Акварель. Подборка шедевральных работ Стива Хэнкса

Акварель не зря называют самой капризной и непослушной краской. Её трудно хранить, с ней трудно работать,она непредсказуема и требует от художника максимального контроля. Зато те, кто овладел техникой рисования акварелью, знают секрет создания по-настоящему шедевральных работ, глядя на которые, невольно задаешься единственным вопросом: «Кому они продали душу, чтобы так рисовать?».


Стив Хэнкс - один из известнейших американских художников, работающих в технике акварель. Родился в семье военных в Сан-Диего в 1949. Всё свое детство провел на побережье Калифорнии. После того, как его семья переехала в Нью-Мексико, вдали от океана и друзей, он нашел себя в живописи. Позже окончил Калифорнийский колледж искусств и ремесел в Окленде. Стив завоевал многочисленные награды и премии. Например, в США в период с 1994 по 1996 год он считался лучшим художником. Более 170 картин включены в его книгу, которая получила признание даже среди критиков. В настоящее время художник проживает в Альбукерке, штат Нью-Мексико, вместе с женой и тремя детьми.

Все его работы невероятно реалистичны. Настолько реалистичны, что многие могут подумать, тут без фотошопа не обошлось. И все-таки, все работы мастер создает кистью и красками. Сам Стив Хэнкс - работающий в технике акварели, называл свой стиль "эмоциональным реализмом"... "Искусство исходит из глубокого внутреннего чувства направления. Оно начинается с переосмысления своей собственной жизни, с поиска источника ее импульсов и попытки разгадать ее тайны. Я считаю себя эмоциональным реалистом. Эмоции - это то, что я хочу изобразить. Реализм - просто мой способ это делать". Его любимые темы - женщины. Он говорит, “ Женщины занимают отдельную нишу в моей чувствительности. Они выражают большее количество чувств. Имеется много волшебства в них. ” Их портреты отражают насыщенность и невинность. Пристально глядят ли они из окна, или опираясь на диван".






























Поделись
с друзьями!
885
3
21
3 дня

Гиперреалистичная живопись. Художник Игаль Озери

Нью-йоркский художник Игаль Озери (Yigal Ozeri) родился в Израиле. В его стиле живописи так много гиперреализма, что картины с высочайшим уровнем детализации ошеломляют. Нужно внимательно присмотреться к полотнам, чтобы поверить, что мастер кропотливо выводил их кистью, а не снимал на цифровую фотокамеру. Игаль Озери больше всего известен кинематографическими портретами молодых женщин. Его картины выставляют на выставках по всему миру.


На протяжении более 25 лет талантливый израильский художник Игаль Озери (Yigal Ozeri) раздвигает границы фотореалистичной живописи, создавая крупномасштабные масляные картины красивых женщин, запечатлённых на просторах солнечных ландшафтов. В отличие от современных мастеров гиперреализма, которые отнюдь не всегда копируют повседневную реальность, Игаля Озери причисляют к мастерам фотореализма, так как художник работает исключительно с фотографиями и не рисует с натуры.


Художник работает с большой группой помощников, которые производят фотосъёмку моделей на природе. По достижению желаемого результата, отражаемого на фотографии в виде наилучшей позы модели, правильного света и других аспектов, начинается работа самого Игаль Озери. Практически невидимые мазки художника превращаются в потрясающие реалистичные портреты, гармонично переплетающиеся со спокойными пейзажами.


В настоящее время Игаль Озери живёт и работает в Нью-Йорке; за многолетнюю карьеру его работы приняли участие в многочисленных выставках как на родине, так и за рубежом. Кроме того, его работы находятся во многих престижных постоянных коллекциях по всему миру, включая музеи современного искусства в Израиле, Сан-Диего, Музей американского искусства Уитни и в других не менее значимых учреждениях.


«Моя идея состоит в том, чтобы создавать не зеркальные отражения действительности, чего и добиваются фотореалисты, а чтобы отражать пространство между миром высокой чёткости (реальности) и фантазией. Мои образы должны быть прочитаны, как если бы они были стихами или сонетами. Добиваясь этой цели, я уделяю особое внимание работе над интенсивностью света, а также предпочитаю, чтобы композиции изобиловали деталями. По сути, мои работы находятся под влиянием прерафаэлиты — художников Данте Габриэля Россетти и Джона Эверетта Милле».














Поделись
с друзьями!
869
7
11
13 дней

Метаморфические картины Октавио Окампо

Октавио Окампо (Octavio Ocampo) родился в семье мексиканских художников и дизайнеров в 1943 году в городе Селая. Он с детства изучал искусство, образование получил в Школе живописи и скульптуры, затем в Художественном институте Сан-Франциско. На этапе поисков себя работал художником-декоратором в театре и кино, создал декорации к более 120 мексиканским и американским фильмам.


Октавио Окампо – представитель стиля метаморфоз, очень близкого к испанскому сюрреализму, родоначальником которого был Сальвадор Дали. Окампо пишет картины-иллюзии со скрытыми изображениями и бесконечными смыслами. Игрой воображения мастер сплетает реалистические и метафорические детали в неповторимые картины с зашифрованными образами. Немалое место в его творчестве занимает католическая символика.

«Я называю свой стиль «метаморфическим», потому что когда вы смотрите на мои картины, они переходят от одного изображения к другому. Моя философия в том, что мы живём в разных вселенных, параллельных друг другу. Вселенная и философия – вот мой стиль...», – говорит художник.


Окампо популярен и как портретист. Наиболее известны его портреты таких известных личностей как Джимми Картер, Хосе Лопес Портильо, Мигуэль Алеман Вальдес, Сезар Чавес, Джейн Фонда и Шер (портрет использовали для обложки альбома «Heart Of Stone»). Работы Октавио Окампо демонстрируют в персональных и коллективных выставках по всему миру. В родном городе художника создали музей его имени.


































Поделись
с друзьями!
775
6
18
18 дней

Картины болгаро-американского художника Ivan Pazlamatchev

Иван Пазламачев (Ivan Pazlamatchev) — болгаро-американский художник. Родился в 1968 году. Образование получил в Школе изобразительного и прикладного искусства, София, Болгария, где учился с 1982 по 1987 год. Затем в Колледж Санбридж, Честнат-Ридж, Нью-Йорк, где учился с 1992 по 1995 год.


Иван Пазламачев - верный поклонник фигуративной традиции. Его картины погружены в аллегорические повествования и композиционные напряжения, с современной интерпретацией, подкрепленной классическим обучением, полученным в престижной Школе искусств в Софии, Болгария. Обладая более чем 30-летним опытом работы в качестве художника, Иван выставлялся в галереях и музеях Европы и по всему Восточному побережью Соединенных Штатов.


"В своих нынешних картинах я начал с того, что уделил пристальное внимание лицу. Оно — наше зеркало для мира. В картинах я раскрываю свои секреты, настроения, мысли, желания, рассказывая историю человека, на которого вы смотрите так, как будто он находится близко.

Когда есть тема, я создаю дверь для глаз, чтобы в неё можно было войти. С самого начала это казалось нереальным, поэтому я придумал хитрую уловку — в основном полосы, но также пузыри и вуали. Это придавало лицу частичную дымку, в которой оно плавало. Это выдвинуло вперед поверхность картины и оставило глубину доступной только для лица.

Затем моя любовь и интерес к повествованиям в картинах классического искусства дали мне еще одну возможность дополнить историю. С двусторонним вариантом. Интерпретация предмета из классической картины, помогающая объяснить лицо и лицо, отвечающее взаимностью. В некоторых работах повествование прерывается объектами, взаимодействующими с лицом."













Источник: artsy.net
Поделись
с друзьями!
457
3
8
23 дня

Красивые девушки на гиперреалистичных портретах турецкого художника Мусы Челика

Турецкий художник Муса Челик рисует великолепные портреты в технике фотореализм, используя лишь простой карандаш. Посмотрите на его нежные и абсолютно живые работы. Кажется, что они прямо сейчас начнут разговаривать!


Муса Челик (Musa Çelik) — художник из Турции, родившийся в Алании. Окончил факультет изобразительного искусства в университете. Работал учителем рисования, а затем решил сосредоточиться на дизайне. Имеет множество национальных и международных наград.











Источник: www.facebook.com
Поделись
с друзьями!
1287
3
37
28 дней

Автопортрет - познание себя через поиск внутреннего мира

Автопортреты писали не только художники-портретисты. Познание мира через исследование собственного образа широко распространено среди мастеров кисти всех времен.


Подвид портрета, автопортрет осмелился выйти на арену творчества художников во времена Ренессанса, Возрождения. Название жанра «автопортрет» происходит от двух слов — «автор» и «портрет», то есть автопортрет — портрет самого себя.

Автопортрет в выпуклом зеркале Франческо Пармиджанино 1524, 24.4×24.4 см

Некоторые художники написали множество автопортретов, другие помещали собственное изображение в групповые картины.

Собственно, градации разновидностей автопортрета не так много. Часто художники изображают себя за работой, с кистью и красками, пишущими картину — такой автопортрет условно можно назвать профессиональным.

Автопортрет в соломенной шляпе Элизабет Виже-Лебрен 1780-е

Проникновение в глубины личного сознания, выраженного художником на полотне, можно назвать личностным автопортретом.

Автопортрет между часами и кроватью Эдвард Мунк 1943, 149.5×120.5 см

Поскольку собственное лицо — самая доступная мастеру натура, автопортреты художников встречаются в групповых картинах. Мастера изображали себя в качестве персонажей картин на историческую, библейскую или мифологическую тему, помещали себя в групповых изображениях вместе с друзьями или членами семьи.

Одним из первых художников, изобразивших себя в групповом портрете, был итальянец Томазо Мазаччо. Его автопортрет (1425) изображен на росписи в капелле Бранкаччи. Считается также, что Сандро Боттичелли изобразил себя на картине «Поклонение волхвов»: обратите внимание на фигуру справа.

Поклонение волхвов Сандро Боттичелли 1475, 111×134 см

Искусствоведы долгие годы пытаются выяснить, является ли знаменитая «Мона Лиза» своеобразным автопортретом Леонардо да Винчи?


Автопортрет, помимо всего прочего — ценнейший исторический документ, отражение отношения художника к окружающему его миру и обществу, отражение его социальных ценностей. Свои образы оставили потомкам Рафаэль Санти (1483—1520), Микеланджело Буонарроти (1475—1564), Тициан Вечеллио (1477—1576).

Автопортрет Рафаэль Санти 1506, 47.3×34.8 см

Стремясь передать самую сущность портретируемого, его глубокие внутренние стремления, потаенные мысли, художники, как правило, старались «разговорить», узнать получше свою модель. Что же касается автопортрета, изображения себя самого — этот опыт для многих из них становился достаточно тяжелым личным переживанием, ни с чем не сравнимым опытом. Заглянуть в собственную душу, откровенно изобразить свою натуру, которую многие люди стараются прятать как можно глубже… Пожалуй, автопортрет для художника — это всегда испытание, акт самопознания — дело нелегкое, но очищающее. Также по автопортрету судят о творчестве художника в целом: насколько он откровенен в своих работах, хотя мало кто из людей бывает до конца честен с самим собой.

Автопортрет в возрасте 13 лет Альбрехт Дюрер • Графика, 1484, 27.5×19.6 см

За туалетом. Автопортрет Зинаида Евгеньевна Серебрякова • Живопись, 1909, 75×65 см

Известные художники — мастера автопортрета: Альбрехт Дюрер, Рембрандт, Орест Кипренский, Иван Крамской, Поль Сезанн, Ван Гог, Фрида Кало, Зинаида Серебрякова, Михаил Сарьян, Фернандо Ботеро.
Источник: artchive.ru
Поделись
с друзьями!
460
2
6
1 месяц

Медитативные картины Jane Small, написанные пчелиным воском

Jane Small - английская художница. Она не просто рисует красивые картины. Дело в том, что ее картины воистину необычны. Эти картины нарисованы пчелиным воском. Никогда бы не подумал, что можно рисовать картины воском, но это выглядит очень красиво.


Jane Small специализируется на медитативных романтических картинах, часто мистического и духовного содержания: "Моя жизнь сосредоточена на том, чтобы сделать как можно более открытой окружающую нас атмосферу таинственности и чем больше я пишу, тем больше склоняюсь к тишине и одиночеству. Много раз зрители говорили мне, что мои картины вызывают чувство спокойствия, комфорта, надежды, связности или очарования".











Поделись
с друзьями!
682
3
11
1 месяц
Уважаемый посетитель!

Показ рекламы - единственный способ получения дохода проектом EmoSurf.

Наш сайт не перегружен рекламными блоками (у нас их отрисовывается всего 2 в мобильной версии и 3 в настольной).

Мы очень Вас просим внести наш сайт в белый список вашего блокировщика рекламы, это позволит проекту существовать дальше и дарить вам интересный, познавательный и развлекательный контент!