Ольга Николаевна Одальчук родилась 25 апреля 1961 года в г. Новокузнецк, Россия. В 1982г. закончила Новосибирское художественное училище, отделение живописи.

В своём творчестве она отдаёт преимущество реалистическому стилю живописи.

Творческий путь Грэма Геркена охватывает более четверти века: его вдохновенные масляные пейзажи, созвучные шедеврам классического импрессионизма, неизменно собирают аншлаги на выставках и удостаиваются высших художественных наград.

Австралийский художник Грэм Геркен (Graham Gercken) родился в 1960 году в Квинсленде, но большую часть жизнь провёл к западу от Сиднея, в районе Голубых гор, причисленных к объектам всемирного наследия ЮНЕСКО. Природная красота этого региона вдохновила Грэма стать художником-пейзажистом.

Свои первые картины он продавал туристам, приезжавшим на автобусах к скальному образованию «Три Сестры». Успех воодушевил Грэма и он полностью посвятил себя живописи. Профессионального художественного образования художник не получил, но в 2003 году отправился в Китай, где провёл четыре года, обучаясь технике рисования чернилами у азиатских мастеров.

В своих картинах Геркен яркими красками передаёт величие, красоту и покой природы зелёного континента.

Мы собрали очень интересную галерею работ, которые покажут нам не столько танец в картинах художников, сколько внутреннюю атмосферу праздника, центральным действием которого стал танец.

Его озадачивающие образы визуально оглушают, пленят, заставляют задуматься и распутать символику, затмевающую собой ясность изображения.

Рафал Ольбиньский (Rafał Olbiński) – польский художник-график, дизайнер сцены и сюрреалистический живописец. Он родился в Кельце в семье профессионального актёра театра, поэтому с малых лет заинтересовался афишами и постерами. Художественные способности проявились рано. Ещё в детстве Рафал создал колоду игральных карт.

Окончив архитектурный факультет Варшавского политехнического университета, он эмигрировал в США, где вскоре зарекомендовал себя как выдающийся художник, иллюстратор и дизайнер. Ольбиньский получил профессорское звание в Школе изобразительных искусств в Нью-Йорке и более 150 наград, среди которых главный приз за самый запоминающийся плакат на Prix Savignac (1994) в Париже.

Рафал Ольбиньский известен серией сюрреалистических плакатов к оперным представлениям и картинами, которые он создал для иллюстрации статей и очерков о моральных ценностях. Его работы публикуются в международных журналах, хранятся во многих частных и государственных коллекциях.

Художник в своих картинах старается показать, что наше воображение – это волшебный мир, требующий постоянного обновления. Он вовлекает зрителя в изумительную вселенную. Безграничное воображение и безупречная техника делают его одним из известнейших современных сюрреалистов.

Carla Bosch родилась 14 января 1976 года в Претории, Южная Африка. Отец Карлы, наверное, чувствовал, что у его дочери есть художественные способности, так как организовал для нее занятия по изобразительному искусству, когда ей было еще пять лет. Сейчас Карла говорит, что именно отец в свое время привил ей чувство красоты: «Когда мы путешествовали, он находил время, чтобы показать нам, как красивый свет упал на гору или как солнце пробивалось сквозь облака. Он часто брал нас в галереи, чтобы мы могли полюбоваться красотой искусства. По сути своей он был художником, но как фармацевт на полную ставку мог творить только в свободное время или в отпуске. Он всегда поощрял меня жить своей мечтой, и теперь, когда он вышел на пенсию, он также может практиковать свою любовь к искусству.

Вера в то, что жизнь по своей сути красива, была привита мне задолго до того, как я взяла кисть в профессиональном качестве. Я искренне верю, что жизнь прекрасна. Я говорю, что она прекрасна не только в моменты безмятежного отсутствия трудностей, но что мы можем найти невероятную красоту даже в разгар нашей величайшей борьбы.

Отец знакомил меня и мою сестру с миром изобразительного искусства с самого раннего возраста. К тому времени, как я окончила колледж, у меня был довольно большой опыт живописи и я была знакома с несколькими известными профессиональными художниками, которым удалось построить значительную художественную карьеру. Я посетила одну из персональных выставок этих художников и сразу поняла, что это то, что я хочу заниматься. Однако я поняла, что мне придется стать финансово успешной, чтобы построить устойчивую карьеру, а этого чрезвычайно трудно достичь в профессии художника. Я хорошо знала об этих трудностях, но в сердце уже все было решено. Помню, как я делилась этой мечтой с несколькими друзьями и просила их молиться со мной о моих начинаниях. Остальное, как говорится, это — история.”

Карла Бош изучала дизайн интерьера в Технологическом университете Претории, но в итоге выбрала живопись в качестве своей карьеры.

«Сначала мне пришлось рисовать то, что было востребовано, чтобы зарабатывать на жизнь. Быть художником всегда звучит романтично для сторонних людей, но это может быть физически и эмоционально тяжело, занимает много внимания и сил. Со стороны это незаметно.

Со временем у меня развилась любовь к мастихиновой технике, и потребовалось много часов практики, чтобы усовершенствовать мастерство. В итоге тяжелая работа окупилась, так как картины оказались очень популярны среди коллекционеров.”

Поступил запрос от хорошо известных художественных галерей, большинство из которых являются ее преданными сторонниками и по сей день, проводят ее персональные выставки.

В 2015, после 37 лет жизни в Южной Африке, Карла Бош переехала с мужем и детьми в США. «По всей территории США проводятся соревнования по пленэрной живописи, и, как правило, в течение одной недели вы должны выбрать сцену из ближайших окрестностей и нарисовать ее на виду. Пленэрная живопись может быть очень сложной. Мне пришлось иметь дело с чем угодно, от морозов, дождя, ветра, чрезвычайно жаркой погоды, изменения условий освещения, до иногда сумасшедших людей. Но мне нравится это внешнее давление, оно позволило мне открыть глаза на новый мир». На пленэрах Карла была в своей стихии, что давало идеальную возможность исследовать свою новую родную страну. Именно развитую культуру пленэрной живописи она отмечает в США, что выступало большим контрастом относительно довольно опасных пленэрных зарисовок, особенно в одиночестве, в ее родной стране.

«В Южной Африке мне приходилось гораздо больше работать в студии. Но в этом было и преимущество — это заставляло меня работать по памяти и черпать из своих эмоций при создании картин. Этот процесс позволил мне быть немного смелее с моим подходом, и я научилась создавать пейзажные картины без прямых ссылок”.

О вдохновении и своем стиле

«Как я уже много раз упоминала, я искренне верю, что жизнь прекрасна и поэтому легко находить вдохновение в повседневной жизни, и особенно в природе. Как бы я ни любила Гранд-Каньоны, Столовые горы и швейцарские Альпы, мне нравится находить вдохновение в поле, которое я, возможно, уже проходила миллион раз раньше, но в иной день солнце даёт новое освещение, облака могут иметь фиолетовый цвет, или, может быть, есть полевые цветы, которые вчера были бутонами, а завтра увянут. Это неожиданные сцены. Я делаю так много фотографий этой красоты вокруг себя, что мой телефон не может вместить все это. Подумайте на мгновение о том, как вы воспринимаете природу вокруг. Когда вы видите красивый пейзаж, воспринимаете ли вы его только глазами?

Я так не думаю. Восприятие происходит не чисто визуально. Вокруг не просто камни, деревья и цветы. Как насчет запаха, прикосновения, звуков, истории и личного опыта, работающих вместе, создающих эмоции, которые производят на вас впечатление? В конечном счете, вы видите пейзаж не только глазами. Я стараюсь донести этот контекст через свой смелый импрессионистический стиль. Моя цель — привести вас в этот опыт, я хочу, чтобы вы почувствовали эмоции прекрасного пейзажа, ощутили праздник красоты жизни”.

«Люди спрашивают, как я создаю такие яркие работы. Дело в смелом применении чистых цветов. Для этого нужно точно знать, где вы хотите нанести краску, а не перегружать картину после того, как вы нанесли краску на холст. Кроме того, я считаю, что в конечном итоге на холсте проявляется сердце. Я благословлена очень позитивным мировоззрением, и я искренне верю, что жизнь прекрасна. Этот взгляд на жизнь помогает мне создать так, как я это делаю”.

Андрей Беличенко — один из тех современных художников, которые умело соединяют традицию и актуальность. Его творчество напоминает: живопись не только о технике, но и о чувстве, не только о форме, но и о содержании. Если ищете художника, чьи работы трогают душу — Беличенко точно заслуживает внимания.

Андрей Беличенко родился в 1974 году в Караганде (ныне Казахстан). В 1990 году он окончил республиканскую художественную школу, затем поступил на графический факультет Академии художеств. Благодаря выдающимся способностям завершил обучение за пять лет вместо обычных шести.

С момента окончания академии Беличенко активно участвует в выставках — региональных, национальных и международных; его работы находятся в частных коллекциях и музеях разных стран, включая Россию, Украину, Германию, Францию, Испанию, Канаду, Бразилию, Великобританию и США. В последнее время на мировом рынке искусств стал одним из самых востребованных российских художников. Его работы постоянно продаются на аукционах искусств.

Беличенко работает в стиле портретно-фигуративной живописи, уделяя большое внимание деталям, реалистичности и индивидуальному выражению своих персонажей.

В его работах заметна совокупность академической подготовки и тонкой личной интерпретации образов: свет, фактура, цветовая гамма создают ощущение внутреннего мира представленных фигур. Работы художник иногда создает в союзе с художницей и супругой Марией Бухтияровой, что придаёт им характер сотрудничества и перекрёстного вдохновения.

Литовский художник Petras Lukosius сочетает в себе влечение к сакральным моментам природы с любовью к созерцанию лучей света.

Петрас Лукосиус — современный литовский художник, чьи картины легко узнать по мягкому свечению, будто исходящему изнутри холста. Он родился в 1956 году и с раннего детства проявлял интерес к живописи: учился в художественной школе Клайпеды, затем в Тельшяйском техникуме прикладного искусства, а позже окончил факультет Вильнюсской академии искусств. С 1992 года Лукосиус является членом Союза художников Литвы и активно участвует в выставках как в своей стране, так и за её пределами.

Главная тема его творчества — пейзаж, но это не просто изображения природы. В его работах свет играет самостоятельную роль — он словно движется по полотну, рассеивается в листве, отражается от поверхности воды или медленно растворяется в тумане. Лукосиус выбирает тёплые, почти золотые тона рассвета и заката, создавая ощущение покоя и уюта, но в то же время — лёгкой ностальгии. Его мир — это пространство тишины, где человек чувствует себя частью природы, а не наблюдателем.

Техника художника тоже заслуживает внимания: чаще всего он пишет маслом на холсте, добиваясь плотной, бархатистой фактуры, а иногда использует масляные стики, что придаёт поверхности живости и рельефа. Картины Лукосиуса производят впечатление не столько изображения, сколько состояния — момента, когда свет и воздух становятся почти осязаемыми.

Работы художника находятся в частных коллекциях по всему миру. Его пейзажи часто называют «медитацией в цвете» — они не требуют пояснений, просто заставляют остановиться, вдохнуть и вспомнить, что красота может быть тихой. Петрас Лукосиус — из тех живописцев, кто напоминает: мир не всегда нужно понимать, иногда достаточно просто смотреть.