Андрей Беличенко — один из тех современных художников, которые умело соединяют традицию и актуальность. Его творчество напоминает: живопись не только о технике, но и о чувстве, не только о форме, но и о содержании. Если ищете художника, чьи работы трогают душу — Беличенко точно заслуживает внимания.
Андрей Беличенко родился в 1974 году в Караганде (ныне Казахстан). В 1990 году он окончил республиканскую художественную школу, затем поступил на графический факультет Академии художеств. Благодаря выдающимся способностям завершил обучение за пять лет вместо обычных шести.
С момента окончания академии Беличенко активно участвует в выставках — региональных, национальных и международных; его работы находятся в частных коллекциях и музеях разных стран, включая Россию, Украину, Германию, Францию, Испанию, Канаду, Бразилию, Великобританию и США. В последнее время на мировом рынке искусств стал одним из самых востребованных российских художников. Его работы постоянно продаются на аукционах искусств.
Беличенко работает в стиле портретно-фигуративной живописи, уделяя большое внимание деталям, реалистичности и индивидуальному выражению своих персонажей.
В его работах заметна совокупность академической подготовки и тонкой личной интерпретации образов: свет, фактура, цветовая гамма создают ощущение внутреннего мира представленных фигур. Работы художник иногда создает в союзе с художницей и супругой Марией Бухтияровой, что придаёт им характер сотрудничества и перекрёстного вдохновения.
Литовский художник Petras Lukosius сочетает в себе влечение к сакральным моментам природы с любовью к созерцанию лучей света.
Петрас Лукосиус — современный литовский художник, чьи картины легко узнать по мягкому свечению, будто исходящему изнутри холста. Он родился в 1956 году и с раннего детства проявлял интерес к живописи: учился в художественной школе Клайпеды, затем в Тельшяйском техникуме прикладного искусства, а позже окончил факультет Вильнюсской академии искусств. С 1992 года Лукосиус является членом Союза художников Литвы и активно участвует в выставках как в своей стране, так и за её пределами.
Главная тема его творчества — пейзаж, но это не просто изображения природы. В его работах свет играет самостоятельную роль — он словно движется по полотну, рассеивается в листве, отражается от поверхности воды или медленно растворяется в тумане. Лукосиус выбирает тёплые, почти золотые тона рассвета и заката, создавая ощущение покоя и уюта, но в то же время — лёгкой ностальгии. Его мир — это пространство тишины, где человек чувствует себя частью природы, а не наблюдателем.
Техника художника тоже заслуживает внимания: чаще всего он пишет маслом на холсте, добиваясь плотной, бархатистой фактуры, а иногда использует масляные стики, что придаёт поверхности живости и рельефа. Картины Лукосиуса производят впечатление не столько изображения, сколько состояния — момента, когда свет и воздух становятся почти осязаемыми.
Работы художника находятся в частных коллекциях по всему миру. Его пейзажи часто называют «медитацией в цвете» — они не требуют пояснений, просто заставляют остановиться, вдохнуть и вспомнить, что красота может быть тихой. Петрас Лукосиус — из тех живописцев, кто напоминает: мир не всегда нужно понимать, иногда достаточно просто смотреть.
Павел Антипов считает важнейшей целью своего творчества показать взаимосвязи простых и сложных вещей, которые окружают нас в повседневной жизни, и предельно просто воплотить на холсте сложные философские темы.
Художник Павел Антипов живёт в Санкт-Петербурге, а творчество его знакомо ценителям далеко за пределами страны. Картины Антипова приобретают коллекционеры и музеи, в том числе Национальная галерея искусства в Вашингтоне и в Пекине.
Живая вода.
Стиль художника сформировался под влиянием декоративного начала в искусстве, которое он изучал в Абрамцевском училище, и академической манеры письма, полученной в Академии художеств имени И. Е. Репина.
Затмение.
Своей живописью Антипов пытается не рассказать, а расспросить о важных вещах, например, о скоротечности времени, жизненных ценностях, любви и чувствах. Другими словами, его шедевры – не просто красивое сочетание цветов и линий. Порой изобразительными средствами он заключает в них целые притчи, что добавляет картинам интереса и ценности.
Белые ночи.
К примеру, картину «Ловец образов» автор объясняет так: «Живём мы в мире потребительском, и всегда в погоне за декоративным, обманчивым. Нас заставляют гоняться за «бабочками». А вот ловец образов – он несколько отличается от других. Ему интересна эта бабочка, само её существование. Он сам стремится к полёту. Ему необходимо не обладание, а – увидеть смысл того, что вообще происходит».
Ловец образов.
А картину «Источник» Павел Антипов прокомментировал так: «Источник необязательно воды, может быть, знаний, силы, энергии, денег... и что люди делают у этого источника. Умываются, пьют, запасают много кувшинов, так, что и не унести. Один из них смотрит в небо. Не там ли истинный источник?»
Танец на венском стуле.
О работе «Танец на венском стуле» художник сказал: «Здесь неустойчивость и нестабильность как отношений между мужчиной и женщиной, так и начала двадцатого века. Цвета и композиция отправляют зрителя во времена процветания супрематизма, когда в искусстве и жизни в целом зарождалось новое и отвергалось старое...»
«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.
Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал четыре варианта «Крика», и есть версия, что картина эта — плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.
«Я шел по тропинке с двумя друзьями. Солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом. Мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», — говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.
«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?»
Поль Гоген. 1897-1898, холст, масло. Музей изящных искусств, Бостон.
По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии.
Три женщины с ребенком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица... представляет бесполезность слов».
Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством: «Я верю, что это полотно превосходит все мои предыдущие и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще пять лет, так и получилось.
«Герника»
«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» — «Нет, это сделали вы».
Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов, и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.
«Портрет четы Арнольфини»
Ян ван Эйк. 1434, дерево, масло. Лондонская национальная галерея, Лондон.
Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками — вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», превратившей картину не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реальность события, на котором присутствовал художник.
Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.
В России в последние несколько лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.
«Демон сидящий»
Михаил Врубель. 1890, холст, масло. Государственная Третьяковская галерея, Москва.
Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Его печальный вид совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух.
Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит в окружении цветов, устремив свой взгляд вдаль. Композиция подчеркивает стесненность его фигуры, будто бы зажатой между верхней и нижней перекладинами рамы.
Сам художник говорил о самой известной своей картине: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый».
«Апофеоз войны»
Василий Верещагин. 1871, холст, масло. Государственная Третьяковская галерея, Москва.
Метафора войны в картине передана автором так точно и глубоко, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше никогда не увидит. Сам Верещагин с сарказмом называл полотно «натюрмортом» — на нем изображена «мертвая природа». Всe детали картины, в том числе желтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчеркивает мертвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.
Верещагин — один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому, что видел в них красоту и величие. Наоборот, художник пытался передать людям свое негативное отношение к войне.
Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны».
«Американская готика»
Грант Вуд. 1930, масло. 74×62 см. Чикагский институт искусств, Чикаго.
Картина с мрачными образами отца и дочери переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо посередине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, как символ угрозы, которая адресована всем, кто посягнет. Полотно насыщено мрачными подробностями, которые заставляют ежиться от неуюта.
«Американская готика» — один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий.
Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.
«Влюбленные»
Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном полотне мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом — «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает.
Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные — загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.
Едва ли не все картины Магритта — это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт все время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.
«Прогулка»
«Прогулка» — это автопортрет художника с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица — он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе.
Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью.
«Сад земных наслаждений» — самый известный триптих Иеронима Босха, получивший свое название по теме центральной части, посвящен греху сладострастия.
Картина насыщена фантастическими фигурами, сооружениями, образами чудовищ, словно обретшими плоть галлюцинациями — всем тем, что можно назвать адскими карикатурами реальности, на которую автор смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом.
Некоторые ученые хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму тщеты земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстраненность, с которыми трактовались отдельные фигуры на картине, а также благосклонное отношение к этому произведению церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений.
На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.
«Три возраста женщины»
Густав Климт. 1905, холст, масло. Национальная галерея современного искусства, Рим.
Эта работа Климта одновременно передает ощущение и радости, и печали. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние.
Молодой женский образ органично вплетен в орнамент жизни, образ старой женщины выделяется из него. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несет с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — постоянство и конфликт с реальностью.
Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.
«Семья»
Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния.
«Семья» — его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то что это наименее странно выглядящая его картина. Художник нарисовал ее перед самой смертью, в 28 лет, после того как от испанки умерла его беременная жена Эдит. На полотне изображен сам автор, его жена и их так и не рожденный ребенок.
«Две Фриды»
Фрида Кало. 1939.
История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».
Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи художницы зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с изображением автора на полотнах. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода.
В одной из своих лучших картин «Две Фриды» она выразила мужское и женское начала, соединенные в ней единой кровеносной системой и демонстрирующие ее целостность.
«Мост Ватерлоо. Эффект тумана»
Клод Моне. 1899, холст, масло. Государственный музей Эрмитаж, Санкт-Петербург.
При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего, кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большее расстояние.
Сначала перед нами проявляются непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем мы видим явные очертания лодок, а если мы отойдем приблизительно на два метра, то перед нами возникнут и выстроятся в логическую цепочку все связующие произведения.
«Номер 5, 1948»
Джексон Поллок. 1948, фибролит, масло.
Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита, — одна из самых дорогих картин в мире. В 2006 году на аукционе Sotheby’s за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал ее мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу.
«Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то еще. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живет своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но, если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».
«Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»
Жоан Миро. 1935, медь, масло. Фонд Жоана Миро, Испания.
Хорошее название. И кто бы мог подумать, что эта работа говорит нам об ужасах гражданских войн.
Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании, картина о периоде беспокойства. На полотне изображены фигуры мужчины и женщины, тянущиеся друг к другу в объятия, но при этом не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны автором как «полные отвращения и гадливой сексуальности».
«Эрозия»
Яцек Йерка.
Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создающие все новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала. Рекомендуем ознакомиться подробнее.
«Руки противятся ему»
Билл Стоунхэм. 1972.
Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная, — это факт.
Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.
Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.
Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина — «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.
Работы восточного акварелиста Myoe Win Aung переносят зрителя в атмосферу его родной страны. В его картинах ощущаются дыхание культуры, история и самобытность народа. Художник с редкой полнотой и любовью изображает родные пейзажи и людей, создавая живое, поэтичное отражение своей земли.
Художник Myoe Win Aung родился в Мьянме, в столице Янгон, в 1972 году. Начал рисовать в 1989-ом. Далее поступил на обучение в государственную школу изобразительных искусств в Янгоне, в класс живописи. Учился сразу у нескольких мастеров. Закончил обучение в 1992 году. Как и в случае большинства художников Мьянмы, на его художественный вкус и выражение очень повлияла религиозная жизнь родной страны, буддизм.
Осень — пожалуй, самое благодарное время года для акварели. Листья сами становятся палитрой: золото, охра, рубиновый красный, изумруд и багровый, — стоит только коснуться бумаги кистью. Именно в это время особенно ярко проявляется талант бельгийского акварелиста Роланда Пальмаертса (Roland Palmaerts).
Его работы — это не просто пейзажи, а настоящее осеннее настроение. Лёгкость мазка передаёт прозрачный воздух, влажность утреннего тумана и хрупкость падающих листьев. Пальмаертс умеет делать то, что под силу лишь мастерам акварели: создавать свет, который будто струится изнутри картины.
Художник известен не только своими работами, но и как педагог: он проводит мастер-классы по всему миру и показывает, что акварель — это не хрупкая техника «для открыток», а мощный инструмент, который способен захватить масштабные темы и яркие эмоции.
Осень у Пальмаертса всегда разная: то задумчивая и тихая, то пылающая и праздничная. Но в каждой работе чувствуется восторг перед красотой природы и умение поймать её в несколько прозрачных мазков.
Художник Роланд Палмаэртс (Roland Palmaerts) родился в Брюсселе, в 1953 году, в семье потомственных художников. А потому не удивительно, что уже в возрасте шести лет Roland Palmaerts участвует в первом своём конкурсе и занимает первое место.
После окончания средней школы Роланд Палмаэртс поступил в брюссельскую Королевскую Академию Искусств, потом служил в армии, в бельгийских силах специального назначения.
После службы в армии, в возрасте 27 лет, Roland Palmaerts эмигрировал в Канаду, работал дизайнером и иллюстратором, занимался рекламой, а в свободное время писал картины, чтобы в 1984 году провести свою первую персональную выставку.
На сегодняшний день Roland Palmaerts провёл более ста выставок, участвует в популярных телешоу, пишет книги о живописи. И пишет. Пишет маслом и акрилом, в смешанной технике. Однако, акварель доминирует и побеждает. Как первая и самая большая любовь.
Живопись Юйтао Лю — это мир, где краски не спорят с формой, а линия дышит через границу силуэта. Он работает в жанре «цветы и птицы», но воспринимает этот жанр не как декоративный мотив, а как способ вслушаться в форму — в изгиб стебля, в разветвление листвы, в движение крыльев у самой тишины.
В его работах густой минеральный цвет сочетается с прозрачной, промытой тушью — как будто один слой хочет быть плотным, а другой настаивает на разреженности. Фон часто уходит в мягкую текстуру, где камень становится дымом, а вода — запоздалым светом. На этом фоне цветы — алые, охристые, жёлтые — будто всплывают, чуть позже, чем ты их заметил.
Он не подчеркивает центр композиции, не выделяет главный объект: всё держится не на иерархии, а на равновесии. Птица, камень, ветка, лист — одинаково важны, потому что всё это части одного дыхания. Композиция построена так, что глаз медленно скользит от линии к линии, от пятна к пятну, не спеша и не возвращаясь. Здесь нет ритма — только присутствие.
Жанр «цветы и птицы» в его исполнении — это не про натуру, и не про символ. Это живопись о внимательности. О том, как долго можно смотреть на один лист, пока не услышишь, как он дышит.
Показ рекламы - единственный способ получения дохода проектом EmoSurf.
Наш сайт не перегружен рекламными блоками (у нас их отрисовывается всего 2 в мобильной версии и 3 в настольной).
Мы очень Вас просим внести наш сайт в белый список вашего блокировщика рекламы, это позволит проекту существовать дальше и дарить вам интересный, познавательный и развлекательный контент!
Смех
Вдохновение
Радость
Интерес
Удивление
Красота
Умиление
Трогательно
Гнев
Отвращение