Ларри Престон (Larry Preston, родился в 1951 году) — современный американский художник, мастер реалистичного натюрморта, чьи работы привлекают внимание своей глубокой светоносной атмосферой, медитативным спокойствием и пристальным вниманием к красоте простых повседневных вещей.

Ларри Престон родился в Вустере, штат Массачусетс. Будучи подростком, он проводил много времени в Художественном музее Вустера, где детально изучал классическую коллекцию фламандских натюрмортов. Пытаясь копировать старых мастеров, юноша интуитивно закладывал основы собственной техники, хотя по своему образованию он является полностью самоучкой.

Однако в молодости судьба Престона сделала резкий поворот в сторону музыки. Он посвятил около 25 лет успешной карьере профессионального музыканта. Лишь оставив музыкальную индустрию, Престон вернулся к своей юношеской страсти — живописи. Прежде чем прийти к фирменному стилю, он экспериментировал с самыми разными направлениями, включая абстракцию и сюрреализм, но в итоге сосредоточился на классическом натюрморте и тихих сельских пейзажах Новой Англии.

Престон пишет маслом по деревянным панелям или грунтованному льну. Его творческий процесс начинается с точного наброска углем и терпентином, поверх которого послойно наносятся полупрозрачные масляные лаки (лессировка). Благодаря этой многослойной технике картины приобретают потрясающую глубину, мягкое внутреннее свечение и фактурность.

Китайская живопись – это не обязательно безмятежные акварели с изображением панд, лотосов, цветущих деревьев и заснеженных гор. Известный китайский художник по имени Чен Чонг Пинг (Chen Chong Ping) рисует девушек. Героини его картин одеты в национальную одежду и написаны в уникальной манере.

Работы этого художника не похожи на традиционные акварели. Они отличаются морем солнечного света, сочными яркими красками, дышат и переливаются радужными бликами. Каждая девушка по своему прекрасна со своим неповторимым обаянием и шармом.

Чен Чонг Пинг изображает на своих картинах представительниц высшего общества и простых девушек, трудящихся женщин и отдыхающих барышень, матерей и сестёр, утончённых дам и воинственных амазонок. Его работы восхищают богатством оттенков. Каждая картина своеобразна и не похожа на другую.

Потрясающие реалистичные картины выполненные маслом — от художника Stephen Stavast. Трудно поверить, что гладкая, идеально проработанная текстура влажной гальки, тончайшая сеть трещин, минеральные прожилки и мягкие блики света на полированной грани — результат кропотливой работы кистью и обычных масляных красок.

Секрет уникального стиля американского художника Стивена Ставаста (Stephen Stavast) кроется в его глубоком, почти медитативном погружении в жанр гиперреализма. Родившийся в Калифорнии, Стивен с юности был очарован первозданной красотой природы Тихоокеанского побережья. В отличие от большинства пейзажистов, стремящихся охватить взглядом бескрайние горизонты, горы или океанские волны, Ставаст решил направить всё свое внимание на микромир — на то, что лежит на самом дне или покоится в прибрежной пене.

Каждая картина художника — это сложнейший технологический и художественный процесс, требующий сотен часов предельной концентрации. Ставаст работает исключительно маслом, используя классическую технику многослойного лессировочного письма. Он накладывает тончайшие, полупрозрачные слои краски один за другим, благодаря чему достигается поразительный эффект глубины, объема и внутреннего свечения. Художник с математической точностью передает, как вода шлифовала грани гранита, как солнечные лучи преломляются в кварцевых жилах и как влажная поверхность отражает окружающее небо и деревья.

Композиции Стивена Ставаста выстроены с невероятным чувством гармонии и баланса. Художник намеренно убирает из кадра всё лишнее, оставляя зрителя один на один с тишиной и монументальным спокойствием природы. Своим творчеством Стивен Ставаст доказывает простую, но забытую истину: истинная поэзия и абсолютное совершенство кроются в самых простых вещах, стоит лишь замедлить шаг и присмотреться к ним поближе.

Стив Хэнкс по праву признан искусствоведами одним из самых лучших художников-акварелистов современности. Детали, цвета, эмоциональность его работ просто поражают. Стив называет свой стиль «эмоциональным реализмом». Он часто не показывает лица моделей, чтобы оставить зрителю простор для воображения.

Безусловно, женщины в искусстве Стива Хэнкса — главные. И мы уверены, что он сделал правильный выбор.

«Эмоции — это то, что я изображаю. Реализм — это то, как я это делаю».

«Я стараюсь быть очень ответственным и добавить своим творчеством положительные образы в наш мир».

«Я надеюсь, что моя работа приносит людям ощущение большего комфорта, удовольствия и понимания жизни».

«Солнечный свет является одной из моих любимых составляющих в работах. Я очарован тем, как он влияет на восприятие вещей, как „наводняет“ всю комнату, внося свой цвет, преображая ее. Часто мои картины действительно больше о солнечном свете, чем о чем-либо другом».

В эпоху, когда мировое искусство стремительно оцифровывается, а галереи заполняются абстракциями и концептуальными инсталляциями, появление живописи, требующей месяцев кропотливого ручного труда, воспринимается как настоящий вызов. На арт-сцене миланский живописец Джанлука Корона занял уникальную нишу, заставив искушенную публику заново влюбиться в классические, казалось бы, давно изученные формы. Его полотна вызывают странное ощущение временного сдвига: зритель замирает перед абсолютно современной работой, но подсознательно чувствует дыхание великих мастеров семнадцатого века.

Родившийся в Милане в 1969 году, Корона получил классическое академическое образование в Академии изящных искусств Брера. Решающим этапом в формировании его почерка стало обучение в мастерской знаменитого итальянского гиперреалиста Марио Донидзетти. Именно там молодой художник в совершенстве освоил старинные, почти утраченные техники работы с пигментами, масляными красками и яичной темперой. Однако Джанлука не стал слепо копировать фотографическую точность гиперреализма. Вместо фиксации глянцевой реальности он выбрал путь поэтического переосмысления предметного мира, сделав своим главным жанром натюрморт.

Главными героями его произведений становятся самые простые, приземленные вещи: спелые флорентийские каштаны, треснувшие плоды инжира, связки чеснока, тяжелые тыквы, ремесленный хлеб или артишоки. Художник сознательно монументализирует эти природные объекты, выхватывая их направленным лучом света из глубокой, глухой темноты заднего плана. Эта светотеневая игра, известная в истории искусств как кьяроскуро (chiaroscuro), напрямую отсылает к шедеврам Караваджо и голландских мастеров барокко.

Свет на полотнах Короны плотный, почти осязаемый — он мягко скользит по шероховатой кожице фруктов, подчеркивает каждую прожилку на увядающем листе и заставляет фактуру предметов буквально дышать.Уникальность стиля мастера кроется в балансе между безупречной технической точностью и глубокой чувственностью.

Рассматривая его работы, зритель видит не просто ботаническую иллюстрацию, а портрет предмета. Корона умудряется передать бархатистый налет на винограде, матовую плотность глиняной посуды и хрупкость сухой шелухи так, что у человека включаются не только зрительные, но и осязательные рецепторы. При этом в картинах нет стерильности глянца: на плодах могут быть вмятины, трещины или следы увядания, что напоминает о классической барочной концепции $vanitas$ — мимолетности времени и хрупкости земной красоты.

Сегодня Джанлука Корона признан одним из самых ярких представителей современного итальянского фигуративного искусства. Его работы регулярно выставляются в крупнейших европейских галереях и оседают в престижных частных коллекциях по всему миру. Ему удалось доказать, что классический натюрморт в двадцать первом веке может оставаться актуальным, живым и невероятно притягательным, если за его создание берется мастер, сумевший соединить дисциплину старых мастеров с современным видением гармонии.

Работы канадской художницы Кэрол Эванс (Carol Evans), которые она рисует акварелью, всегда поражают зрителей своей невероятной реалистичностью. В своих картинах Кэрол уделяет внимание всем деталям, благодаря чему ее пейзажи выглядят так, словно это фотографии.

Томона Мацукава выбирает в главные объекты для своих картин такие непримечательные элементы из повседневной жизни, как туфли на поцарапанной шпильке, испорченный макияж или пятна от пролитого кофе. Её реалистичные работы основаны на деталях, почерпнутых из интервью с женщинами своего поколения.

Томона Мацукава родилась в 1987 году в префектуре Айти. В 2011 окончила Университет искусств Тама в Токио по специализации масляная живопись. В своих фотореалистичных картинах часто изображает интимные вещи женщин, особенно близких ей по возрасту. Смятая постель, скинутая одежда, шрамы на теле – такие далёкие от идеальности объекты могут занимать ключевое место в творчестве японской художницы.

Испорченный вид, небрежность и неидеальность изображённых объектов – символический протест женщин против традиционно навязанных им качеств. Ещё одна тема в произведениях Томоны – тонкости человеческих отношений с женской точки зрения.