожденный в семье ремесленника, занимавшегося изготовлением стеклянных глаз и ювелирных украшений, Леопольд стал представлять себе медуз, выполненных из стекла. Тогда он еще даже не представлял, что посвятит морским существам остаток своей жизни.

Вернувшись из путешествия, Леопольд Блашка осел в Дрездене, снова женился, а через несколько лет у него родился сын Рудольф. Мальчик буквально рос в мастерской отца, постепенно обучаясь у него премудростям стекольного дела. Когда Рудольфу исполнилось 23, отец и сын стали, как сейчас сказали бы, полноправными партнерами по бизнесу.

Поскольку стеклянные скульптуры, которые создавали Блашка, были в первую очередь учебными моделями, Леопольд и Рудольф были в первую очередь сосредоточены на точности исполнения. Они использовали самые современные научные иллюстрации, которые только могли достать, а некоторые рисовали сами.

По мере того, как отец и сын Блашка повышали свой уровень мастерства и оттачивали методы работы, совершенствовались и их исследовательские методы. Они собирали заспиртованные образцы по всему миру, ездили в экспедиции для сбора материалов и даже построили небольшой аквариум, чтобы работать с натуры. Для работы со стеклом Леопольд и Рудольф использовали аналог современной паяльной лампы, которая приводилась в действие с помощью мехов с ножной накачкой. Некоторые модели вроде тел медуз или кальмаров создавались из выдувного стекла. Но одна из причин, по которой работы Блашка кажутся невероятно реалистичными, почти невозможно реалистичными для своего времени, заключается в том, что они не полностью стеклянные. По словам одного из руководителей Музея стекла Эрика Гольдшмидта, Леопольд и Рудольф использовали в своих моделях краски, эмаль и даже бумагу.

Для повышения эффективности отец и сын Блашка изготавливали заранее множество мелких деталей, которые хранили в картонных коробках. Эти коробки, заполненные крошечными щупальцами, глазками маленькими головами медуз заполняли большую часть рабочего пространства мастеров. По мнению экспертов, создание заготовок и растущее мастерство позволяли Леопольду и Рудольфу изготавливать по одной модели в день, и в общей сложности за 30 лет они могли произвести более 10000 морских скульптур.

В 1886 году в Дрезден приехал профессор Гарварда Джордж Линкольн Гудейл. Приехал с единственной целью: встретиться с отцом и сыном Блашка и уговорить их изготовить серию стеклянных ботанических моделей. Гудейл находился в процессе создания Гарвардского ботанического музея, и увидев однажды стеклянных морских существ, понял, что Леопольд и Рудольф — именно те, кто ему нужен. В то время Гарвард был мировым центром ботанических исследований, но проблема заключалась в сохранении образцов под прессом. Из-за этого растения становились плоскими и двухмерными и со временем теряли цвет. Поэтому стеклянные модели представлялись Гудейлу идеальным решением. Леопольд Блашка согласился выполнить заказ после долгих уговоров и за внушительную сумму. В итоге в 1890 году отец и сын подписали с Гарвардом эксклюзивный десятилетний контракт. Однако спустя пять лет Леопольд Блашка умер, и в дальнейшем Рудольф работал в одиночку. Он продолжал создавать модели для Гарварда вплоть до 1938 года (в общей сложности их получилось 4400), пока в возрасте 80 лет не решил наконец-то отправиться на пенсию. Через год Рудольф Блашка ушел из жизни, не оставив после себя ни потомства (хотя был женат), ни профессиональных преемников.

По мере того, как работы Блашка «старели» и изнашивались, их часто отправляли в хранилища, а некоторые и вовсе были утеряны. В течение долгих лет модели пылились в шкафах и многие из них оказались в аварийном состоянии. И только недавно хрупкая красота стеклянных морских созданий снова стала возрождаться. К примеру, только в 2002 году новый директор Музея сравнительной зоологии Гарвардского университета обнаружил в хранилище коллекцию стеклянных моделей Блашка.

В США ведущая роль в возвращении известности творениям Леопольда и Рудольфа принадлежит Музею стекла Корнинга.

Учреждение прикладывает все возможные усилия для сохранения хрупкого наследия стеклодувов. Эта кропотливая работа, кроме прочего, помогает экспертам музея лучше понять методы работы Блашка и материалы, которые они использовали.

Маркос Беккари — художник-акварелист и учитель рисования в Общественном университете Куритибе, Бразилия. Его работы выглядят реальными из-за исключительного понимания автором освещения и акварельной техники.

Маркос Беккари не привык бежать от трудностей. Он борется с ними. Именно поэтому бразильский художник стал тем, кто он есть.

В настоящее время Беккари работает адъюнкт-профессором в Федеральном университете Параны, читая лекции по дизайну и графическому дизайну. В свободное время профессор посвящает рисункам акварелью.

Если просмотреть на портфолио его работ, можно понять, что Беккари много внимания уделяет воде. Настолько много, что в некоторых его работах вода выступает главным персонажем, поглощая людей своей массой и оттесняя их на задний план.

Вода неслучайно вышла на передний план творчества Маркоса –художник считал изображение воды своей слабостью и решил искоренить её. Сегодня можно с уверенностью сказать, что ему это удалось и теперь это одна из сильных сторон автора.

К выбору техники рисования Беккари подошёл ровно так же:

«Я считаю, что акварель – самая сложная техника из всех. Она непокорна, вы не можете полностью контролировать эту краску. Кроме того, она требует большой самодисциплины, что косвенно помогает мне и в других аспектах моей жизни».
Маркос Беккари

Маркос Беккари не просто показывает движение воды, но и завораживающий способ, которым вода преломляет черты и пропорции погруженных в неё людей.

Хотя пловцы часто находятся в центре внимания картин художника, их лица редко видны полностью. Автор предпочитает сохранять их инкогнито, часто искажая черты лица движущейся водой или поворачивая "моделей" спиной к зрителю. Это придаёт его работам ощущение романтической ностальгии и даёт зрителю возможность завершить повествование, начатое в картине.

У Маркоса нет художественного академического образования, но он с детства посещал курсы живописи. Он по прежнему считает воду самой трудной вещью для рисования:

«Я сосредотачиваюсь на воде ради преодоления моих художественных недостатков. А ещё, это также способ напомнить себе, что вы не можете контролировать большинство вещей. Я думаю, что вода олицетворяет это; мы должны научиться пользоваться ею, а не пытаться овладеть. "Пусть вода будет вашим проводником" – говорил Брюс Ли».

Маркос Беккари

Маркус хранит свои работы дома, собирая в коллекцию. Некоторые из своих акварелей он дарит. "В последнее время я сосредоточился на теле, погруженном в воду, просто потому, что это красивая ситуация", — отмечает акварелист. Он также замечает, что картины, которые чаще всего вдохновляют его, написаны под влиянием эмоций после просмотров фильмов. Кинематограф даёт Маркосу идеи для творчества и мотивируют процесс рисования.

Зария Форман - профессиональная художница, рисующая пастелью. В 2012 году в рамках своего проекта «В погоне за светом» (Chasing the Light) она осуществила амбициозную арт-экспедицию к северо-западным берегам Гренландии, чтобы повторить маршрут путешествия 1869 года американского художника Уильяма Бредфорда (William Bradford). По пути Форман документировала изменения арктического пейзажа, произошедшие за последние 140 лет. Фотореалистичные работы Зарии Форман отражают атмосферу и настроение ландшафта, находящегося в постоянном движении.

Вдохновение для своих картин Зария Форман начала черпать из окружавшего её мира еще в раннем детстве. Именно тогда семейство Зарии странствовало по миру; Форман довелось лично полюбоваться целым рядом весьма и весьма необычных ландшафтов. Судьба регулярно забрасывала Зарию в самые отдаленные уголки земного шара; там мать девочки занималась фотографией, а сама Форман знакомилась с необычными чудесами нашего мира. Впоследствии Форман получила формальное образование в стенах колледжа Скидмора – и, впоследствии, сама стала деятельницей искусства. На данный момент Зариа успешно выставляет свои работы в галереях и выставочных залах как на территории США, так и за рубежом.

В своём творчестве художница старается донести проблему глобального изменения климата. Часть средств от продажи своих невероятных картин Зарина жертвует в фонды защиты окружающей среды и отдаёт на благотворительность. Её картины как будто бы написаны не кистью, а сфотографированы на профессиональный фотоаппарат.

Главный герой реалистических картин Зари - это вода. Художнице интересно, как стихия воды может поглощать и отражать свет в самых различных формах. Отсюда так много в её работах волн, айсбергов, снега и множества других элементов водной стихии.

«Искусство помогает нам глубже понять природу любого кризиса. В красоте изменяющихся пейзажей можно черпать оптимизм и новые смыслы», — говорит Зария.

В 2013 она отправилась на Мальдивы, так как эта страна лежит ниже всех по уровню моря и может быстрее других пострадать от климатических изменений. Там она также написала несколько картин — море на них завораживает и пугает одновременно.