Идеальное соотношение для строительства песчаных замков — восемь частей сухого песка к одной части воды. Есть гипотеза, что древние египтяне делали из песка копии будущих пирамид. Песчаные скульптуры очень недолговечны, ведь основными строительными ингредиентами являются песок и вода.

Песчаный Колизей. Фестиваль скульптур в Сондервинге, Дания, 2011 год

Британская Колумбия, Чемпионат мира по изготовлению скульптур из песка Дракон

Порт-Аранзас, штат Техас

Динозавры. Конкурс в штате Виктория, Австралия

Леонардо Да Винчи

Фестиваль песчаных скульптур в Бланкенберге.

Слон

Обезьяны

Песчаный ангел

Орел и статуя свободы

Зевс

Европейский фестиваль песчаных скульптур

Шахматисты. Пуэрто-Вальярта, Мексика

Песчаная композиция «Искусство управление движением». Фестиваль в Сан-Матео, Калифорния

Фестиваль песчаных скульптур в Дании

Фестиваль песчаных скульптур во Франкфурте, Германия.

Японский фестиваль песчаных скульптур

Ветряные мельницы Киндердейка и песчаные скульптуры

Русский художник Святослав Рерих (1904-1993) прожил большую часть своей жизни в Индии. Прожил очень плодотворно, впитав в себя всю глубину и высоту ее духовности, философии и культуры в целом. Имея в себе неоспоримый художественный дар, он воплотил все вмещенное им культурное богатство в своих картинах. Где-то в цвете, где-то в символах. Последние почти в каждой его картине. И от этого они становятся кратно сильнее и значимее.

Рерих Святослав Николаевич появился на свет в Петербурге 10 октября (23 по старому стилю) 1904 г., умер 30 января 1993 года в индийском городе Бангалор. Это величайший живописец русского происхождения, с 30-х годов ХХ столетия проживавший и творивший в Индии. Сын Елены и Николая Рерихов – прославленной творческой семьи общественных деятелей.

Особенности творчества художника Святослава Рериха

Полотна руки этого мастера отличает глубокий символизм, присущий им наравне с реалистичностью изображаемого. Своими работами автор демонстрирует верность гуманистическим идеалам, он посвящает их борьбе за мирное сосуществование народов разных вероисповеданий и национальностей.

С этой целью им используются, казалось бы, трудно сочетаемые и даже в каком-то смысле противоположные художественные концепции. Реализм русской школы живописи Святославу Рериху удается переплетать с традициями западного искусства в его лучших периодах. В этом причудливом узоре стилей находят себе место и индийские мотивы, которыми буквально пропитано творчество художника, долгое время жившего в этой стране с неисчерпаемыми сокровищницами искусства.

Будучи сыном таких родителей, как Николай и Елена Рерих, будущий художник с детства имел возможность развивать свои разносторонние способности в искусстве, доставшиеся ему по наследству от отца – великого живописца.

И мать, и отец всячески поощряли стремление сына к рисованию, развивали его природную склонность к естественным наукам. Благодаря этому талант Святослава Рериха раскрылся в полной мере, в чем может убедиться каждый человек, обративший внимание на любую из его картин.

Первой творческой попыткой этого живописца можно считать потрет, созданный им еще в подростковом возрасте, на котором автор запечатлел своего отца. По тому, кого выбрал Рерих Святослав Николаевич в качестве своей первой модели, можно судить о значимости фигуры родителя в его становлении. С самых ранних лет Святослав всячески участвовал в разносторонней деятельности семьи – помогал отцу с холстами и красками, иногда сопровождал в путешествиях по городам России, которые Николай Рерих часто посещал в рамках своего увлечения археологией. Их тесная связь сохранялась и позже: во многих работах Рериха Святослава Николаевича прослеживается сходство с поздними произведениями его отца.

Семья Рерихов в начале ХХ столетия переехала в Европу, где и продолжалось обучение и становление одаренного юноши. Изучая архитектуру в лондонской Академии искусств, Святослав Рерих не бросил писать картины. И снова его стремления нашли поддержку и одобрение у отца. Вместе они создали декорации для постановок великих русских опер в лондонских театрах. Николай Рерих отзывался о творчестве своего сына как об образце небезразличного, пылкого отношения к живописи, благодаря которому ему и удается достичь столь впечатляющего результата. Он отмечает напряженность всех элементов картин Святослава Рериха, несмотря на это находящихся в удивительной гармонии, называет талант сына «высоким даром», несущим радость и всем окружающим.

Данью уважения к личности отца можно считать тот факт, что Святослав Николаевич Рерих вступил на должность вице-президента музея Corona Mundi, посвященного его отцу. Тогда же он в первый раз попал в Индию, с чего и началось знакомство живописца особенностями индийской культуры, впоследствии целиком и полностью покорившей его сердце.

В Америку Рерих приехал, чтобы продолжить свое архитектурное образование, чем он и занимался поначалу в Колумбийском университете, а потом в Гарварде. Для развития своих разносторонних наклонностей этого он считал не достаточным, поэтому параллельно посещал отделение скульптуры, работал над иллюстрациями для книг, писал картины, в том числе и в графическом направлении.

В этот период вплетается его будущая индийская жизнь. Целью первой поездки в эту страну для Святослава Николаевича Рериха была помощь семье во время Центрально-Азиатской экспедиции.

После поездки он вновь вернулся в Америку, где его художественная деятельность не осталась без внимания критиков. Талант Рериха впервые был признан ими после выставки его работ в Нью-Йорке, вызвавшей определенный ажиотаж в СМИ. В 1925 году он получил высшую награду на выставке, приуроченной к 150-летию Филадельфии, на экспозиции было представлено около сотни его работ.

Индия – ее значение для творчества живописца

Как только обучение подошло к концу, художник переехал в Индию, где на тот момент уже жила его семья. Там он с тем же рвением, что и в США, активно включился в общественную и культурную жизнь, постигая ее особенности и отдавая дань ее очарованию в своих картинах. Рерих был настолько влюблен в Индию, что считал ее своей второй – духовной – родиной. Гимном любви к этой стране с многовековыми утонченными традициями можно считать многие замечательные по своей внутренней силе полотна автора.

Здесь Святослав Рерих пишет несколько десятков картин уже с колоритом, присущим индийским культуре. Так, в 1933 году он закончил «Портрет Николая Рериха в тибетском одеянии». Это полотно принято считать одним из самых значительных его произведений. Признание по-прежнему сопровождает Рериха, и его полотна, на которых изображены во весь рост Индира Ганди и Джавахарлал Неру – индийские премьер-министры – до сих пор служат украшением Центрального зала, где располагается парламент Индии.

Здесь же, в духовной атмосфере гармонии со всем миром, художник нашел спутницу жизни, которой стала известная индийская киноактриса Девика Рани. Рерих Святослав Николаевич познакомился с ней на съемках фильма, для которого он создавал декорации. Девика Рани стала источником вдохновения для художника и его верным другом и спутником во всех начинаниях.

Портретистика – это то, с чего начал свое становление этот мастер. Благодаря его настойчивости и активному непрекращающемуся саморазвитию ему удалось достичь вершин в этом жанре. Его портреты поражают не поверхностным, внешним сходством, а глубинным соответствием личности того человека, который предстает перед зрителем. По картинам Святослава Николаевича Рериха хорошо виден его подход к созданию портрета, состоящий в том, чтобы создать не просто сходство, а сходство внутреннее, духовное.

Присутствуют среди его произведений и пейзажи, эпические, глубоко символичные полотна. Все они свидетельствуют о мастерстве и виртуозности Святослава Рериха, о его склонности к нестандартным решениям в воплощении своих задумок.

Картины Святослава Николаевича Рериха отличаются исключительным изяществом подачи и лаконичностью. Они максимально точно передают духовный облик человека, его глубинную сущность и характер.

Особенно много среди полотен Рериха Святослава Николаевича портретов его семьи. Однако, несмотря на безусловное влияние личности Николая Рериха на его творчество, этот великий живописец является самобытным автором, чей стиль и техника, перекликаясь с отцовской, представляют собой совершенно иную манеру исполнения.

Когда смотришь на картины Валерия Блохина, кажется, будто реальность начала таять, оставляя за собой только эмоции, цвет и движение. Его живопись — это диалог на грани абстракции, где можно уловить очертания мира, но ощутить нечто большее — настроение, ритм, энергию. Блохин не просто пишет красками — он играет с восприятием, провоцирует чувство и оставляет зрителя наедине с собственными ассоциациями. Кто он — этот художник, чье полотно вибрирует между сном и явью?

Валерий Блохин родился в 1964 в г. Новороссийске.
В 1984 году закончил Краснодарское художественное училище.
С 1987 года — городские, краевые, республиканские, всесоюзные и международные выставки.
С 1990 года — в Союзе художников России.
C 1999 года – почетный член Академии Искусств Чехии им. Масарика, награжден золотой медалью этой же кадемии.
В 2006 году – награжден серебряной медалью Российской Академии Художеств.
С 2007 года – член Творческого союза художников России.

Валерий с детства занимался дзюдо и художеством. Когда первое стало мешать второму, выбрал второе. Бросил дзюдо в Новороссийске, поехав поступать в Краснодарское художественное училище, после того, как закончил местную художественную школу. В Краснодаре никого из знакомых не было. Мама привезла его в город, устроила в школу, сняла квартиру. Здесь уже он заканчивал восьмой класс, готовился поступать в художественное училище.

При этом, жил Валерий в городе сам, без родителей. Приходилось учиться образцово, чтобы не вызывали в школу родителей. А когда проводили в школе родительские собрания, то находил на улице соответствующих прохожих и уговаривал их сходить в школу. Особенно любил подбирать девушек, в качестве сестер. Находил в этом веселье.

Сам Валерий работать начал рано – около семнадцати лет. После армии уже стал работать серьезно. Но были свои проблемы. Частных заказчиков тогда не существовало. Сбыт картин через Художественные галереи шел только по факту пребывания в рядах Союза художников.

Ситуация стала меняться после 1987 года. В ту пору открылся в Краснодаре первый «Арбат» в скверике. Художники работали прямо на глазах у прохожих. Что-то даже стало продаваться. Но и здесь все шло не гладко. Власти «Арбат» переносили по городу из одного места в другое несколько раз. Это очень негативно повлияло на атмосферу в художественном «Арбате», многие художники ушли.

Восточные мотивы в творчестве Валерия Блохина появились в связи с выставочной деятельностью за рубежом. Началось все в 1990 году в Германии, а затем дошло дело и до Индии, Вьетнама, Шри-Ланки. Восток внес в творчество Валерия еще больше цвета, характерного фейерверка костюмов, орнаментов. От первой поездки было много впечатлений. Их группу там много водили, показывали обряды, различные праздники, показывали то, что иностранцам обычно не показывают. И все это под характерную мелодичную восточную музыку. А Валерий любит музыку.

Каждая последующая поездка привносила много новых впечатлений и даже потрясала. Новые эмоции были настолько сильны, что стали основной темой его творчества.

В живописи Валерий Блохин любит цвет. Но пришел к этому не сразу. После училища он был неплохим рисовальщиком. Однако тот уровень творчества был изучен другими вдоль и поперек. Возникла некоторая неопределенность и вопрос: куда идти дальше?

Знакомство с Алексеем Паршковым очень повлияло на молодого художника. Тот порекомендовал не жалеть свои работы и холсты, больше экспериментировать с цветом. И Валерий стал выливать краску на холст, учиться мыслить более абстрактно. А так как работа шла не от фигуры, а от цветового пятна, то и вскоре пришло понимание цвета. Сложилась его особая техника: сначала идут абстрактные пятна, и только потом дописывается реальность. До определенного момента Валерий не знает, что появится на холсте. Ранее он опирался, как и большая часть художников русской школы, на рисунок, карандашный набросок, который затем заполнялся цветом. А сейчас – сначала эмоции, и только затем – детали…

Как пример, Валерий приводит разглядывание стен, в которых имеются небольшие выпуклости, трещины, неровности. Из всего этого вырисовываются фигуры, лица. Это его метод в живописи – поиск в абстрактном реальных вещей.

Часто Валерий настраивается на творчество так – садится, включает музыку – чаще джаз и фольклор — и мысленно начинает путешествовать. Если получается, то приступает к работе. А если настроение не возникает, то за краски не берется. Ведь если без настроения браться за работу — ничего хорошего не выйдет.

Когда смотришь на картины Роберта Бейтмена, кажется, что вот-вот услышишь шорох травы под лапами хищника, плеск воды от крыльев утки или треск льда под медвежьей тушей. Этот канадский художник-анималист — не просто мастер реализма, он настоящий летописец дикой природы. Его работы — это не просто изображения животных, а глубокие истории о выживании, гармонии и исчезающей красоте мира, который мы часто не замечаем. В его картинах столько силы, точности и уважения к природе, что они кажутся по-настоящему живыми.

Robert Bateman — канадский художник-анималист. Он родился в городе Торонто в 1930 году. О своем детстве Robert рассказывает, что он всегда был художником и одновременно натуралистом, потому как все дети любят и природу, и искусство. Но дети взрослеют и когда им исполняется 12-13 лет, то начинают интересоваться «взрослыми» вещами.

А Robert Bateman не достиг своей стадии «взрослого» человека, так как серьезно увлекаться изобразительным искусством и изучением природы именно в 12 лет… Именно тогда Robert нарисовал свой первый рисунок и начал ежедневно рисовать разных птиц, по приходу из школы. Он тогда рисовал в реалистической манере, используя маленькую кисть. Но через несколько лет , испытав влияние друзей, он стал писать в более свободном стиле, уже большой кистью и более ярко.

А Robert Bateman не достиг своей стадии «взрослого» человека, так как серьезно увлекаться изобразительным искусством и изучением природы именно в 12 лет… Именно тогда Robert нарисовал свой первый рисунок и начал ежедневно рисовать разных птиц, по приходу из школы. Он тогда рисовал в реалистической манере, используя маленькую кисть. Но через несколько лет , испытав влияние друзей, он стал писать в более свободном стиле, уже большой кистью и более ярко.

В 1950 году Robert закончил Академический институт в Форест Хилл. Четыре года спустя с отличием окончил по географии Торонтский университет, получил степень бакалавра искусств. Далее Robert взялся за преподавательскую и просветительскую деятельность, при этом не забывал о творчестве. За относительно короткое время пережил увлечение импрессионизмом и постимпрессионизмом в манере Ван Гога. Затем последовал его период кубизма и импрессионистской абстракции. Но на всех этих этапах его продолжала вдохновлять природа, и поскольку он был по своей сути натуралистом, в нем всегда жило стремление к отображению природы с максимальной точностью.

В 32 года Robert Bateman посетил персональную выставку Эндрю Уайета, известнейшего американского художника-реалиста. Эндрю был мастером детализации, при доведении картин всегда пользовался маленькой кистью. Бейтмэн вспоминал, что тогда пришел к выводу, что в этом единственный путь для художника-натуралиста. После осознания этой идеи, он почувствовал себя раскрепощенным.

Так Роберт Бейтмэн обрел свой индивидуальный путь в искусстве, и верен ему до сего дня. Он не ощущает необходимости менять стиль, ведь тот животный мир, которому посвящены его многие картины, он сам по себе бесконечно разнообразен. В нем можно находить бескрайнее вдохновение, неиссякаемый источник новых идей.

На сегодня Robert Bateman является самым признанным и известным художником живой природы. Список его выставок очень длинный. Он продолжает читать свои лекции по искусствам и охране природы, и заслуги Роберта в это деле отмечены высокими государственными наградами. В университете Роял Роудс (Канада) открыт Образовательный центр Роберта Бейтмэна – т.н. «экодом», который идеально вписывается в окружающую среду и не нарушает ее естественного состояния.

У разных народов мира есть свои уникальные технологии, позволяющие создавать удивительные вещи, отражающие географические и культурные особенности местности. Зачастую подобные ремесла, существовавшие на протяжении многих поколений, процветают и сейчас, — и отнюдь не только для того, чтобы мастерить сувениры на потребу туристам. Эти изделия охотно покупают и местные жители.

Той вакайро маори, Новая Зеландия

Народ маори заселил острова Новой Зеландии, по оценкам ученых, в XIII веке. Металлургию маори не освоили, поэтому им приходилось обходиться древесиной, камнем и костью. В работе с этими материалами маорийские мастера достигли совершенства.

После появления в Новой Зеландии европейцев древнее ремесло вакайро пришло в упадок, ведь маори начали массово покупать европейские вещи. Но на волне борьбы за независимость вернулся и интерес к национальным традициям.

Возрождению вакайро в свое время поспособствовал местный политик Апирана Нгата, этнический маори, основавший в 1926 году в городе Роторуа Институт искусств и ремесел маори. Сейчас вакайро процветает: продукцию резчиков скупают не только туристы, но и сами маори, с удовольствием украшающие свой быт резными предметами интерьера. Раз в два года проводится «Рынок произведений искусства маори» (Māori Art Market), в ходе которого ремесленники распродают свою продукцию.

Молас куна, Центральная и Южная Америка

Молас — это ткань ручной работы, создаваемая методом аппликации мастерицами народа куна (гуна) в Панаме и Колумбии. Из этой ткани делают национальные костюмы, которые куна носят в обыденной жизни. Когда-то женщины куна наносили похожие узоры прямо на свое тело. Но после появления в этих краях испанцев аборигены начали покупать у них хлопчатобумажную ткань европейского производства и переносить на нее свои национальные узоры.

Создание молас требует многих часов кропотливой работы. Качество и, соответственно, стоимость оцениваются по числу соединенных вместе слоев разноцветных тканей (от двух до четырех и больше), тонкости шва и сложности рисунка. Чаще всего куна используют геометрические узоры, похожие на свои татуировки.

Также в ходу узоры с изображением животных, птиц и цветов. В последнее время стали появляться и мотивы, позаимствованные из современной поп-культуры. Причем подобные ткани куна делают в первую очередь для своих соплеменников, а не для продажи туристам.

Лакированная посуда Цугару, Япония

Более трехсот лет назад в Японии научились делать посуду, отличающуюся повышенной прочностью и уникальными узорами. Правитель дайме Цугару Нобумаса пригласил лучших японских лакировщиков, которые создавали по его заказу декоративные ножны для самурайских мечей, посуду, ящики для хранения писем, чернильницы и многое другое. Мастера наносили множество тончайших слоев лака на основу из древесины кипариса: чем больше слоев, тем массивнее и прочнее получится изделие.

Для росписи используют несколько видов узоров. Основа: моншанури — черные контуры на темной поверхности и нисикинури — сплетение кругов, узоров и линий. Дополняют их каранури, напоминающие капли дождя, и маленькие кружки нанаконури — похожие на рыбью икру. Комбинируя эти элементы, мастера добиваются бесконечных вариаций узоров.

Минакари Исфахана, Иран

Еще задолго до нашей эры на территории современного Ирана освоили технику эмалирования металла и керамики — минакари (в переводе «помещать в рай»). Мастера стали выводить цветной эмалью на посуде, вазах, женских украшениях и прочих предметах различные узоры и рисунки — сцены пиров, охот, верховой езды и т. д.

Сейчас центр традиционного производства изделий с эмалью — город Исфахан. Процесс весьма трудоемок, проходит в несколько этапов и требует участия нескольких высококвалифицированных ремесленников. Посуда минакари пользуется большим спросом как в самом Иране, так в соседних странах.

Техника вырезания из бумаги Цзянчжи, Китай

Ремесло художественного вырезания из бумаги существует, возможно, уже со II века нашей эры. Оно появилось практически одновременно с изобретением самой бумаги. Изначально рисунки, вырезанные из бумаги, применялись во время обрядов и культовых церемоний — например, для празднования Нового года в храме.

Позже искусство ушло в народ, люди начали создавать в этой технике обереги от злых духов. В Китае есть несколько художественных школ. Самая известная — Цзянчжи. Ее традиции распространены в провинциях Цзянсу и Чжэцзян на востоке страны. Техника Цзяньчжи предполагает вырезание фигур строго из цельного листа бумаги: склеивание и составление из частей, как в аппликации, исключено. Приверженцы этой школы склоняются к естественным формам — они вырезают цветы, рыбы, фрукты, человеческие фигурки. Самые искусные мастера способны вырезать сложные бытовые сценки с большим количеством персонажей.

В 2009 году искусство вырезания из бумаги было включено в список культурного наследия человечества ЮНЕСКО. Бумажные узоры, выполненные в технике Цзяньчжи, в Китае и сейчас широко используются для декора стен, дверей, окон, колонн, зеркал, ламп и фонарей.

Синдские аджраки, Пакистан

В пакистанской провинции Синд существует древняя традиция изготовления аджрака — трехметровой хлопковой шали, окрашенной в багряный цвет и индиго и украшенной черными и белыми узорами.

Их созданием занимаются только мужчины. Ткань подолгу вымачивают в водоемах, а потом отбивают о камни. Затем опускают в жидкий верблюжий навоз, смешанный с содой и красителями, — из-за этого материал приобретает свойства, которые позволяют красителям протравливать ткань, благодаря чему узоры получаются яркими и долговечными.

После отбивки ткань сушат на солнце, а затем начинается штамповка узоров. Рисунок засыпают высушенным коровьим навозом, который оседает на еще сырой краске и придает ей особую стойкость. Ведь будущие аджраки после этого еще вываривают в чане с красителями и стирают в холодной воде в третий раз. Так цвета усиливаются. После последней сушки шаль готова.

В Синде аджраки пользуются большим спросом и у женщин, и у мужчин, и у пожилых, и у молодых, и у богатых, и у бедных. Правда, в последнее время местный рынок заполонили фабричные подделки, изготовленные на станках и покрашенные обычными красителями. Они не имеют той глубины и стойкости цвета, которые присущи настоящему аджраку.

Вампум алгонкинов, ирокезов, криков и си, Северная Америка

Индейские племена широко использовали вампумы (нанизанные на шнуры цилиндрические бусины из раковин моллюсков вида Busycotypus canaliculatus) как минимум с начала XVI века. Вампумы служили для самых разных целей и даже заменяли письменность: комбинируя расположение бусин на шнурах, шифровали сообщения, которые можно было отправлять вместо писем. Из бусин делали пояса-украшения.

Появление в этих краях европейцев привело к тому, что вампум изрядно обесценился, ведь пришельцы активно сбывали туземцам металлические инструменты и стеклянные бусинки промышленного производства. Но ремесло все же выжило, сейчас индейцы считают его символом самоидентификации. Поэтому многие художники из числа коренных народов продолжают создавать пояса вампум, используя традиционные методы и материалы — и современные индейцы их активно носят. В 1998 году племя ункечогов, живущее на юго-востоке Лонг-Айленда, построило небольшую фабрику по производству таких бусин.

Ткани бауле, Центральная Африка

Населяющий центральный и южный районы Кот-д`Ивуара народ бауле занимается земледелием и ремесленничеством. Одежду шьют из ткани собственного производства. Полотно получают из узких полосок, сотканных из хлопковой нити и сшиваемых вместе. Ткань богато украшена орнаментом, каждый узор имеет символическое значение, и может рассказать посвященным целую историю из жизни рода человека, который ее носит.

Истоки ткаческого искусства бауле восходят еще к королевству Ашанти, возникшему в Западной Африке в конце XVII века. Однако это ремесло процветает и сейчас. Ткань бауле используется и в родном регионе, и идет на экспорт, обеспечивая работой многие семьи. Поэтому весьма ходовым товаром в Кот-д`Ивуаре являются ткацкие станки и ингредиенты для получения натуральных красителей.

Зеркала Аранмулы, Индия

В индийском штате Керала есть храмовый город Аранмула, мастера которого более 300 лет хранят секрет изготовления уникальных металлических зеркал. Эти зеркала дают исключительно четкое и точное отражение. Считается, что только они могут отразить истинную суть человека.

История происхождения этих зеркал окутана легендами, а состав сплава долгое время держался в секрете. Несколько семей мастеров передают его из поколения в поколение. В основе сплава — медь и олово. Отражающая поверхность создается путем полировки и сложного процесса травления. Работа очень кропотливая и требует от мастера не только навыков, но и исключительного терпения.

На изготовление одного зеркала может уйти до двух недель. Но затраченные усилия окупаются — в Керале эти зеркала считаются символом процветания и удачи, и их часто дарят по торжественным случаям. Стоят они дорого, но на отсутствие спроса мастера не жалуются.

Зулусские корзины, Южная Африка

Зулусы плетут корзины из пальмовых листьев и окрашивают их в яркие цвета красителями, которые получают путем кипячения корней, ягод, листьев и коры растений. Чтобы корзины из листьев были водонепроницаемыми, мастерам приходится сделать от 180 до 300 стежков на квадратный дюйм.

К середине прошлого века это ремесло почти исчезло из-за повсеместного использования жестяных сосудов и пластиковых емкостей. Однако в конце 1960–х годов шведский миссионер Кьелль Лофрот, желая помочь жителям Квазулу-Натал, где начался голод, основал общество развития традиционных ремесел «Вукани» («Просыпайся и берись за дело»). Он нанял трех пожилых женщин, помнивших искусство плетения, которые стали обучать молодых соплеменников.

Постепенно ремесло возродилось, и корзины вновь начали завоевывать местный рынок. Они широко используются местными жителями в быту и служат непременным подарком молодоженам на свадьбах.

Автор текста:Владимир Веретенников

Лувр, где хранится «Мона Лиза», является всемирно известной сокровищницей искусства, ежегодно привлекающей миллионы посетителей. Хотя «Мона Лиза», несомненно, привлекает всеобщее внимание, истинная красота Лувра заключается в его глубине и разнообразии. Помимо толпы людей, окружающих знаменитый портрет, вас ждет множество шедевров, каждый из которых рассказывает свою уникальную историю и демонстрирует эволюцию искусства на протяжении веков и культур. Давайте отправимся в путешествие, чтобы познакомиться с 14 самыми известными картинами Лувра, вникая в их историю и значение.

Где: Обычно в крыле Ришелье, на втором этаже, зал 818.

Картина «Мадонна канцлера Ролена», выполненная около 1435 года, является краеугольным камнем ранней нидерландской живописи. Ян ван Эйк, мастер масляной живописи, демонстрирует свое непревзойденное мастерство и скрупулезное внимание к деталям в этой культовой работе.

На картине изображен Николя Ролен, канцлер Бургундии, преклонивший колени в молитве перед Девой Марией и Младенцем Христом. Декорация — тщательно выполненный интерьер с захватывающим дух пейзажем, открывающимся из окон. Мастерство Ван Эйка проявляется в замысловатых деталях – богатой фактуре одежды персонажей, тонкой игре света на их лицах и детально переданном пейзаже. Особого внимания заслуживает использование света, создающего ощущение божественного присутствия и освещающего роскошные текстуры и поверхности по всей сцене.

Эта работа выходит за рамки религиозной живописи; это портрет власти. Статус и благочестие Ролена очевидны в его позе и одежде, отражающих социальный и политический ландшафт того времени. Реставрация картины в период с 2021 по 2024 год подчеркнула красоту искусства, а весной 2024 года в Лувре была организована специальная выставка.

2. «Автопортрет с чертополохом», Альбрехт Дюрер

Где: Обычно в крыле Ришелье – 2–й этаж, зал 809.

Этот автопортрет, написанный в 1493 году, когда Дюреру было всего 22 года, демонстрирует его не по годам развитый талант и уверенность в себе, что является поворотным моментом в искусстве эпохи Возрождения. Дюрер был на уровне, сравнимом с Леонардо да Винчи.

На картине Дюрер изображен элегантно одетым, держащим в руках веточку эрингиума (которую часто принимают за чертополох), символизирующую верность. Мастерство Дюрера в технике рисования маслом проявляется в поразительном реализме и детализации — от тонких оттенков кожи до тонко прорисованных складок одежды. Его проницательный взгляд и ракурс в три четверти создают интимную связь со зрителем.

Внешность художника отражает ренессансные идеалы культурного человека, передавая чувство самосознания. Этот автопортрет демонстрирует техническое мастерство Дюрера и подчеркивает его художественную индивидуальность. Ее присутствие в Лувре подчеркивает важность Дюрера как ключевой фигуры, соединяющей традиции Северной Европы и итальянского Возрождения. Он поддерживал контакты с крупнейшими итальянскими художниками своего времени, включая Рафаэля, Джованни Беллини и Леонардо да Винчи.

3. «Пасторальный концерт», Тициан (ранее приписывавшийся Джорджоне)

Где: Обычно в крыле «Денон», 1–й этаж, зал 711 (Государственный зал).

«Пасторальный концерт», который когда-то приписывался Джорджоне, в настоящее время считается ранним шедевром Тициана, датируемым примерно 1509 годом. Это один из краеугольных камней венецианского ренессанса, представляющий творчество основателей этого движения.

Не пропустите: Опасные туристы: Почему музеи Парижа переполнены?
На картине изображены двое элегантно одетых молодых людей, беседующих на фоне безмятежного, залитого солнцем пейзажа, в сопровождении двух обнаженных женских фигур, напоминающих муз поэзии и музыки. Загадочная аллегория завораживала зрителей на протяжении веков. Одна женщина наливает воду из хрустального кувшина, а другая играет на флейте.

Позже Мане шокирует Париж, поместив современных обнаженных женщин рядом с современными джентльменами в своей картине “Завтрак на траве”, превратив эту ренессансную аллегорию в социальный комментарий. Сегодня это шедевральное произведение продолжает очаровывать зрителей гармоничным сочетанием реализма и поэтической аллегории.

4. «Меняла и его жена», Квентин Массейс

Где: Обычно это крыло Ришелье, 2–й этаж, зал 814.

Эта картина Квентина Матсиса, написанная в 1514 году, является прекрасным образцом искусства фламандского Возрождения. Она демонстрирует внимание Матсиса к деталям и его способность придавать повседневным сценам глубокий моральный смысл.

На картине изображены меняла и его жена, тщательно взвешивающие и пересчитывающие монеты. Тщательная передача Матсисом текстур и поверхностей, от сверкающего металла монет до мягкого меха рукавов, демонстрирует техническую виртуозность фламандской живописи.

Помимо реалистичности, картина несет в себе моральный и религиозный подтекст. Раскрытый молитвенник и озабоченность пары деньгами указывают на конфликт между мирскими и духовными заботами. Картина призывает задуматься об искушениях жадности и важности духовных ценностей.

5. «Женщина перед зеркалом», Тициан

Где: Обычно в крыле Denon, на 1–м этаже, в зале 711 (Государственный зал).

«Женщина перед зеркалом» (фр. «La Femme au miroir») — свидетельство мастерства Тициана в изображении красоты эпохи Возрождения. Созданная около 1515 года, она запечатлела момент интимного размышления: золотистые волосы героини ниспадают каскадом на изумрудное бархатное платье, когда она изучает свое лицо.

Картина вызвала бурные споры своего времени, и Тициан продемонстрировал, как живопись может превзойти скульптуру, изображая несколько точек зрения одновременно. Работа Тициана также известна в истории искусства, поскольку ее интерпретация учеными до сих пор остается предметом споров. Некоторые видят в этом размышление о тщеславии, аллегорию благоразумия или торжество любви и красоты. Некоторые видят в этом визуальную метафору брака, в то время как другие интерпретируют это как сложное утверждение о природе видения и того, что тебя видят.

Работы Тициана часто остаются незамеченными посетителями из-за популярности «Моны Лизы», но это квинтэссенция мастерства художника и культурных нюансов эпохи Возрождения. Тициан, вероятно, родился в 1488 году, через 5 лет после Рафаэля, но умер в 1576 году, в возрасте 88 лет, через 56 лет после него.

6. «Портрет Бальдассаре Кастильоне», Рафаэль

Где: Обычно крыло Денона занимает 1–й уровень – зал 712 (Большая галерея).

На этом мастерском портрете, написанном Рафаэлем в 1515 году, изображен Бальдассаре Кастильоне, выдающийся итальянский дипломат, военный и писатель. Картина известна своим глубоким изображением и технической виртуозностью, воплощая идеалы Высокого Возрождения.

Рафаэль представляет Кастильоне в трехчетвертном ракурсе, который смотрит прямо на зрителя с безмятежным выражением лица. Идеальный баланс и гармония композиции, а также приглушенная цветовая палитра создают ощущение сдержанной элегантности, отражающей утонченный характер Кастильоне.

Портрет особенно важен своей психологической глубиной, он отражает не только физическое сходство Кастильоне, но и его интеллектуальные и духовные качества. Это согласуется с работами самого Кастильоне об идеальном придворном эпохи Возрождения. Картина оказала глубокое влияние на более поздних художников, послужив образцом для многих последующих портретов и продемонстрировав непревзойденную способность Рафаэля передавать внешний облик и внутреннюю сущность своих персонажей.

7. «Весна», Джузеппе Арчимбольдо

Где: Обычно в крыле «Денон», 1–й уровень, зал 712 (Большая галерея).

«Весна» Джузеппе Арчимбольдо, написанная в 1573 году, является ярким примером оригинального и причудливого стиля художника. На этом портрете, входящем в его знаменитую серию “Времена года”, изображена человеческая голова, полностью состоящая из весенних цветов и растений.

Не пропустите: Самые лучшие музеи истории викингов в Норвегии
Тщательное внимание Арчимбольдо к ботаническим деталям проявляется во множестве точно прорисованных цветов, которые формируют черты фигуры. Картина демонстрирует уникальную способность художника сочетать натюрморт с портретом, создавая одновременно реалистичный и фантастический образ.

Эта работа отражает интеллектуальный климат позднего Возрождения с его интересом к естественным наукам и визуальным головоломкам. Инновационный подход Арчимбольдо повлиял на художников-сюрреалистов столетия спустя. “Весна” демонстрирует не только техническое мастерство художника, но и его остроумие и фантазию, предлагая зрителям восхитительный визуальный парадокс.

8. «Габриэль д’Эстре с сестрой», неизвестный художник

Где: Обычно это крыло Ришелье, 2–й этаж, зал 824.

«Габриэль д’Эстре с сестрой» — известная картина, написанная примерно в 1594 году, приписываемая неизвестному художнику, но явно относящаяся ко Второй школе Фонтенбло, периоду позднего маньеризма, завершавшему французское возрождение с 1594 по 1617 год.

Картина знаменита своим интригующим изображением Габриэль д’Эстре, любовницы французского короля Генриха IV, рядом с одной из ее сестер. Интимный момент, запечатленный на картине, раскрывает тонкий символизм, особенно жест сестры, щиплющей Габриэль за сосок, намекая на тему плодородия.

Картина отражает придворную жизнь и художественные пристрастия конца XVI века. Это замечательный образец портретной живописи французского Ренессанса, сочетающий эротизм с политическим подтекстом. Посетители Лувра переносятся в эпоху, когда искусство переплеталось с властью и индивидуальностью.

9. «Гадалка», Караваджо

Где: Обычно крыло Денона занимает 1–й уровень – зал 712 (Большая галерея).

Эта ранняя работа Караваджо, написанная около 1594 года, демонстрирует революционный подход художника к живописи и его мастерство владения светотенью. На картине изображен молодой человек, которому цыганка-гадалка гадает по ладони, а тот тайком снимает кольцо с пальца.

Новаторское использование Караваджо драматического освещения и его акцент на психологическом взаимодействии персонажей ознаменовали отход от идеализированного искусства позднего Возрождения. Реализм картины и выбор современного уличного сюжета были новаторскими для своего времени. Внимание Караваджо к деталям проявляется в разнообразии фактур и тонкой игре выражений, приглашая зрителя разгадать историю обмана, разворачивающуюся перед ним.

10. «Коронация в Сен-Дени», Питер Пауль Рубенс

Где: Обычно это 2–й этаж в крыле Ришелье, зал 801 (Галерея Медичи).

Эта монументальная картина 1625 года, написанная по заказу в рамках цикла о Марии Медичи, является самой известной из 24 картин этого цикла, которые представлены в отдельном зале Лувра.

На огромном шедевре запечатлена коронация Марии Медичи в аббатстве Сен-Дени, где кардинал де Жуайез возлагает корону. Виртуозная работа художника со светом и цветом, особенно с роскошными красными и золотыми оттенками, подчеркивает священный и царственный характер церемонии.

Динамичная спиральная композиция и тщательное внимание к деталям – от сверкающих церковных облачений до величественной готической архитектуры – превращают этот исторический документ в визуальный праздник.

Коронация, состоявшаяся 13 мая 1610 года, приобрела трагическое значение, когда на следующий день был убит король Франции Генрих IV, что привело к регентству Марии над юным Людовиком XIII. Эта внезапная смена власти вызвала устойчивые слухи о ее причастности к смерти короля, хотя историки по-прежнему расходятся во мнениях относительно теории заговора.

Этот шедевр Питера Пауля Рубенса демонстрирует замечательную композицию, которая позже вдохновила Жака-Луи Давида на создание знаменитой картины “Коронация Наполеона”.

11. «Мученичество святого Себастьяна», Жорж де Латур

Где: Обычно это 2–й этаж 912–й зал в крыле Сюлли.

Эта картина, написанная между 1634 и 1643 годами, демонстрирует мастерство Жоржа де Латура в области светотени и его уникальный подход к религиозной тематике.

На картине изображены Святая Ирина и ее служанка, ухаживающие за ранами святого Себастьяна, который был ранен стрелами. Бросается в глаза характерное для Де Латура использование драматического освещения: сцена освещается единственным невидимым источником света, создающим мощный контраст между светом и тенью. Композиция удивительно проста, но в то же время мощна: фигуры образуют треугольную группу на темном фоне.

Внимание Де Латура к деталям проявляется в реалистичном изображении ран Себастьяна и тщательной передаче текстуры ткани. Эта картина демонстрирует способность художника сочетать религиозную тематику с глубоко человеческим и чутким подходом, создавая духовно глубокое и эмоционально резонансное произведение.

12. «Автопортрет Рембрандта за мольбертом», Рембрандт

Где: Обычно это крыло Ришелье, 2–й этаж, зал 844.

Этот очаровательный автопортрет, написанный Рембрандтом около 1660 года, является шедевром самоанализа и технического мастерства. Это одна из самых известных картин Золотого века Голландии.

На картине, созданной в конце карьеры художника, Рембрандт изображен за работой, стоящим перед мольбертом с кистями и палитрой в руках. Насыщенные, землистые тона и свободный, выразительный мазок характерны для зрелого стиля Рембрандта.

Картина примечательна своей психологической глубиной и тем, как художник уверенно передает самого себя. Лицо Рембрандта выходит из тени, освещенное мягким светом, подчеркивающим его обветренные черты и проницательный взгляд.

Этот автопортрет является глубоким размышлением о жизни, карьере и художественном творчестве художника. Это свидетельствует о неизменном увлечении Рембрандта автопортретом, жанром, в котором он был пионером и мастером, и оставил после себя визуальную автобиографию, охватывающую всю его карьеру.

13. «Клятва Горациев», Жак-Луи Давид

Где: Обычно в крыле Denon, 1–й этаж, зал 702 (Salle Daru).

Эта картина, являющаяся квинтэссенцией неоклассического искусства 1784 года, воплощает в себе такие добродетели, как патриотизм и самопожертвование, оказав влияние на поколения художников. Клятва Горациев — это символ революционных настроений в дореволюционной Франции.

На картине изображена сцена из римской истории: три брата клянутся на своих мечах сражаться за Рим, в то время как женщины скорбят, предвидя трагический исход. Дэвид использовал композицию, напоминающую фриз, с фигурами, расположенными параллельно плоскости картины, что создает ощущение монументальности. Четкая скульптурная прорисовка фигур и акцент на линии, а не на цвете, являются отличительными чертами неоклассического стиля. Строгая композиция картины и эффектное освещение оказали влияние на поколения художников.

14. «Великая одалиска», Жан Энгр

Где: Обычно в крыле Denon, на 1–м этаже, в зале 702 (Salle Daru).

Эта работа в стиле ориенталистики, написанная в 1814 году, демонстрирует отход Жана-Огюста-Доминика Энгра от строгой анатомической точности в пользу чувственности и экзотики.

На картине изображена наложница в окружении гарема. Намеренное искажение фигуры Энгром, особенно удлиненной спины, вызвало споры, но также и восхищение ее изящными, извилистыми линиями. Богатые ткани, павлиний веер и тюрбан создают экзотическую атмосферу, отражая европейское увлечение Востоком в 19 веке. Эта картина остается ключевой в обсуждении ориентализма и женской обнаженной натуры в западном искусстве.

Изучая эти 14 замечательных картин, посетители могут глубже оценить художественное разнообразие Лувра, эволюцию истории искусства и способность искусства отражать и формировать человеческий опыт. Лувр предоставляет уникальную возможность прикоснуться к прошлому, поучиться у мастеров и вдохновиться красотой и сложностью человеческого творчества.

Царственные коты и Ренессанс — это идеальная комбинация в изобразительном искусстве. Никогда еще котики не выглядели так помпезно и по-королевски, как на картинах японского художника Токухиро Каваи (Tokuhiro Kawai). Это классика котизма!

Тохукиро Каваи — японский современный художник, который больше всего известен своими картинами величественных кошек. Этой серией он превознес котов до небес, изобразив их королевскими персонами исполинских размеров.

Несмотря на всю серьезность концепции, каждая работа этой серии вызывает улыбку, потому что перед нами все те же коты, которыми нельзя не умиляться.

Черпая вдохновение из живописи эпохи Возрождения, Тохукиро создает совершенно уникальный визуальный стиль, полный мифов, легенд и фантазий.

«Каваи подходит к работе над такой хрупкой связью между историей и картиной, чтобы воссоединить их. Поскольку религия и божественное на данный момент менее связаны с нашим современным обществом, Каваи дополняет тему своим собственным воображением, — говорится на официальной странице художника.