Художник, особенно талантливый, переносит зрителей в свой мир — насколько он будет реальным или фантастическим, зависит от личности творца и его мировоззрения. Среди них есть настоящие мастера Апокалипсиса и приверженцы экзистенциализма, видящие изнанку мира лучше, чем окружающую действительность. В этом посте представлены 20 поистине пугающих полотен, которые не каждый решится рассмотреть в деталях.

Многие из них совершенно реалистичны, но и они производят впечатление кошмарного сна, от которого не получается проснуться. Источник всех подобных произведений — наши страхи, а их, как утверждают современные психологи, порождает единственный и главный — страх смерти. Человек как существо, наделённое второй сигнальной системой (или бессмертной душой), так и не смог принять этого явления. Мы познаём и изучаем себя с помощью искусства, поэтому мрачные произведения всегда будут волновать нас, как волнуют депрессивные фильмы и ужастики. ??

«Тяжёлая корзина». Цукиока Ёситоси, 1885

Японцы недаром считаются лучшими создателями хорроров, жутких существ, призраков и необычных порождений фантазии из фольклора. Хороший пример — полотно великого мастера гравюр в жанре укиё-э (мир скорби и печали) из серии «Тридцать шесть привидений».

Здесь воплощена мифическая история о бессердечной и жадной старухе, выбравшей себе в подарок корзину побольше и потяжелей, однако вместо драгоценностей получившей воплощение ужаса: жутких тварей из преисподней. Не правда ли, напоминает нам русскую сказку «Морозко», где у отрицательных героев «только косточки в коробочке побрякивали»…

«Триумф смерти». Питер Брейгель, 1561-1563

Одна из самых известных картин Брейгеля, мастера Апокалипсиса, которую можно рассматривать часами благодаря десяткам миниатюрных историй, разворачивающихся перед зрителями. Исторический источник: поход короля Испании Филиппа II, религиозного фанатика, покрывший горами трупов и пеплом костров территорию Нидерландов.

Но содержание полотна гораздо шире: многоликая смерть застаёт героев ежечасно и повсеместно — в массовой битве и индивидуальном поединке, за работой, за трапезой и даже на любовном свидании. От неё невозможно укрыться: «Повсюду страсти роковые, и от судеб защиты нет».

Произведение представляет собой мрачное и детализированное изображение конца света, в котором смерть в виде скелетов уничтожает всё живое: людей всех сословий, города, природу.

Картина отражает страхи эпохи — войны, эпидемии, голод и религиозные конфликты, распространённые в Европе XVI века. Брейгель показывает, что смерть не щадит никого: ни королей, ни крестьян, ни влюблённых, ни монахов. Это мощное напоминание о бренности жизни и неизбежности конца.

«Осьминог». Виктор Гюго, 1866

Мы больше знаем Виктора Гюго как автора поэзии и прозы. Однако талант создал сотни мрачных картин (все написаны простыми чернилами). Многие, по свидетельствам очевидцев, рождены в изменённом состоянии сознания, на спиритических сеансах.

Сюжет «Осьминога» (картина написана тушью) описан в романе «Труженики моря». По сюжету книги, с ним сталкивается рыбак Жильят. Кстати, битву со спрутом-убийцей позже подхватили многие писатели-современники. Осьминог в его исполнении символизирует хаос, опасность и неведомую силу, подстерегающую в глубинах. В романе этот антагонист воплощает борьбу человека с природой.

«Штурмовики наступают под газовой атакой». Отто Дикс (серия «Война»), 1924

Картина самого известного живописца ужасов Первой Мировой, когда человечество впервые столкнулось с техниками и технологиями массовых убийств.

Гравюра в технике акватинты немецкого художника Отто Дикса, изображающая немецких солдат в бою во время Первой мировой войны. Это 12-я в серии из 50-ти гравюр под названием «Война», опубликованная в 1924 году. Копии хранятся в Немецком историческом музее в Берлине, в Музее современного искусства в Нью-Йорке и в Институте искусств Миннеаполиса, а также в других публичных коллекциях.

Дикс писал в своих мемуарах, что направился на войну двадцатилетним студентом, желая обрести своего рода экзистенциальный опыт:

«Я должен был пережить, каково это, когда кто-нибудь рядом со мной внезапно падает, сражённый наповал пулей. Я должен был пережить это лично. Я хотел этого. Я же вовсе не пацифист — или всё же пацифист? Возможно, я был любознательным. Я должен был увидеть всё сам. Я такой реалист, понимаете ли, что должен увидеть всё своими собственными глазами и убедиться в этом. Я должен был погрузиться во все ужасные, бездонные глубины лично».

«Мягкая конструкция с варёной фасолью (Предчувствие гражданской войны)». Сальвадор Дали, 1936

Тревожная и странная, как и все произведения Дали, картина. Причудливая конструкция рук и ног напоминает очертания Испании, где привычный уютный мир вот-вот рухнет, рассыплется, как фасоль по земле, и утонет в крови гражданской войны.

Произведение написано незадолго до начала гражданской войны в Испании.

Это сюрреалистичное и пугающее изображение деформированного человеческого тела, рвущего само себя, символизирует разрушительность внутреннего конфликта. Фигура как будто состоит из мяса и сухожилий, а варёная фасоль — намёк на бытовую нищету и страдания народа.

Картина передаёт ужас, абсурд и жестокость братоубийственной войны, которую Дали предвидел ещё до её начала.

«Призрак утопленника». Торвальд Нисс, 1932

Пугающая сцена близка фольклору всех стран и народов: неупокоенный призрак пытается уволочь новую жертву в море. Картина лаконична: пара тёмных силуэтов, несколько мазков кисти — и вот уже сердце зрителя наполняется неосознанной тоской, чувством вины и безысходностью.

Работа принадлежит к направлению символизма и романтического реализма. Мрачная, туманная атмосфера и холодная палитра создают ощущение скорби, одиночества и вечного сна. Это размышление о смерти, прощании и переходе в иной мир. Произведение вызывает сильный эмоциональный отклик и считается одной из самых поэтичных и печальных картин скандинавской живописи.

«Тревога». Эдвард Мунк, 1894

Картина «Тревога» (Anxiety), написанная Эдвардом Мунком в 1894 году, отражает глубокое чувство экзистенциального страха и отчуждения, характерное для его творчества.

На переднем плане можно увидеть группу людей с бледными, страдальческими лицами, застывших в молчаливом отчаянии. Они стоят на мосту — том же, что и в более известном «Крике». Здесь всё внимание на фон — зловещее красное небо и тёмные воды. Они усиливают атмосферу напряжённости и безысходности.

Картина — не просто изображение тревоги, а визуальное воплощение психологического состояния, близкого к депрессии и внутреннему кризису.

«Крик». Эдвард Мунк, 1893-1910

«Крик» считают эмблемой экспрессионизма, это полотно открывает 20 век, предсказывает его события и общее ощущение жестокости и непримиримых страстей. Вопль ужаса персонажа благодаря особой примитивной технике и тревожной цветовой гамме, кажется, звучит везде и отовсюду, приобретая вселенский размах.

Как писал сам художник в дневнике:

«Я шёл по тропинке с двумя друзьями — солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и опёрся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-чёрным фьордом и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу».

Современники предполагали источниками создания картины клинику душевнобольных, где лечилась сестра художника, скотобойню около города и извержение вулкана Кракатоу, на несколько лет озарившего многие города мира красными сумерками. А психологи и биографы искали источник мировоззрения в характере и природных склонностях автора. Так или иначе, персонаж картины Мунка стал основой создания жуткой маски убийцы из сериала девяностых с таким же названием — «Крик».

«Крик» — самая известная картина Эдварда Мунка, написанная в 1893 году. Она изображает фигуру с искажённым лицом, стоящую на мосту и как будто издающую (или слышащую) пронзительный крик, на фоне кроваво-красного неба.

Она символизирует экзистенциальный ужас, внутреннюю тревогу и страх перед миром. Мунк сам описывал это состояние как момент, когда он «услышал крик, проходящий сквозь природу».

Это одно из самых узнаваемых произведений экспрессионизма и мощный образ психологического кризиса человека в модерную эпоху.

«Призрак Ойва» (Ойва-сан). Кацусика Хокусай, 1831

На картине (гравюра на дереве) из серии «100 историй о привидениях» запечатлено самое известное в Японии привидение онрё. Обиженный и мстительный дух, желающий наказать своего мучителя, создан на основе реальной истории: самурай возненавидел и убил свою супругу, обвинив её во всех своих несчастьях.

Реальные события давних лет увековечены благодаря пьесе театра кабуки «Страшная история о призраке из деревни Ёцуя с дороги Токайдо» (автор Цуруя Намбоку). По сюжету, Ойва была отравлена соперницей, что изуродовало её лицо. После смерти она возвращается в виде мстительного духа, чтобы преследовать своего мужа Иэмона, причастного к её гибели. На гравюре Хокусая лицо Ойвы появляется из старого бумажного фонаря, что подчёркивает её сверхъестественную сущность и связь с духами, обитающими в фонарях.

Образ женщины в белых одеяниях, с мёртвенным гримом и с распущенными волосами, полюбился кинематографу: самый известный на сегодня онрё — девочка-убийца с видеокассеты («Звонок»).

«Сатурн» («Сатурн, пожирающий своего сына»). Франсиско Гойя, 1819-1823

Для особо впечатлительных не публикуем произведение здесь. Герой полотна Гойи — бог греческой мифологии Кронос, встревоженный предсказаниями о своём потомке, который свергнет его с престола. Классический сюжет изменился под влиянием личных обстоятельств испанского художника: тяжёлых болезней, смерти детей, глухоты, страха безумия.

Сатурн на картине — сумасшедший нереалистичный монстр, терзающий окровавленное тело. Гойе принадлежит знаменитая цитата «Воображение, покинутое разумом, порождает немыслимых чудовищ; но в союзе с разумом оно — мать искусств и источник творимых им чудес».

«Собака». Франсиско Гойя, 1823

«Собака» Гойи наполнена экзистенциальным смыслом. Она вдохновила множество художников и считается предвосхищающей абстрактное искусство XX века. Несчастное животное вот-вот поглотит безликая стихия и пустынные пространства; её пронзительный, почти человеческий взгляд обращён вверх, вызывая чувство одиночества, отчаяния и безысходности.

Художник и писатель Антонио Саура назвал произведение Гойи «самой красивой картиной в мире» и так описывал свои впечатления:

«Она напоминает мне мою собственную собаку, которая охраняла моего отца, а затем её отравили, и вскоре отец погиб. Я смотрю на эту картину и вижу в этом бедном животном наше состояние в целом и наш исторический момент в частности. Я — собака, и ты — собака, наши головы подняты над тёмным, поднимающимся приливом».

«Страшный суд». Иероним Босх, 1504

Библейский сюжет служил источником вдохновения для многих авторов, но именно это произведение средневекового живописца имеет наибольшую силу воздействия, в том числе и на наших современников. Художник ясно видел самые уродливые стороны человеческой натуры и доходчиво описал, какие именно поступки ведут человека в Ад — а он настолько ужасен и подробно изображён, что избежать его хочется всеми силами.

Впрочем, даже на левой створке триптиха (Рай) запечатлено грехопадение, изгнание, обращение ангелов в демонов, адский огонь, «муки, стенания и скрежет зубовный». Автор определённо разочарован в человеческой природе и пессимистично настроен насчёт нашей будущей судьбы.

«Апофеоз войны». Василий Верещагин, 1871

Как гласит надпись автора на раме картины, она «Посвящается всем великим завоевателям — прошедшим, настоящим и будущим». Пирамида из человеческих черепов на фоне разрушенного города и обугленных деревьев, среди раскалённой степи — символ смерти, опустошения, мертвящих душу последствий войн. Судьба человечества под этим пронзительно ясным и холодным небом не вызывает оптимизма.

Это не конкретная сцена, а символическое обобщение — предупреждение о том, к чему приводит война: смерть, опустошение, бесчеловечность. Картина произвела сильное впечатление и вызвала споры, но Верещагин твёрдо стоял на своей пацифистской позиции.

«Побеждённые. Панихида». Василий Верещагин, 1879

Глубокое и трагическое антивоенное полотно написано Василием Верещагиным в 1879 году. Художника винили в антипатриотизме, но перед созданием произведения, как известно, он пытался отыскать на поле боя тело своего брата, чтобы проститься и достойно похоронить родного человека. Именно это его и вдохновило на создание картины. На ней изображена панихида по павшим русским солдатам: священник совершает службу у братской могилы, в то время как оставшиеся в живых бойцы стоят в молчаливом строю. Всё вокруг — снег, мрачное небо, пустота — подчёркивает бессмысленность потерь и страданий, вызванных войной.

«Вытащить тело не было никакой возможности — так оно и осталось, к величайшему моему горю, пухнуть и гнить в массе — страшной массе покладенных в этот день трупов солдат наших», — вспоминал художник. Ещё одно произведение, показывающее цену побед и завоеваний.

«Смерть». Янис Михайлович Розенталь (Розенталс), 1897

Картина «Смерть» (N?ve), написанная латвийским художником Янисом Розенталсом в 1897 году, представляет собой глубокое и символическое произведение, объединяющее реализм, элементы модерна и мотивы латышской мифологии.?

На полотне изображена крестьянка, сидящая на пне с мёртвым младенцем на руках. Над ними склонилась высокая фигура женщины в белом — олицетворение Смерти, держащей в руке серп. Смерть изображена как тощее, почти скелетообразное существо с босыми ногами, что подчёркивает её связь с природой. В латышской мифологии Смерть часто представляется в виде женщины в белом, известной как Ve?u m?te — «Мать мёртвых».

Сцена происходит на фоне леса и луга, что символизирует естественный цикл жизни и смерти. Мать выражает гнев и отчаяние, её пальцы судорожно сжаты, но она уже осознаёт неизбежность утраты. Белое облачение ребёнка, как и у Смерти, подчёркивает его переход в иной мир.?

Картина наполнена эмоциональной напряжённостью и заставляет задуматься о неотвратимости смерти и бессилии человека перед её лицом. Это произведение считается одним из самых выразительных в творчестве Розенталса и занимает важное место в латвийском искусстве. Многие эксперты и любители считают его самым страшным художественным произведением всех времен.

Два полотна без названия. Здзислав Бексиньский (1929-2005)

Эти две мрачные и пугающие картины принадлежат польскому художнику Здзиславу Бексиньскому (Zdzis?aw Beksi?ski, 1929-2005), мастеру мрачного сюрреализма и постапокалиптического символизма.

Польский художник и фотограф названий своим картинам не давал. «Одним словом, живопись меня мало интересует, я не ищу встречи с ней, я встречаюсь с ней случайно и естественно, как дерево и корова», ­— говорил художник.

Однако душераздирающие, апокалиптические образы сделали его вдохновителем творчества многих наших современников. Считается, что истоки его живописи — в удушливой атмосфере послевоенных лет и «холодной войны», чувствах боли и вины.

Ещё его картины с жуткими мирами и обитателями, для которых эта преисподняя — родина, как предчувствие личного кошмарного будущего: последние годы жизни художника омрачены смертью жены, самоубийством сына, а немного позже и сам он истёк кровью на пороге своего дома, убитый сыном домработника.

Первая картина (слева)
Изображает изуродованную фигуру (существо) с перевязанной головой, ползущую по выжженной пустоши. Фон напоминает апокалиптический город после катастрофы. Картина передаёт ощущение боли, отчаяния, деградации и отчуждённости.

Вторая картина (справа)
На ней изображён человек с факелом, идущий через тесный каньон, в стенах которого зияют гигантские фигуры в капюшонах с черепами вместо лиц. Это может символизировать одиночество перед лицом смерти или судьбы, исправление грехов, суд или встречу с прошлым, которое наблюдает сверху, молча и строго.

«Глаз, как странный воздушный шар, устремляется в бесконечность». Одилон Редон, 1882

Литография Одилона Редона, созданная в 1882 году. Это мистическое и символическое произведение было вдохновлено текстом Эдгара Аллана По.

На изображении — огромный глаз в виде воздушного шара, к которому привязаны фигуры (возможно, человек и смерть), парящие в мрачном, сюрреалистическом небе. Это аллегория духовного взлёта, стремления к познанию или к вечности, но также — неизвестности и ужаса перед этим полётом.

Редон сочетает фантазию, сон и символизм, создавая образ, который можно трактовать как взгляд души, уносящийся за пределы земного.

«Автопортрет». Кен Карри, 1995

Мощная, мрачная и тревожная картина, в которой художник обращается к темам старения, умирания и бренности тела.

«Герои» картин шотландского художника — люди в самом печальном и неприглядном периоде жизни: стареющие, изуродованные, а то и представленные в виде разлагающихся останков. Как говорят критики, такова реакция творца с тонкой душевной организацией на политические и гуманитарные катаклизмы 1990-х годов в Восточной Европе, а также на человеческую природу, которая, как правило, ущербна и смертна.

На полотне изображён сам художник, но не в привычной реалистичной манере: его лицо и тело выглядят искажёнными, болезненными, будто покрыты восковой или мертвенной плотью. Взгляд направлен в сторону зрителя, но в нём — усталость, страх и философское принятие неизбежного конца.

В этом автопортрете художник добавил в масляные краски пчелиный воск, что придало натуральный вид человеческой кожи. Именно это и рождает у зрителей первобытный ужас, сродни воздействию фильма про Доктора Лектора: только не в тюремном застенке, а в процессе исполнения угрозы «Я съем твою печень и запью её кьянти»…

«Безумная Грета». Питер Брейгеля Старший, 1562-1564

Аллегорическая и сатирическая картина Питера Брейгеля Старшего, изображающая грубую, обезумевшую женщину, ведущую отряд таких же женщин на штурм самого ада.

Это работа — победитель всевозможных рейтингов самых страшных произведений искусства. Статья об этом полотне на сайте Музея Майер ван дер Берга, где она хранится, называется «Фильм ужасов в виде картины» (Фильм ужасов в нарисованном виде).

Грета, в доспехах и с мечом, грабит адские земли, не ведая страха. Вокруг — хаос, демоны, огонь, разрушения, характерные для стиля Брейгеля. Картина высмеивает жадность, безумие и агрессию, особенно в поведении женщин, ставших жертвами алчности и суеты.

Это яркий пример средневекового морализма, гротеска и фламандского фантастического воображения, перекликающийся с Босхом.

На ней персонаж голландского фольклора, воплощение жадности и воинственности, бредёт в преисподнюю по земле чудовищ, олицетворяющих пороки: хорошая иллюстрация плохо прожитой жизни. Худшие человеческие качества, а также реальность того времени — войны и казни — и есть настоящий ад на земле. Именно эту мысль доводит до зрителя Брейгель в многочисленных подробностях своего полотна.

В мире живописи мало художников, которых можно узнать с первого взгляда — Lynn Boggess точно один из них. Его пейзажи не просто изображают природу, они ощущаются. При взгляде на холсты Боггесса хочется протянуть руку и прикоснуться — настолько фактурно он пишет.

Lynn Boggess (род. 1958) — американский художник из Западной Виргинии, прославившийся своими масляными пейзажами, которые он пишет не кистью, а мастихином. Он работает исключительно на пленэре — прямо в лесах, на склонах гор, у ручьёв. И это не просто поза: именно в живом, влажном, непредсказуемом воздухе Боггесс добивается той пастозной силы, которая делает его картины почти скульптурными.

Каждая работа — это погружение в материальность природы. Толстые, почти барочные мазки формируют текстуру деревьев, рыхлый снег, блики на воде. Картины не "изображают", а воссоздают — ощущение холодной весны, сырого камня, влажной травы. Плотная краска как будто приподнимает ландшафт над холстом.

Вдохновением для Боггесса остаются дикость и простота природы — леса Аппалачей, ручьи, скрытые тропы. При этом в его работах нет слащавости или «инстаграмной» красоты — наоборот, он будто находит грубую, первозданную поэзию в самых скромных ландшафтах.

Интересно, что до начала художественной карьеры Lynn Boggess преподавал живопись и анатомию в университете, и только позже полностью посвятил себя пленэру. Его работы выставлялись по всей Америке и ценятся как знатоками техники, так и теми, кто ищет в искусстве контакт с настоящей природой.

Юлия Барминова в большинстве работ создает близлежащий фрагмент моря в характерных ей насыщенных сине-зеленых оттенках в сопровождении яхт при почти полном отсутствии дальнего плана. Художница явно влюблена в саму водную стихию.

На вопрос когда Юлия решила стать художником она сказала, что ей кажется, что человек не выбирает творческую профессию. Если внутри него загорается творческая искра, то дальше происходит все само собой. Если есть минимальные условия, тот же карандаш и листок бумаги, то любовь к творчеству непременно проявится.

Юлия Барминова всегда рисовала, и от того даже не помнит подвижные игры со сверстниками. Подругам в тетрадки перерисовывала принцесс. Делала контрольные по черчению за шоколадки. Все это было естественно и просто. Далее решила учиться на архитектора, а параллельно старалась получить художественное образование: работала в разных студиях, училась рисовать маслом, акрилом. Всегда искала что-то за рамками академического образования, потому бросала очередную студию, искала новую.

После окончания обучения считала себя художником и в 2009 году впервые попробовала нарисовать морской пейзаж. Не получилось. Это была личная катастрофа. «Тогда решила: «Море никогда не буду рисовать. Это не мое». Выбросила художественные материалы и устроилась администратором в школу живописи. Лишь спустя четыре года подумала: если меня это радует, почему я этого не делаю?! Я могу рисовать все, что хочу, и просто получать от этого удовольствие. Теперь я никому не должна предоставлять отчеты, корочки и дипломы. Море я не рисовала, но выбрала два главных сюжета: архитектуру и цветы.»

Вскоре творчество изменилось. Прошло два года, как она жила на Кипре. Однажды проходила мимо порта, и при виде рыбацких лодок в сине-бирюзовых волнах на фоне красивейшего заката сердце застучало сильнее. Она нашла сюжет своей мечты.

В 2014 году нарисовала первую неплохую морскую акварель. Тогда же поняла, что нашла себя. Потому что море может рисовать бесконечно. От моря никогда не устает. Для нее это неисчерпаемая тема, бесконечно разнообразная, привлекательная, а потому призывающая к постоянным путешествиям, чтобы увидеть все своими глазами. Побывала во многих портах.

Однако ковидная самоизоляция прервала путешествия. Даже в Крым невозможно было поехать. Но благодаря этой изоляции Юлия решила записаться школу яхтинга для углубления в свою морскую тематику, и вскоре поехала в Питер, познала азы и стала ходить под парусом. С «помощью» карантина вышла на свой новый творческий уровень, перешла с берега в плавание. Теперь в мечтах переход на яхте по Всему Средиземноморью, а далее через Атлантику на Карибы.

„Я не верю в талант. Я верю в то, что время, желание, страсть и энергия, которые вы отдаете творчеству, возвращаются к вам результатом. Сколько вы отдали, столько и вернулось.

А дальше стоит прислушаться к своим желаниям. Надо перестать обманывать себя. Некоторые говорят: «Мне нравится обнаженная натура, но я буду рисовать красные цветы, потому что они лучше продаются». Надо вытащить наружу свою индивидуальность. Так быстрее станешь узнаваемым. Все художники, которых я знаю, очень принципиально относятся к выбору сюжета. Рисуют только то, что нравится. Мечтаешь рисовать камни или налить краску в банку и вылить ее на холст? Готов это делать бесчисленное количество раз? Значит, это твое. Посмотри на творчество как на нечто, где тебе позволено абсолютно все.

Я не родилась художником-акварелистом, рисующим море. Творчество дарило мне такое счастье, что я стала делать это снова и снова. И я хочу продолжать.“

Картины талантливого художника Александра Маскаева — это волшебный мир сказочных персонажей и добрых котеек. Рассматривая котоистории, невольно погружаешься в мурлычущую, пушистую и бесконечно добрую атмосферу. Стоит заметить, что каждая работа мастера помимо явного смысла несет скрытый подтекст, заметный не сразу.

Каждая картина — тёплый сказочный мир, где пушистый рыжий кот и фантастические персонажи оживают, чтобы напомнить: иногда чудо кроется в мелких деталях, котах и улыбках, и в том, чтобы снять с души нагрузку сложностей.

Маскаев создаёт авторское направление «сказки в живописи» — живые, тёплые истории для детей и взрослых. Его картины называются «от печки», и действительно передают дух сельского уюта: коты чай пьют, рыбачат, отдыхают на снегу или играют с мышами. Каждая работа — отдельная целая история, которую хочется разглядывать долго.

Художник учился в Тюмени, жил и работал в Нижневартовске, а сейчас — в Луховицах Московской области. Он — член Союза профессиональных художников России, и его работы есть в частных коллекциях России, Японии, Германии, Италии и других стран.

Для Дэвиса цветок — это не просто ботанический объект, а сцена, на которой танцует свет. В его работах природа оживает — не только в форме, но и в настроении, словно каждый лепесток рассказывает свою историю, освещённую игрой света.

Дэвис родился в штате Калифорния (США) еще в 1946 году в семье музыкантов. К 20 годам художник окончил Fine Art at Pierce College и с тех пор на протяжении более сорока лет рисует живую природу, но последние 10 лет полностью сосредоточился на цветах.

Большую часть жизни Дэвис провёл в Сан-Фернандо-Вэлли. После службы в армии он обучался искусству, но бросил учёбу, чтобы полностью посвятить себя живописи, особенно цветам, как ему хотелось запечатлеть их «скрытую красоту» .

Под влиянием мастеров Золотого века Нидерландов, а также стилями ар-нуво и ар-деко, Брайан Дэвис стремился передать не только форму, но и атмосферу. Он говорил: «Цветок — это сцена, а свет — танцор». Искусствоведы называют его «мастером иллюзии»: многочисленные слои масла, внимание к свету и текстуре создают ощущение, что ты почти ощущаешь аромат розы или шёлк лепестков.

Для Дэвиса цветок — это не просто ботанический объект, а сцена, на которой танцует свет. Он снимает растения в естественной среде, затем пишет композицию, используя серию снимков как этюды, а создавая картину — играет цветом, меняя оттенки, форму листьев, добавляя динамику. Его техника — «value painting» — начинается с самых тёмных тонов, потом поверх них наносится светлая палитра, создавая удивительную глубину, текстуру и светящуюся прозрачность.

Его работы находятся в коллекциях Лос-Анджелесского музея, Ботанического сада Нью-Йорка, Галереи Хантингтона и многих частных коллекциях, включая дома известных музыкантов и актёров. Он также проводит мастер-классы, на которых делится секретами владения светом и тенью, помогая другим художникам и студентам достигать такого же ощущения глубины в цветах.

В его работах природа оживает — не только в форме, но и в настроении, словно каждый лепесток рассказывает свою историю, освещённую игрой света.

Русский художник Святослав Рерих (1904-1993) прожил большую часть своей жизни в Индии. Прожил очень плодотворно, впитав в себя всю глубину и высоту ее духовности, философии и культуры в целом. Имея в себе неоспоримый художественный дар, он воплотил все вмещенное им культурное богатство в своих картинах. Где-то в цвете, где-то в символах. Последние почти в каждой его картине. И от этого они становятся кратно сильнее и значимее.

Рерих Святослав Николаевич появился на свет в Петербурге 10 октября (23 по старому стилю) 1904 г., умер 30 января 1993 года в индийском городе Бангалор. Это величайший живописец русского происхождения, с 30-х годов ХХ столетия проживавший и творивший в Индии. Сын Елены и Николая Рерихов – прославленной творческой семьи общественных деятелей.

Особенности творчества художника Святослава Рериха

Полотна руки этого мастера отличает глубокий символизм, присущий им наравне с реалистичностью изображаемого. Своими работами автор демонстрирует верность гуманистическим идеалам, он посвящает их борьбе за мирное сосуществование народов разных вероисповеданий и национальностей.

С этой целью им используются, казалось бы, трудно сочетаемые и даже в каком-то смысле противоположные художественные концепции. Реализм русской школы живописи Святославу Рериху удается переплетать с традициями западного искусства в его лучших периодах. В этом причудливом узоре стилей находят себе место и индийские мотивы, которыми буквально пропитано творчество художника, долгое время жившего в этой стране с неисчерпаемыми сокровищницами искусства.

Будучи сыном таких родителей, как Николай и Елена Рерих, будущий художник с детства имел возможность развивать свои разносторонние способности в искусстве, доставшиеся ему по наследству от отца – великого живописца.

И мать, и отец всячески поощряли стремление сына к рисованию, развивали его природную склонность к естественным наукам. Благодаря этому талант Святослава Рериха раскрылся в полной мере, в чем может убедиться каждый человек, обративший внимание на любую из его картин.

Первой творческой попыткой этого живописца можно считать потрет, созданный им еще в подростковом возрасте, на котором автор запечатлел своего отца. По тому, кого выбрал Рерих Святослав Николаевич в качестве своей первой модели, можно судить о значимости фигуры родителя в его становлении. С самых ранних лет Святослав всячески участвовал в разносторонней деятельности семьи – помогал отцу с холстами и красками, иногда сопровождал в путешествиях по городам России, которые Николай Рерих часто посещал в рамках своего увлечения археологией. Их тесная связь сохранялась и позже: во многих работах Рериха Святослава Николаевича прослеживается сходство с поздними произведениями его отца.

Семья Рерихов в начале ХХ столетия переехала в Европу, где и продолжалось обучение и становление одаренного юноши. Изучая архитектуру в лондонской Академии искусств, Святослав Рерих не бросил писать картины. И снова его стремления нашли поддержку и одобрение у отца. Вместе они создали декорации для постановок великих русских опер в лондонских театрах. Николай Рерих отзывался о творчестве своего сына как об образце небезразличного, пылкого отношения к живописи, благодаря которому ему и удается достичь столь впечатляющего результата. Он отмечает напряженность всех элементов картин Святослава Рериха, несмотря на это находящихся в удивительной гармонии, называет талант сына «высоким даром», несущим радость и всем окружающим.

Данью уважения к личности отца можно считать тот факт, что Святослав Николаевич Рерих вступил на должность вице-президента музея Corona Mundi, посвященного его отцу. Тогда же он в первый раз попал в Индию, с чего и началось знакомство живописца особенностями индийской культуры, впоследствии целиком и полностью покорившей его сердце.

В Америку Рерих приехал, чтобы продолжить свое архитектурное образование, чем он и занимался поначалу в Колумбийском университете, а потом в Гарварде. Для развития своих разносторонних наклонностей этого он считал не достаточным, поэтому параллельно посещал отделение скульптуры, работал над иллюстрациями для книг, писал картины, в том числе и в графическом направлении.

В этот период вплетается его будущая индийская жизнь. Целью первой поездки в эту страну для Святослава Николаевича Рериха была помощь семье во время Центрально-Азиатской экспедиции.

После поездки он вновь вернулся в Америку, где его художественная деятельность не осталась без внимания критиков. Талант Рериха впервые был признан ими после выставки его работ в Нью-Йорке, вызвавшей определенный ажиотаж в СМИ. В 1925 году он получил высшую награду на выставке, приуроченной к 150-летию Филадельфии, на экспозиции было представлено около сотни его работ.

Индия – ее значение для творчества живописца

Как только обучение подошло к концу, художник переехал в Индию, где на тот момент уже жила его семья. Там он с тем же рвением, что и в США, активно включился в общественную и культурную жизнь, постигая ее особенности и отдавая дань ее очарованию в своих картинах. Рерих был настолько влюблен в Индию, что считал ее своей второй – духовной – родиной. Гимном любви к этой стране с многовековыми утонченными традициями можно считать многие замечательные по своей внутренней силе полотна автора.

Здесь Святослав Рерих пишет несколько десятков картин уже с колоритом, присущим индийским культуре. Так, в 1933 году он закончил «Портрет Николая Рериха в тибетском одеянии». Это полотно принято считать одним из самых значительных его произведений. Признание по-прежнему сопровождает Рериха, и его полотна, на которых изображены во весь рост Индира Ганди и Джавахарлал Неру – индийские премьер-министры – до сих пор служат украшением Центрального зала, где располагается парламент Индии.

Здесь же, в духовной атмосфере гармонии со всем миром, художник нашел спутницу жизни, которой стала известная индийская киноактриса Девика Рани. Рерих Святослав Николаевич познакомился с ней на съемках фильма, для которого он создавал декорации. Девика Рани стала источником вдохновения для художника и его верным другом и спутником во всех начинаниях.

Портретистика – это то, с чего начал свое становление этот мастер. Благодаря его настойчивости и активному непрекращающемуся саморазвитию ему удалось достичь вершин в этом жанре. Его портреты поражают не поверхностным, внешним сходством, а глубинным соответствием личности того человека, который предстает перед зрителем. По картинам Святослава Николаевича Рериха хорошо виден его подход к созданию портрета, состоящий в том, чтобы создать не просто сходство, а сходство внутреннее, духовное.

Присутствуют среди его произведений и пейзажи, эпические, глубоко символичные полотна. Все они свидетельствуют о мастерстве и виртуозности Святослава Рериха, о его склонности к нестандартным решениям в воплощении своих задумок.

Картины Святослава Николаевича Рериха отличаются исключительным изяществом подачи и лаконичностью. Они максимально точно передают духовный облик человека, его глубинную сущность и характер.

Особенно много среди полотен Рериха Святослава Николаевича портретов его семьи. Однако, несмотря на безусловное влияние личности Николая Рериха на его творчество, этот великий живописец является самобытным автором, чей стиль и техника, перекликаясь с отцовской, представляют собой совершенно иную манеру исполнения.

Когда смотришь на картины Валерия Блохина, кажется, будто реальность начала таять, оставляя за собой только эмоции, цвет и движение. Его живопись — это диалог на грани абстракции, где можно уловить очертания мира, но ощутить нечто большее — настроение, ритм, энергию. Блохин не просто пишет красками — он играет с восприятием, провоцирует чувство и оставляет зрителя наедине с собственными ассоциациями. Кто он — этот художник, чье полотно вибрирует между сном и явью?

Валерий Блохин родился в 1964 в г. Новороссийске.
В 1984 году закончил Краснодарское художественное училище.
С 1987 года — городские, краевые, республиканские, всесоюзные и международные выставки.
С 1990 года — в Союзе художников России.
C 1999 года – почетный член Академии Искусств Чехии им. Масарика, награжден золотой медалью этой же кадемии.
В 2006 году – награжден серебряной медалью Российской Академии Художеств.
С 2007 года – член Творческого союза художников России.

Валерий с детства занимался дзюдо и художеством. Когда первое стало мешать второму, выбрал второе. Бросил дзюдо в Новороссийске, поехав поступать в Краснодарское художественное училище, после того, как закончил местную художественную школу. В Краснодаре никого из знакомых не было. Мама привезла его в город, устроила в школу, сняла квартиру. Здесь уже он заканчивал восьмой класс, готовился поступать в художественное училище.

При этом, жил Валерий в городе сам, без родителей. Приходилось учиться образцово, чтобы не вызывали в школу родителей. А когда проводили в школе родительские собрания, то находил на улице соответствующих прохожих и уговаривал их сходить в школу. Особенно любил подбирать девушек, в качестве сестер. Находил в этом веселье.

Сам Валерий работать начал рано – около семнадцати лет. После армии уже стал работать серьезно. Но были свои проблемы. Частных заказчиков тогда не существовало. Сбыт картин через Художественные галереи шел только по факту пребывания в рядах Союза художников.

Ситуация стала меняться после 1987 года. В ту пору открылся в Краснодаре первый «Арбат» в скверике. Художники работали прямо на глазах у прохожих. Что-то даже стало продаваться. Но и здесь все шло не гладко. Власти «Арбат» переносили по городу из одного места в другое несколько раз. Это очень негативно повлияло на атмосферу в художественном «Арбате», многие художники ушли.

Восточные мотивы в творчестве Валерия Блохина появились в связи с выставочной деятельностью за рубежом. Началось все в 1990 году в Германии, а затем дошло дело и до Индии, Вьетнама, Шри-Ланки. Восток внес в творчество Валерия еще больше цвета, характерного фейерверка костюмов, орнаментов. От первой поездки было много впечатлений. Их группу там много водили, показывали обряды, различные праздники, показывали то, что иностранцам обычно не показывают. И все это под характерную мелодичную восточную музыку. А Валерий любит музыку.

Каждая последующая поездка привносила много новых впечатлений и даже потрясала. Новые эмоции были настолько сильны, что стали основной темой его творчества.

В живописи Валерий Блохин любит цвет. Но пришел к этому не сразу. После училища он был неплохим рисовальщиком. Однако тот уровень творчества был изучен другими вдоль и поперек. Возникла некоторая неопределенность и вопрос: куда идти дальше?

Знакомство с Алексеем Паршковым очень повлияло на молодого художника. Тот порекомендовал не жалеть свои работы и холсты, больше экспериментировать с цветом. И Валерий стал выливать краску на холст, учиться мыслить более абстрактно. А так как работа шла не от фигуры, а от цветового пятна, то и вскоре пришло понимание цвета. Сложилась его особая техника: сначала идут абстрактные пятна, и только потом дописывается реальность. До определенного момента Валерий не знает, что появится на холсте. Ранее он опирался, как и большая часть художников русской школы, на рисунок, карандашный набросок, который затем заполнялся цветом. А сейчас – сначала эмоции, и только затем – детали…

Как пример, Валерий приводит разглядывание стен, в которых имеются небольшие выпуклости, трещины, неровности. Из всего этого вырисовываются фигуры, лица. Это его метод в живописи – поиск в абстрактном реальных вещей.

Часто Валерий настраивается на творчество так – садится, включает музыку – чаще джаз и фольклор — и мысленно начинает путешествовать. Если получается, то приступает к работе. А если настроение не возникает, то за краски не берется. Ведь если без настроения браться за работу — ничего хорошего не выйдет.