Его картины словно дышат солёным ветром. Байрон Пикеринг не просто рисует море — он передаёт его мощь, движение и настроение. В каждом мазке — буря или штиль, закат или рассвет, и всё это так реалистично, что хочется сделать шаг вперёд и окунуться в глубину. Его живопись — это признание в любви океану, которое завораживает и притягивает.

Вырос Byron среди озер штата Висконсин, где оценил всю манящую красоту скалистых берегов озера Верхнего. Часто бывал там со своими друзьями-художниками. После завершения учебы в технологическом институте Нью-Йорка, войдя в быстро развивающуюся сферу технологий, он оказался в штате Орегон, а вскоре и на берегу моря.

Именно тогда Byron Pickering приобщился к морским красотам, когда поселился у моря на побережье штата Орегон в l971 году. Сама судьба распорядилась этой встречей художника и изрезанной скалами береговой линией, с постоянно меняющимся прибоем.

Близость океана и сообщество художников вновь возродило в нем желание рисовать. Byron наблюдал за движением волн ежедневно, пытался понять, схватить принцип движения воды, ее текучести. Видать, технологическое образование к тому располагало. Очень много работ было посвящено именно прибою, движению волны в разнообразных условиях, при разном освещении. Благодаря своим многочасовом наблюдениям Byron очень хорошо прочувствовал море, и теперь оно раза за разом оживает в каждой его новой картине.

После года интенсивной художественной практики, Byron провел свою первую персональную выставку в одной из прибрежных галерей. Далее последовали многочисленные аншлаги. Публика была в восторге, художник нашел признание. В 1981 году Byron и его семья открыли галерею искусств и антиквариата «Пикеринг студия». Живопись для галереи и серии ежегодных семинаров заняли последующие тринадцать лет жизни Байрона.

Далее можно расписать на полстраницы награды и заслуги Byron Pickering, но это уже излишне, так как его картины в этом смысле отлично все рассказывают без слов.

​Австрийский художник Бернхард Фогель (Bernhard Vogel), родившийся в 1961 году в Зальцбурге, известен своими выразительными акварельными городскими пейзажами. Его работы отличаются мастерским использованием линии и перспективы, а также насыщенными текстурами и нюансами цвета, что позволяет передать драму и загадочность городского ландшафта .

Австрийский художник Бернхард Фогель родился в Зальцбурге, в 1961 году. Рисовал он с ранних лет, и в этом деле его особенно вдохновляли два родных деда, которые рисовали с ним снова и снова, каждый раз стимулируя новое творчество. Художник до сих пор помнит, как под руководством одного из дедов научился рисовать яблони. Точнее, он запомнил этот домашний урок в связи с последующим уроком рисования в первом классе. Так совпало, что на первом уроке рисования ученикам надо было нарисовать яблоню. И у него хорошо получилось. Результат привлек всеобщее внимание.

Уже в средней школе Бернхард настолько прочувствовал особое творческое чувство, что сравнивал его с чувством влюбленности. У него всегда было большое желание рисовать, и оно помогало осваивать новые методы.

Однако последующий жизненный этап сложился более в коммерческом направлении, коего придерживалась его семья. Внешних стимулов для сосредоточения на живописи и искусстве было очень мало, внешнее окружение тому тоже не способствовало. В итоге, Бернхард Фогель после окончания средней школы отучился в бизнес-колледже, и начал коммерческую карьеру в семейном бизнесе.

Далее случилось то, что обычно возвращает временно заблудшего человека на его путь, предсказанный судьбой. В 1983 году он попал на своем мотоцикле в серьезную аварию. Следствием стало пробуждение дремлющего в нем творческого желания. Изнутри пошел мощный поток самовыражения, настало время поиска и экспериментов со всевозможными техниками. В том же 1983 году Bernhard Vogel побывал на семинаре по акварельной технике. Случилось то, что можно назвать полным контактом и любовью с первого взгляда.

Художник говорит, что ему повезло в тот период его жизни жить в Зальцбурге. Это был мощный импульс для его творчества: он увидел множество выставок известных сильных акварелистов. Это очень сильно повлияло на него.

Следующим важный этапом в художественной жизни Бернхарда стала его первая выставка в Ратуше, где он продемонстрировал по большей мере малоизвестные места города Зальцбурга. Работы были настолько убедительны, что принесли автору первый приз. Ну и, естественно, здесь же появились новые контакты, полезные знакомства. Наиболее важные из них были связаны с выставочными галереями. В 1988 году случилось особо важное предложение от одной из известных галерей, и Бернхард начал свое вставочное турне по миру. Это время можно назвать одним из интенсивнейших творческих периодов художника. Были выпущены его альбомы и каталоги.

Сам Бернхард говорит, что его жизнь, его чувства, все его творчество резко и в огромной степени изменились, когда он смог посвятить себя живописи целиком и полностью. И решение писать картины, посвятить себя художеству пришло, минуя мысли о финансовых рисках и известной неопределенности, свойственной жизни художника. Решение стать художником произошло от глубокого внутреннего желания творить. Все остальное стало в жизни вторичным.

И такой поход к жизни виден в работах Бернхарда. Он свободен от технических мук творчества. Его картины – цельный поток устремленной в своем самовыражении души. Он много работал над техникой, и когда приходит пора самовыразиться, его уже ни что не ограничивает. Он просто сливается с инструментом, свободно фиксируя на бумаге свое состояние. А некоторые особенности акварели в форме непредсказуемости конечного результата он успешно использует для создания динамичных, уникальных работ. И это свойство акварели его очаровывает больше всего, сравнительно с той же масляной техникой, где конечный результат можно править и править.

Bernhard Vogel обретает настоящее вдохновение при работе с натурой. Он признает, что отличные работы можно создавать по фотографиям и эскизам в удобной студии. Но для него очень важна атмосфера того места, которое он изображает. Она создает реальное сильное чувство, которое дает творчеству убедительность и жизнь.

Бернхард, в поисках чувства и вдохновения, много путешествует. У него даже есть серия горных акварелей, которые он создал на высоте более 2000 метров. Кто бывал в горах, тот понимает, что горы невозможно воспринимать через фотографии и прочее. Для чувства гор надо обязательно пребывать в горах… Впрочем, это можно сказать применительно и ко всем прочим разнообразнейшим проявлениям жизни.

Картины Фионы Смит — это настоящий фейерверк цвета, где растительные узоры и яркие мазки сливаются в живописный танец. На этом пестром фоне почти всегда появляются скромные, неприметные птицы — и в них художница вкладывает особый смысл, который хочется разгадать.

Эти птицы - творения художницы из Австралии Фионы Смит. Она всю жизнь проработала журналисткой, это была ее первая страсть. В молодости она получила соответствующее образование, закончив бакалавриат по направлению журналистика.

Но ею владела еще одна страсть - рисование. В 1980-х годах она посещала занятия в художественной школе Джулиана Эштона, рисуя для себя. Она очень долго не решалась оставить журналистику, чтобы посвятить себя живописи.

Вернувшись к занятиям живописью вполне осознанно в более "зрелом" возрасте, она стала учиться у самых знаменитых современных художников Австралии. Она стала писать все, что ее окружало. Все места, люди и вещи, которые вдохновляли и сформировали ее как личность и художника, стали появляться на ее полотнах.

Она стала находить настоящее вдохновение и радость в совершенно обыденных вещах. Например, в этой публикации Вы можете увидеть много птиц. Художница считает, что поводов для радости на самом деле гораздо больше, чем кажется на первый взгляд. Все для нашего вдохновения мы можем найти в самых простых и доступных вещах. Не нужно искать павлинов, чтобы восхищаться птицами! Конечно, спорить с тем, что павлины очень красивы не имеет смысла, но зачастую именно наши "птички с заднего двора" могут принести нам море радости!

На картинах Фионы мы часто видим обычных сорок. Да, они тоже есть в Австралии. Сороки такие элегантные и умные. Художница так полюбила этих красивых птиц, что они стали для нее частью большой семьи.

Эти картины с птицами - последняя серия работ художницы. Она посвящена нашим птичьим товарищам, сопровождающим жизнь человека на протяжении уже многих веков. На ее полотнах птицы часто представлены крупным планом на фоне узорчатого фона элегантных обоев и тканей эпохи якобинцев или стиля Людовика XV.

Живописные творения художницы смогли сочетать в себе все ее увлечения. Это и живопись, и стремление к красоте, и поиск идеальных цветов, способных сочетаться друг с другом. Создавая свои работы она смогла напомнить нам, своим зрителям, что иногда следует остановиться, оглянуться вокруг и задуматься о вещах, которые приносят нам настоящую радость.

Джуди Гарфин — выдающаяся художница из США, чьи работы погружают зрителя в мир ярких красок и сложных растительных узоров.

Джуди Гарфин родилась в 1945 году в Эдмонтоне ( Канада ) Художница известна своими чрезвычайно насыщенными и предельно детализированными картинами мира растений, которые незаметно могут для зрителя увести его в сферу своеобразной абстракции. Джуди училась в Лиге студентов-художников в Нью-Йорке, продолжила обучение графики и живописи в Vancouver School of Art with Tamarind. А далее совершенствовала своё мастерство под руководством абстрактного художника - экспрессиониста Грейса Хартигана ( Grace Hartigan ).

Окончив Университет искусства в Филадельфии, она получила степень бакалавра в области изобразительных искусств, что стало крепкой основой для её дальнейшего профессионального пути.

Гарфин известна своим уникальным подходом к живописи, в котором мастерски сочетаются элементы гиперреализма и абстракционизма. В её картинах стебли и листья сплетаются в причудливые узоры, достигая гармонии с яркими изображениями птиц, кажущихся живыми благодаря детальной прорисовке и насыщенной цветовой палитре.

Каждое её произведение — это не просто картина, а настоящая симфония из света и теней, где цвет и форма переплетаются, создавая динамичные и многослойные композиции.

Необычная техника исполнения Джуди заключается в том, что она начинает работать на чистом холсте, без предварительных эскизов. Ее процесс предполагает тщательную проработку каждой детали, что позволяет создавать запутанные, но гармоничные изображения, где все элементы органично дополняют друг друга.

Работы Джуди Гарфин отражают её глубокое уважение к природе. Мотивы растений и окружающего мира подчеркивают взаимосвязь между живыми существами и их элементами, что делает её картины особенно актуальными в контексте современных экологических проблем.

Сегодня Джуди Гарфин активно участвует в выставках как на национальном, так и на международном уровнях, получая признание критиков и зрителей за свою уникальную выразительность и эмоциональную насыщенность.

Её картины хранятся в частных коллекциях по всему миру, каждая из них наполняет пространство своей историей, приглашая зрителя в красочный и волшебный мир искусства.

Иногда живопись говорит больше, чем слова. Она не рассказывает — она дышит, чувствует и смотрит на мир иначе. Картины Вячеслава Палачева — именно такие: в них нет показной громкости, но есть глубина, которая втягивает. Его полотна словно раздвигают привычную реальность, открывая за ней что-то странное, тонкое, почти сказочное. Это не просто изображения — это окна в мир, где повседневное вдруг обретает тайну. Перед вами — работы художника, который умеет видеть невидимое и делиться этим зрением с каждым, кто готов смотреть.

Талантливый российский художник Вячеслав Палачев родился в 1980 г. в небольшом поселке Семибратово (Ярославская обл) в творческой семье. Его мама и дед с ранних лет привили ему любовь к изобразительному искусству.

Как рассказывает сам Вячеслав, становиться художником его никто не принуждал. Но посвятить себя творчеству он решил в возрасте еще 17 лет. В первое время Вячеслав работал в технике финифть. При использовании этой методики художники создают произведения с помощью специального порошка, эмали и металлической подложки. Финифтью живописец увлекся потому, что ей отлично владеют его близкие. Именно в этой технике Вячеслав познавал основы цвета и композиции.

Однако позднее художника увлекли городские пейзажи. Вячеслав Николаевич начал писать маслом Ростов и Ярославль. Также живописец создал большое количество сельских пейзажей и картин с запечатленными на них красотами природы.

Как говорит сам художник, все детство он провел на велосипеде в окрестностях родного поселка. Художник часто ходил в лес за грибами и на рыбалку.

Сегодня, создавая свои картины, Вячеслав Палачев вспоминает те свои детские ощущения — лесные прогулки, деревенские закаты, размеренное течение реки. По словам художника, эти воспоминания очень помогают ему настраиваться на нужный лад и создавать соответствующее настроение и в своих картинах.

Как признается живописец, красоты окружающей природы очень много для него значат и дают неисчерпаемый материал для его работы. Художник зачастую начинает даже переживать о том, что не успевает переносить на свои полотна все, что считает достойным внимания.

Деревенские избы, утренний туман, покосившиеся заборы, старый колодец — такие воспоминания о каникулах в деревне или на даче есть у многих из нас. Кому-то повезло время от времени оживлять эти воспоминания, посещая знакомые с детства места.

Тем же, у кого такой возможности нет, не стоит огорчаться. Достаточно повесить дома или в офисе картину Вячеслава Палачева. Полотна художника несут покой и тишину. Картины Вячеслава способны наполнять душу тем теплом, которое человек испытывает только в детстве.

Хотя художественного образования у Вячеслава нет, его картины отличаются почти фотографичной точностью. Художник отлично умеет схватывать детали, цвета, их сочетания и взаимосвязи. Этюды Вячеслав пишет непосредственно на природе, а затем дорабатывает их в мастерской.

Сегодня работы Вячеслава Палачева знают не только в России. Его полотна есть в частных коллекциях в Австрии, США, Германии, Англии.

Южнокорейский художник Ян-Санг Ким (Young-sung Kim) покоряет мир живописи невероятными картинами, которые выглядят скорее как фотографии, нежели полотна.

Впервые Ким начал рисовать 20 лет назад. Художник использует гиперреализм для того, чтобы показать разницу между живыми существами и вещами в нашем мире. Вдохновение Ким черпает в природе и городской жизни вокруг.

Ян-Санг Ким — один из самых высокооплачиваемых художников-гиперреалистов современности. На создание каждой картины уходит от трех до десяти месяцев. Небольшая картина стоит около 8 тысяч фунтов стерлингов (более 800 тысяч рублей), большая — 100 тысяч фунтов стерлингов (более 10 миллионов рублей).

Своими произведениями художник задает вопрос, почему общество заставляет человека ставить материальные ценности выше духовных.

Например, золотая рыбка внутри стакана с водой олицетворяет красоту жизни, которая заперта в тюрьме, сотворенной руками человека.

Ким использует предметы, являющиеся противопоставлением по своей сути, чтобы подчеркнуть разницу между миром живого и материальных благ.

Важным аспектом работ художника стала угроза, которую представляет современное общество по отношению к древностям и природе. В серии своих картин Ким пытается выразить то, как много всего исчезло из-за развития культа материальных ценностей.

Художник Фил Вэнс (Phil Vance) создает невероятные портреты, состоящие из тысяч букв. Рассказывая о рисунке, текстуре и цвете, художник описывает процесс как «нанесение координатной сетки, или поперечная штриховка». Каждый портрет известных людей серии «Их собственными словами» (In Their Own Words), от Эйнштейна до Марка Твена, становится данью уважения культовой исторической личности.

Для контуров, тени и деталей Вэнс пишет цитаты по несколько тысяч раз, разным размером и шрифтом. «Я представил, как пишу портрет, внутрь которого можно заглянуть и увидеть его мысли. Особенно я увлекся с портретами Виллема де Кунинга, Пикассо и Маурица Эшера. Это мои любимые художники, и я хотел выразить им уважение по-своему — дать людям возможность увидеть их мудрость».

Первое время художник писал черной ручкой, однако, почувствовав, что черный цвет не всегда передает всю глубину его замысла, стал использовать цветные чернила. Для портрета известного кинозлодея Джокера Вэнс писал цитаты из фильма «Черный рыцарь» более 100 часов.

Как и в случае с пуантилизмом (направление в живописи, которое характеризуется особой манерой письма — раздельные мазки правильной формы), издалека рукописные цитаты сливаются воедино и создают изображение. Если же приблизиться, то можно увидеть бесконечное число слов и предложений.