Живописью я начал заниматься с тех пор, как научился стоять в детской кроватке. Мама рассказывала мне, что она прикалывала кнопками лист бумаги на стену, чтобы я ее не пачкал. Такими вот незамысловатыми были первые мои холсты. На них я в основном рисовал маленьких человечков в духе "точка, точка, запятая - вышла рожица кривая». Правда, на этом мои пробы кисти в области портрета закончились, и я обратился к другим жанрам живописи.

Всерьез взявшись за кисти 35 лет тому назад , я никогда не бросал моего любимого занятия, ставшим для меня делом жизни, и продолжаю писать по сей день. Многие мои картины находятся в частных российских и зарубежных коллекциях.

В работе я отдаю предпочтение масляным краскам, но и акварель люблю. Пишу в различных стилях, жанрах и направлениях. Мне близки темы русской природы, размеренный уклад тихих улочек старинных городов, мощь морских просторов и спокойные натюрморты из нашей повседневной жизни. Каждую картину я стараюсь наполнить настроением, жизнью. . .

Мне нравится вписывать свои работы в интерьеры, тем самым наполняя красками пространство. Будь то жилой дом, или офис – я с удовольствием напишу картину для украшения помещения и создания в нем настроения.

Сергей Владимирович Дорофеев родился 08 мая 1969г. в Запорожье.
Образование: Академическая школа дизайна г. Москвы. Член Творческого Союза Художников России Член Российской Ассоциации художников-маринистов Живописью занимается с 1983 г. Окончил запорожскую художественную школу. Работал в мастерской художника Пискунова В.А. С 1990г. принимает участие в различных выставках и работает профессионально. Выставляется в художественных салонах и галереях Москвы и за рубежом. В 2005 г. окончил московскую Академическую школу дизайна по профессии дизайнер интерьера. Однако живопись считает главной в своём творчестве. Работы художника Сергея Дорофеева находятся в различных частных зарубежных и российских коллекциях. Работает в различных жанрах (пейзаж, флористика, море, натюрморт) и в различной технике (в основном масло, акварель).

Молодая художница Айрис Скотт (Iris Scott) создает настоящие шедевры живописи, работая в весьма необычной и очень интересной технике. Свои удивительные работы, привлекающие составом и стилем коллекционеров со всего мира, Айрис создает в Тайване. Именно там Айрис и открыла для себя эту потрясающую технику живописи пальцами, сделавшую её такой популярной.

Долгое время, Айрис Скотт (Iris Scott) в своих работах использовала традиционную кисть. Как говорит сама художница, идея создавать картины пальцами, возникла у нее случайно.

В 2009 году со степенью бакалавра изобразительных искусств в Вашингтонском университете, Айрис взяла годичный отпуск и переехала на Тайвань, где начала создавать свои картины.

Она поселились в маленькой квартире с видом на море. В квартире не было кондиционеров в кухне и ванной, где Айрис промывала кисти, кондиционер работал только в комнате, где девушка рисовала.

Вокруг стояла такая жара, что даже испачканные кисти не смогли заставить Айрис расстаться с прохладой от кондиционера, и она начала рисовать пальцами.

Надевая хирургические перчатки, Айрис Скотт (Iris Scott) использует пальцы как кисти, при этом все еще рисуя маслом.

«Новая картина всегда начинается утром с чашкой крепкого кофе в руке. Как и мой стоматолог, я надеваю фиолетовые перчатки из латекса и начинаю работать. Мои пальцы быстро танцуют на холсте — некоторые говорят, что это напоминает им пианиста в действии. Цвета сталкиваются и сливаются в моем сочинении, текстура становится густой и сочной».

Художники — особенные люди. Они продолжают творить и вносить свою неповторимую палитру, состоящую из чувств и эмоций, в мир искусства до самых последних дней. Вот он характер! Это настоящее свидетельство огромной творческой силы, которая остаётся жить вечно.

Удивительно, как на пороге финала многие творческие люди начинают ощущать окружающий мир иначе, острее и ярче что-ли. Это полностью отразилось на их картинах, которые закономерно и к большому сожалению, стали последними.

«Ласточкин хвост» стало завершающим полотном в серии картин, посвящённых теории катастроф французского математика Рене Тома. Эта теория подразумевала, что даже самые незначительные изменения в определенных обстоятельствах способны привести к глобальным переменам.

Винсент Ван Гог — «Корни деревьев» (1890)

Свои последние работы художник рисовал, когда уже почти полностью утратил зрение.

Пабло Пикассо — «Лежащая обнажённая и голова» (1973)

Работа художника осталась незавершённой.

Эдвард Мунк — «Автопортрет. Между часами и кроватью» (1940-1943),/h2>

Последняя картина художницы — натюрморт с арбузами. Этот продукт является популярным символом дня мертвых, который ежегодно отмечается в Мексике (на родине Фриды).

Фрэнсис Бэкон — «Эскиз быка» (1991)

Вячеслав Курсеев (Vyacheslav Kurseev) создает свои работы маслом и акварелью в реалистичной манере, в жанре пейзаж и городской пейзаж. В последние годы посвящает свой труд г. Саратов, в котором в настоящее время и проживает. Вячеслав Курсеев не просто пишет картины, он восхищает и позволяет ярче представить себе и историю и романтическую красоту саратовских кривых, но уютных улиц.

Вячеслав Курсеев говорит, что очень сожалеет о том, что старина уходит и уже нет возможности окунуться в атмосферу старого Саратова. С этим и связано, что в последние годы он работает над воссозданием на своих картинах старого Саратова. А чтобы они были правдоподобны Vyacheslav Kurseev изучал старинные фотографии, открытки и архивные документы.

Вячеслав Курсеев (Vyacheslav Kurseev) родился в г. Саратов в семье инженеров-строителей в 1965 г. В детстве посещал художественную школу, а в 1982 г. поступил в Саратовское художественное училище им. Боголюбова, которое успешно окончил по специальности – художник-оформитель в 1988 г.

Согласно статистике, около 10% населения мира, или примерно 650 миллионов человек, живут с инвалидностью. Глядя на произведения искусства в нашей подборке, и не скажешь, что они были созданы людьми с ограниченными возможностями. Эти люди действительно вдохновляют. Они живут в таких условиях, которые порой и представить сложно. Но инвалидность не стала для них помехой в творчестве.

Несмотря на то, что Мариуш родился без рук, он с самого детства занимается любимым делом – рисует картины. Большинство его работ – это портреты, написанные в гиперреалистичной манере. Глядя на них кажется, что реальность размывается, и рисунок становится ее частью. Это ощущение еще усиливается, если наблюдать за работой Мариуша, ведь он каждый день практически совершает невозможное.

Мариуш не является талантливым самоучкой. Он закончил Академию изобразительных искусств и дизайна во Вроцлаве. Его работы постоянно выставляются и занимают призовые места в престижных конкурсах. Свое творчество он совмещает с путешествиями. Художник объездил уже всю Европу:

«Я работал на улицах Берлина, Амстердама, Лондона, Парижа, Барселоны, Марселя, Венеции, Рима и Афин. Этот проект я назвал «Мариуш рисует». Таким образом я хочу вдохновлять других людей, показывать им, что пределы существуют только в нашем разуме.»

Хуан стал инвалидом в 4 года после несчастного случая. Он повредил обе руки током, и врачи вынуждены были провести ампутацию. Однако в 12 лет талантливый мальчик научился рисовать ногами и ртом, и с тех пор это занятие – главное дело его жизни. Он сам считает, что переломный момент в его творчестве наступил в 18 лет, когда из-за болезни отца Хуан вынужден был начать продавать свои картины. Это заставило молодого художника добиться еще большего совершенства в технике, и успех пришел. Сегодня его картины, написанные в традиционной манере китайской живописи, востребованы у коллекционеров во многих странах и продаются нарасхват. Кроме того, недавно Гофу назначили вице-куратором Музея талантов в провинции Чонджинг.

Эту десятилетнюю девочку ведущие издательства называют всемирно известным художником. Но кроме того, что она явный вундеркинд – рисовать начала с четырех лет, юная художница привлекает внимание общественности еще по одной причине. Девочка больна аутизмом. Ее абстрактные картины полны цвета и гармонии. Искусствоведы сравнивают юную художницу с Моне и пророчат ей большое будущее. Но для родителей Айрис важнее то, что именно благодаря рисованию девочка смогла выразить себя и наладить общение с близкими людьми. Ее мама так описывает момент знакомства Айрис с миром искусства:

«Как только лист бумаги был прикреплён на стол, девочка начала сплошное заполнение его причудливым сочетанием красок. Это было не случайным набором цветов, то, что я увидела перед собой, было прекрасно. Настроение Айрис Грейс тоже изменилось, Она была в восторге, невероятно счастлива и свободна. (…) Она посмотрела на меня и не оттолкнула. Это был для нас путь соединения.»

Питер Лонгстафф родился без рук, став жертвой талидомида, который принимала его мать во время беременности. Но он никогда не считал себя инвалидом. Он научился рисовать правой ногой.

В три года у Стивена Уилтшира диагностировали аутизм и синдром саванта. А теперь он известный всему миру британским архитектурным художником, отличающимся феноменальной способностью по памяти воспроизводить архитектурные пейзажи, увидев их лишь один раз.

В 2007 году в возрасте 85 лет ушел из жизни художник, доказавший, что настоящий талант всегда найдет возможность выразиться. Пол Смит родился с церебральным параличом. Всю жизнь он был вынужден пользоваться помощью других людей для того чтобы просто одеться или поесть. Однако он научился рисовать с помощью… печатной машинки. Вернее, всего лишь десяти символов и одного пальца правой руки. Создание каждой картины могло занимать у него дни, недели и даже месяцы.

При этом Пол никогда не учился читать или писать. Сложно даже представить себе эту технику исполнения, ведь картина сначала должна была появиться полностью в законченном виде в голове художника, а затем рисоваться построчно. Вот, кстати, те десять символов, с помощью которых созданы эти удивительные шедевры: — ! @ # % ^ _ ( & ). Всего Пол Смит напечатал несколько сотен картин. На них он изображал людей, животных, пейзажи, рисунки на религиозную тематику и сцены из Второй мировой войны.

Джейси Шейтан Тенет потерял правую руку более 20 лет назад и с тех пор мог рисовать только левой. Но его друг, инженер и дизайнер, сконструировал для него протез, с помощью которого художник может набивать татуировки.

Ракан Абдулазиз Курди из Саудовской Аравии доказывает, что инвалидность творчеству не помеха.

Викторин Флойд Флад — слепой фотограф, потеряла зрение в возрасте 26 лет.
Эта необычная фотохудожница родилась на Карибах, а затем эмигрировала в США. В 26-летнем возрасте девушка почти полностью потеряла зрение, но друзья помогли ей освоить специальную технику фотографии. Сегодня Викторин – один из немногих в мире фотографов с ограниченным зрением. Свои работы она делает в разных стилях, самый эффектный – это «рисование светом». Конечно, для оценки результата она вынуждена прибегать к помощи других людей, но концепция каждого снимка и его исполнение – это полностью ее авторская работа.

Дуг Джексон

Дуг Джексон родился с церебральным параличом и рисует с помощью кисти, прикрепленной к голове повязкой.

Осень – время дивных красок природы, когда пейзажи приобретают волшебное очарование. Хрустальный перезвон дождевых капель, хруст опавшей разноцветной листвы под ногами, прощальное курлыканье журавлиного клина, отправляющегося в тёплые края, калейдоскоп из чарующей палитры красивых осенних цветов и декоративных кустарников, рубиновый перелив спелых ягод рябины и калины – всё это радует слух и взоры в эту чудесную пору года. Поэтому не удивительно, что природа осенью издавна служила источников вдохновения для художников.

Красивые осенние пейзажи в живописи встречаются как у мировых классиков художественного искусства, так и на полотнах современных живописцев. Тематика осени в природе настолько популярна среди художников, что сложно охватить все красивые работы известных пейзажистов. В этой подборке красивых осенних пейзажей в живописи представлена лишь малая доля тех художников, в чьём творчестве золотая пора года играла важную роль, служа неизменным источником вдохновения при создании пейзажных полотен.

Осенние пейзажи в живописи «поэта русской осени»

Левитан, Шишкин и Куинджи – самые первые ассоциации, которые приходят на ум, если вспомнить, кто рисовал осенние пейзажи в русской живописи. На фоне этих легендарных имён мало кто вспомнит про русского пейзажиста Ефима Волкова. Но именно этого художника его современники именовали «поэтом русской осени и туманов».

За свою творческую жизнь Ефим Волков нарисовал около 1000 этюдов и более 500 пейзажей, среди которых немало внимания было уделено осени. Картины этого русского живописца не превозносят красоту всем известных ландшафтов. Ведущая роль в его работах отводится малоизвестным пейзажам Русского Севера и российской глубинки.

Волков умел замечать прекрасное в малоприметном и передавать очарование таких скромных уголков посредством кисти и красок. Каждый пейзаж у этого русского художника отличается своим настроением и особой, присущей лишь ему атмосферой.

«Болото осенью» (1871 г.) – самый известный осенний пейзаж в живописи Ефима Волкова. На его создание ушло почти 2 года.

Унылая атмосфера осени, переданная художником в этой работе, оказалась настолько проникновенной, что картина сначала поразила посетителей российской выставки, а затем получила бронзовую медаль на Всемирной выставке в Лондоне. На полотне «Болото осенью» Волков впервые применил эффект едва заметной туманной дымки, которая впоследствии станет своеобразной «изюминкой» его осенних пейзажей.

В 1883 г. Ефим Волков написал ещё один знаковый осенний пейзаж. Картина под названием «Октябрь» была создана художником на собственной даче под Петербургом. Как и «Болото осенью», она также пронизана особой любовью к природе и отражает неповторимое очарование осенних дней, в которых смешались грусть и радость.

Написанная Волковым в 1890 г. картина «Осень» несколько отличается от предыдущих осенних пейзажей художника. Несмотря на более яркие краски, использованные при изображении заболоченного водоёма в окружении деревьев с покрасневшей листвой, открывающаяся взору панорама кажется более угрюмой и мрачной.

В 1884 г. у Волкова погибает его малолетняя дочь, которую он очень любил. Горе от её утраты было настолько велико, что сам художник едва не умер. Всё это наложило определённый трагический отпечаток на его дальнейшее творчество.

Его работы приобретают более печальные мотивы, а на фоне природы всё чаще фигурируют изображения монашеских скитов. Именно к таким картинам Волкова относится и осенний пейзаж «Скит», где природа представлена величественно-угрюмой в тон людским печалям.

Осенние пейзажи в живописи Левитана

Список картин с изображением осенних пейзажей в живописи был бы не полон без упоминания творчества Исаака Левитана, написавшего немало полотен, будучи вдохновлённым красками осени. «Дубовая роща. Осень» – одна из наиболее известных его работ, связанных с золотой порой года.

Тёмные стволы дубов в особенности контрастно смотрятся на фоне зелёно-золотистой листвы густых крон, переплетающихся между собой. Всё пространство между деревьями укрыто природным ковром из пожелтевшей опавшей листвы, среди которой отголоском ушедшего лета виднеются небольшие зелёные участки травы.

Этот осенний пейзаж в исполнении Левитана наглядно демонстрирует красоту русского леса осенью. Каждая деталь здесь подчёркивает любовь великого художника к родному краю. Глядя на эту картину, можно даже представить, какой чудесной аромат осени царит в такой дубовой роще наяву.


Не менее известен и осенний пейзаж Левитана под названием «Золотая осень». Если предыдущей картине присущи более мягкие и спокойные краски, то здесь царит экспрессия цвета и ощутимо влияние импрессионизма.

Берёзовая роща с пожелтевшими верхушками деревьев и отдельные осины, уже почти сбросившие свою листву, одинокое деревце на берегу реки с прозрачно-чистыми водами, отражающими синеву неба и придающими картине особо умиротворённую атмосферу…

Именно такой предстаёт левитановская «Золотая осень». Вместо привычных для Левитана меланхоличных ноток на этой картине царит солнечная красота осеннего дня с лёгкой дымкой грусти об ушедшем лете.

Волжские пейзажи не покорили Левитана с первого взгляда. С большими надеждами он ехал впервые на Волгу, но был совершенно разочарован тем, что увидел. «Тоскливая и мёртвая» – так охарактеризовал живописец увиденную реку.

«Чахлые кустики» совершенно не впечатлили Левитана, но через год он всё же вновь решил съездить на Волгу, и совершенно неожиданно открыл для себя изумительные пейзажи маленького Плёса. Это место настолько пришлось художнику по душе, что он провёл здесь 3 летних сезона и, вдохновляясь местными красотами, написал около двухсот полотен.

Именно в Плёсе был написан Левитаном осенний пейзаж «Золотая осень. Слободка». Краски осени на этом полотне представлены на фоне маленькой русской деревеньки с деревянными избами в окружении пожелтевшего леса.

Почти половину картины занимает ясное синее небо, которое ещё не предвещает холодных затяжных дождей. Просёлочная дорога и избы разбавляют осенний пейзаж будничными мотивами повседневности.

Осенние пейзажи в живописи Юлия Клевера

Картины этого русского живописца конца 19-го-начала 20-го века высоко ценились при императорском дворе, а его имя непременно присутствовало в списке художников, чьи полотна украшали частные картинные галереи того времени. Тем не менее, сейчас Юлия Клевера мало кто вспомнит при перечислении известных русских пейзажистов, хотя картины его до сих пор высоко ценятся на аукционах.

Как признавался сам Юлий Клевер, он писал разные пейзажи, но всё же считал себя настоящим знатоком лишь разнообразия красок заката и изогнутых непогодой корявых деревьев. Прозрачный и чистый осенний воздух буквально пронизывает пейзажи этого времени года, изображённые на полотнах этого русского художника-пейзажиста.

Чрезмерно яркие краски придают картина Юлия Клевера какой-то сказочный и даже слегка мистический ореол. Смотришь на полотно «Берёзовая аллея» и понимаешь, что на нём изображён реальный осенний пейзаж, но в то же время ощущаешь в нём какую-то дымку нереальности. Кажется, будто эти осенние берёзки из сказочного леса, но традиционная русская изба на заднем плане возвращает к реальности всего происходящего на картине.

Глядя же на картину «Дом у реки», которую также можно отнести к осенним пейзажам в русской живописи, понимаешь, что всё это – реальность. Но тёмные краски придают ей мистический оттенок, что невольно кажется будто это место – обитель леших, водяных и русалок из русских сказок.

Аналогичные чувства испытываешь и при созерцании картины Юлия Клевера под названием «Закат на болотах». Зато его «Мостик в парке» впечатляет более оптимистичными красками. Но даже осознание того, что это всего лишь пейзаж городского парка осенью, не избавляет от ощущения дымка сказочности, царящей над этим местом.

На многих осенних пейзажах Юлия Клевера изогнутые ветви деревьев также придают реалистичным картинам долю мистического очарования. Вероятно, в этом и кроется особая популярность картин этого русского живописца, сумевшего передать красоту природы настолько утончённо, что сложно определить, где же проходит тонкая, почти незаметная и неощутимая грань между реальностью и лёгкой сказочной дымкой.

«Осенние листья» в живописи Томаса Ллойда

Этот английский художник-самоучка прославился своими красивыми солнечными пейзажами. Картины Томаса Ллойда весьма просты и даже могут показаться очень наивными, но они буквально пронизаны нежностью, теплом, оптимизмом.

К искусству живописи Ллойд приобщился в довольно позднем возрасте, и, будучи скромным по натуре человеком, так бы и остался никому не известным художником-пейзажистом, если бы ни его жена. Она организовала выставку работ Томаса, после чего его картины приобрели особую популярность в Англии. Семейный уют и тепло, царящие на картинах Ллойда, покорили англичан-домоседов.

Наиболее узнаваемый осенний пейзаж в живописи Томаса Ллойда представлен на картине «Осенние листья». Изображённая на ней милая девушка на берегу озера с лебедями любуется живописными красками осени. Кружащая в воздухе пожелтевшая листва придаёт этой картине какую-то невероятную воздушную лёгкость.

Глядя на этот осенний пейзаж в живописи Ллойда, буквально ощущаешь солнечное тепло, которым от неё веет. Современники Томаса Ллойда утверждали, что он был очень добрым человеком, и его картины просто наглядно отображают теплоту души этого английского художника 19-го века.

Осенний сад и натюрморт в живописи Елены Бархатковой

Эта белорусская художница удивительным образом сочетает в своих работах два жанра – натюрморт и деревенский пейзаж. Картины Елены Бархатковой отображают красоту природы Беларуси во всём её многообразие красок в разные поры года. Не обошло стороной художницу и осеннее вдохновение.

В творчестве Елены Бархатковой есть целая серия картин, посвящённых красивым осенним пейзажам. Яркие краски осени правят балом в этих работах, передающих красоту золотой поры года с щедрым урожаем фруктов в садах.

Пожелтевшая листва окружает плодовые деревья, а по соседству лежит корзинка с собранными спелыми яблоками или айвой и рядом с ней милый осенний букетик. Вот – россыпь собранных в лесу грибов на столе, а рядом с ними – ваза с садовыми астрами и хризантемами, а над всем этим калина склонила свои тяжёлые грозди с рубиновым переливом спелых ягод.

На переднем фоне картин Елены Бархатковой с осенними пейзажами непременно скромно располагается деревянный столик с традиционным натюрмортом, представленным цветами в вазе и россыпью спелых фруктов возле неё. Каждая работа художницы буквально передаёт дыхание осени, но с нотками осенней радости и оптимизма.

Акварельные осенние пейзажи Вячеслава Чернакова

Природа в живописи Вячеслава Чернакова завораживает взоры своей невероятной лёгкостью и воздушностью. Кажется, что покрытые золотистой листвой деревья парят в воздухе – настолько завораживающая атмосфера невесомости царит на картинах этого художника.

Невольно возникает иллюзия, будто это не осенние пейзажи акварелью, а волшебные миражи, сотворённые самой кудесницей-осенью. Лёгкая дымка грусти пронизывает эти картины осени, но всё же яркие краски и атмосфера хрустальной красоты осенней поры преобладают, не позволяя окунуться в безнадёжную меланхолию.

Американские осенние пейзажи в живописи Марка Китли

При упоминании про осенние пейзажи в живописи первым делом на ум приходят имена великих русских живописцев, вдохновлённых буйством красок берёзовых рощ и лесов российской глубинки, но никак не картины Дикого Запада. Но природа осенью красива не только в России, и вдохновляет она не только европейских художников.

Наиболее колоритные осенние пейзажи Северной Америки можно увидеть на картинах Марка Китли (Mark Keathley). Это современный американский художник – мастер акриловой и масляной живописи, рисующий восхитительные пейзажи.

На его картинах удивительным образом сочетается естественность красок природы и сказочные нотки. В своих работах Марк Китли демонстрирует, насколько прекрасен мир и насколько удивительна окружающая природа. Его пейзажные полотна заставляют позабыть про обыденность и отправиться в мысленное путешествие по североамериканским просторам.

Осенние пейзажи в живописи Марка Китли пронизаны солнечным теплом. От их ярких красок веет душевностью и оптимизмом. Вот охотничий пёс вспугнул стаю уток на озере в лесу, представленным художником в великолепном убранстве самых ярких красок осени.

Как будто продолжением этой сказочной прогулки служит иной осенний пейзаж в живописи Марка Китли, на котором изображён величественный благородный олень в глубине тайги, где краски осени можно заприметить лишь по пожелтевшей траве и низкорослым кустарничкам.

Иная картина этого же художника из цикла осеннего вдохновения изображает медведицу с медвежатами на фоне поросших лесами гор. Здесь также можно увидеть буйство багряно-золотистых красок листвы в окружении величественных вечнозелёных сосен и елей. Немало осенних пейзажей Марка Китли демонстрирует красоту тайги в золотую пору года и живность, скрывающуюся в этом волшебном царстве дикой природы.

Осенние пейзажи в живописи Andre Kosslick

Андре Косслик – современный мастер пейзажной живописи. Всё очарование природы можно отыскать на картинах этого немецкого художника. Величественные горы и шумные реки, леса и озёра в творчестве Андре Косслика кажутся сказочными декорациями, сохранившими своё природное очарование, но в то же время затаившие какое-то магическое таинство.

Сам художник не считает себя профессионалом, и называет живопись своим любимым хобби. Он не стремится к соблюдению академических канонов, представляя природу волшебным царством, в котором есть нечто сказочное, мистическое, и оттого ещё больше завораживающее. Всё это в особенности ощутимо при взгляде на осенние пейзажи в живописи Косслика.

На картинах этого художника царит неповторимая умиротворённая атмосфера. Краски осени здесь невероятно безмятежны, что кажется, будто представленные пейзажи замерли в едином прекрасном мгновении.

Самый наглядный символ роста, сезонного умирания и возрождения, дерево всегда было больше, чем часть пейзажа. Оно издревле стало неотъемлемым элементом фольклора, и даже в наши дни у некоторых народностей дерево является тотемом, мифическим предком племени. «Священные деревья» обладали магическими свойствами, заложенными в самой их природе. Может, часть этой магии присуща и полотнам с изображением деревьев? Разные деревья символизируют различные качества, подчеркивая общий смысл картины.

Уже по самой своей структуре дерево являло собой первичные представления об устройстве мироздания: корни — подземный мир, ствол — земной, крона — небо. Сколько героев фольклора попадало на небо, подымаясь туда по ветвям! Именно поэтому самый распространенный символ — Древо жизни, — органично вошел в изобразительную культуру и представляет собой основу традиционных орнаментов большинства народов. С помощью Древа Жизни человечество поднимается к духовному просветлению, спасению.

Постоянство ботанической памяти

Изобразительный язык христианства вобрал и трансформировал языческую символику. Поскольку основная масса верующих была в лучшем случае малограмотной, то, для того, чтобы донести смысл Святого писания, нужны были четкие толкования каждой детали, изображенной на иконе. В результате сложился своеобразный ботанический атлас. Например, акация символизирует чистоту Непорочной; миндаль — божественное приближение; кедр — Христа; каштан — целомудрие; вязь — благородство и преданность; ель — терпение; лимон — верность в любви; оливковое дерево — мир; цветок апельсина — чистоту, целомудрие и щедрость; тростник — смирение и символ страстей Христовых; верба — Святое писание.

Пальмовая ветвь часто сопровождает изображения аллегорий Победы и Славы чествующих победителей, и, конечно, означает победу. В христианстве же, пальма считается символом спасения и райской жизни, и, как правило, присутствует в сцене Входа в Иерусалим. Так, на картине «Крещение Христа», написанной юным Леонардо да Винчи совместно со своим учителем Андреа дель Веррокио, на заднем плане изображена пальма, как символ спасения.

Олива изображалась, как символ надежды на мир, счастливую семейную жизнь и размеренный труд — особенно художниками, творящими в эпоху постоянных войн и эпидемий. К тому же, согласно библейскому преданию именно ветку оливу принес голубь после потопа как знак возрождения. В работе представителя сиенской школы Нероччо ди Ланди «Благовещение» (ок. 1475 г.),

Архангел Гавриил просто благословляет Деву Марию, — в руках у него ничего нет. Зато на полу — ваза с цветком лилии, а вдали — оливковые деревья: символ мира, символ Спасителя. В произведениях многих мастеров сиенской школы можно видеть редкое изображение Архангела Гавриила с оливковой ветвью в руке.

В иконографической живописи иногда изображали въезд Иисуса Христа в Иерусалим с оливковой, а не с пальмовой ветвью в руках. Также молитва в Гефсиманском саду и Вознесение Иисуса происходят на Масличной горе, поэтому масличные сады любили изображать многие художники и в дальнейшем, как, например, Винсент Ван Гог.

А вот Сальвадор Дали, как истинный сюрреалист, трактовал значение оливы по-своему: в картине «Постоянство памяти» сухое дерево — символ древней мудрости, которая, к сожалению, уже стала античностью.

Фиговое дерево или смоковница, по принятой традиции означает вожделение или плодовитость. История гласит, о том, что Ромула и Рема, легендарных основателей Рима, волчица вскармливала в тени именно этого дерева, и оно считается символом процветания Римского государства.

А в христианском иконографии это благородное дерево означает ересь: как известно, Христос наложил проклятие на смоковницу, на которой не нашел плодов, после чего она засохла. Уже в классическом искусстве листьями смоковницы в соответствии с легендой прикрывались Адам и Ева.

Значение символики листьев и ветвей лавра пережило тысячелетия и сохранилось неизменным и однозначным по сей день: честь и слава.

Мирт — священное дерево богини Венеры, — обрело популярность в эпоху Возрождения с расцветом светской живописи. Атрибут богини любви можно увидеть на картине Тициана Веччелио (1488−1576) «Любовь земная и Любовь небесная» (1515). Например, заказывая Пьетро Перуджино (1452−1523) картину, Изабелла дЭсте (1474−1539), супруга маркграфа Мантуи, покровительница искусств подробно описала в письме, что должно было изображено на картина «Битва Любви и Целомудрия» (Лувр, 1503−1505): «Позади Венеры пусть будет мирт, как дерево более всего ей любезное».

Можжевельник — символ добродетели и чистоты. Леонардо да Винчи в «Портрете Джиневры де Бенчи» (1478−1480 гг.) как истинный художник Возрождения с ювелирной изобретательностью использовал символическое значение растения. Лицо молодой женщины написано на фоне можжевелового куста. По-итальянски можжевельник звучит как ginerpo, что намекает на имя героини — Джиневра.

Сосна считается символом смерти: будучи однажды срублена, она никогда больше не пускает ростков. К тому же любое растущее рядом растение быстро погибает.

Дуб почитали все народы во все времена за его силу и прочность. От друидов, которые прославили дубы в священных дубравах, до древних греков и римлян. Христианство придало дубу особое значение — он стал символом Христа. Также дуб может символизировать стойкость веры во время испытаний.
Возможно, именно это имел в виду Рафаэль, изображая мощного зеленого красавца, на полотне «Святое се

Возможно, именно это имел в виду Рафаэль, изображая мощного зеленого красавца, на полотне «Святое семейством под дубом» (1518 г.).

Всемирно известный Мамврикийский дуб, хранящий память о библейском событии (явление Господа Аврааму) традиционно изображается практически на всех иконах или фресках с изображением Святой Троицы.

Библейский памятник запечатлел и русский академист Карл Брюллов («Явление Аврааму трех ангелов у дуба Мамврикийского», 1821 г.), «У Богородицкого дуба» 1835 г.). Кстати, Мамврикийский дуб стоит и поныне в городе Хевроне, Палестинской автономии только уже засохший, а в церквях до сих пор продают сувениры, изготовленные, якобы из священной древесины.

Смерть и возрождение

Особое место в символике европейских художников занимает изображение сухого дерева.

Так, в картине Андреа Мантенья (1431−1506) «Моление о чаше» сухое дерево со стервятником однозначно указывает на трагический исход, а зазеленевшая ветка указывает на скорое воскрешение.

Три пня указывают на готовящееся распятие. За учениками — молодое деревце — символ новой жизни. Эта традиция была органично воспринята Каспаром Давидом Фридрихом (1774−1840) в начале XIX века. Поклонник древних лесов, Каспар Фридрих с увлечением начал изображать старые деревья («Дуб зимой», «Старый дуб с гнездом аиста»).

Засохшие, со сломанными ветвями, — в творчестве художника они воплощали конечность человеческой жизни и в соответствии с христианской традицией часто соседствуют с молодой зеленью. Крест на полотнах немецкого романтика всегда окружен вечнозелеными растениями («Крест в горах», «Зимний пейзаж»).

Душа живая

В XIX веке художники начали вносить драматизм и эмоциональный подтекст в пейзаж, выражать свои сокровенные чувства. У того же Фридриха Каспара переплетенные ветви деревьев обозначают сближение человеческих душ. К примеру, в «Белых скалах на Рюгене» (1818−1819) склонившиеся друг к другу деревья символизируют счастливый союз художника с его женой.

Фантастично выглядит дерево на полотне Максима Воробьева (1787−1855) «Дуб, разбитый молнией». Сила рока ударила по темному фону картины и разбила на части мощный дуб. Так художник выразил боль от утраты жены.

Также широко известна картина Ивана Шишкина — «Среди долины ровныя» (1882 г.), написанная им через год после внезапной смерти любимой жены. Он сильно переживал потерю и, гуляя долиной, увидел дуб, в котором узнал себя: одинокого, но не сломленного бурями и невзгодами. Его же полотно «Срубленный дуб в Беловежской пуще» (1892) вызывает иное чувство: такое впечатление, что убили живое существо…

Наивная Фрида

По-своему трактует образ своей связи с окружающим миром мексиканская художница Фрида Кало (1907−1954). Ее стиль иногда характеризуют как наивное искусство. Она изображала себя обвитую корнями, как часть природы, которая должна была ее поглотить. Продолжательница народной традиции она по-новому видит буквальную связь растений и человека. Например, портрет ученого-ботаника Лютера Бербанка (1931) и работа «Корни» (1943 г.) прочитываются просто-таки прямолинейно.

Сад Поднебесной

Немного иной эстетический культ дерева существует в китайской живописи. В искусстве Поднебесной самое популярное растение — ива, как символ скромной красоты и утончённости, знак весны в природе, атрибут богини материнства Гуаньинь.

Сосна — также любимый объект китайских художников, поскольку олицетворяет и конфуцианскую сдержанность и стойкость, и даосский идеал «пользы бесполезного» (древесина изогнута, сучковата и непригодна для поделок).

…Художники всех времен и народов показывали особую символику деревьев, и, зная, о сокрытом смысле изображения, можно иначе взглянуть на многие известные работы.