Один из признанных ведущих художников неоимпрессионизма. Считается мастером заколдованного пейзажа. Избран пожизненным консультантом Азиатской школы художников в Гонконге, член Азиатского общества искусств, а также Института Восточного Искусства. Китайский художник, проживающий сегодня в Сан-Франциско США — Ken Hong Leung.

Родился Кен Хонг Люн в Кантоне 14 мая 1933 года. Обладатель многих наград и отличий, участник многих выставок, практически по всему миру, его работы опубликованы во многих мировых печатных изданиях. Многие произведения опубликованы в виде открыток интерьерной печати.

После переезда в 49 году, его пейзажи рыбацких деревушек и прибрежные пейзажи, стали сенсацией в художественном мире Гонконга. Что позднее позволило автору открыть свою собственную галерею.

В 1979 годуКен, перебирается в Соединенные Штаты. Там, в Калифорнии, со своей семьёй и двумя коллегами-художниками, открывает свою галерею в Leung. Позднее организовывают Leung Studio, занимающейся издательством журнала Giclee с ограниченным тиражом.

Ольга Николаевна Одальчук родилась 25 апреля 1961 года в г. Новокузнецк, Россия. В 1982г. закончила Новосибирское художественное училище, отделение живописи.

В своём творчестве она отдаёт преимущество реалистическому стилю живописи.

Творческий путь Грэма Геркена охватывает более четверти века: его вдохновенные масляные пейзажи, созвучные шедеврам классического импрессионизма, неизменно собирают аншлаги на выставках и удостаиваются высших художественных наград.

Австралийский художник Грэм Геркен (Graham Gercken) родился в 1960 году в Квинсленде, но большую часть жизнь провёл к западу от Сиднея, в районе Голубых гор, причисленных к объектам всемирного наследия ЮНЕСКО. Природная красота этого региона вдохновила Грэма стать художником-пейзажистом.

Свои первые картины он продавал туристам, приезжавшим на автобусах к скальному образованию «Три Сестры». Успех воодушевил Грэма и он полностью посвятил себя живописи. Профессионального художественного образования художник не получил, но в 2003 году отправился в Китай, где провёл четыре года, обучаясь технике рисования чернилами у азиатских мастеров.

В своих картинах Геркен яркими красками передаёт величие, красоту и покой природы зелёного континента.

Мы собрали очень интересную галерею работ, которые покажут нам не столько танец в картинах художников, сколько внутреннюю атмосферу праздника, центральным действием которого стал танец.

В переводе с японского «бонсай» означает «растение в плоском сосуде» (бон — контейнер, сай — дерево). Слово «бонсай» означает не просто карликовое растение, а целую культуру выращивания растений в неглубоком контейнере. Как и остальные виды восточного искусства, бонсай в Японии — это целая философия, требующая от человека определенных личностных качеств: мудрости, доброжелательности, деликатности, справедливости, терпения. Мастера бонсай могут воссоздать образ мощного тысячелетнего дерева, сформировать пейзаж густого леса, гор и ущелий, морского берега — и все это на маленьком кусочке земли. При правильном уходе бонсай может прожить сотни лет и стать живым символом, связующим поколения.

Искусство бонсай насчитывает более двух тысячелетий. Несмотря на то, что слово «бонсай» японское и обозначает «растение в горшке/на подносе», зародилось это явление на территории современных Вьетнама и Китая. Сам термин «бонсай» произошел от японского произношения изначально китайских иероглифов «пэнь-Цзай», что в переводе означает «дерево в чаше». Первые изображения миниатюрных ландшафтов с деревцами и камнями датируются временем правления династии Хань — 200 годом до н. э. Только те первые творения были целыми пейзажами в миниатюре, где горные склоны вырезались из дерева, а на них «росли» крошечные деревца из драгоценных металлов. Именно эти композиции привозили с собой в качестве даров буддийские монахи, возвращающиеся в Японию из дипломатических миссий в VII-VIII веках нашей эры.

Примерно в это же время в Китае начинают эксперименты по выращиванию миниатюрных деревьев в горшках. Китайцы верили, что при правильном использовании всех пяти элементов (воды, земли, воздуха, огня и металла – базовых элементов мироздания) они смогут воссоздать уменьшенную копию природы, и наделяли эти растения магическими свойствами. Первый «живой» бонсай попал в Японию в конце XII века (сохранилось изображение 1195 года) как одно из чудес чань-буддизма (дзен-буддизм в Японии). И на многие века выращивание миниатюрных растений стало уделом буддийских монахов. Овладев методами китайских коллег, японцы начали развивать собственные техники. Для них бонсай стал символом единения и гармонии между духом, человеческим телом и природой. Сложные навыки, натренированная интуиция и терпение, необходимые для успешного создания бонсая, стали одним из способов медитации.

Вскоре эти растения уже считались важным элементом японского сада, а к XIV веку ими заинтересовалась также знать. Постепенно восприятие сместилось от религиозной философии в сторону искусства. Бонсай стал символом хорошего вкуса, престижа и даже чести. Из сада он попадает внутрь японского дома, где ему отводят особое почетное место – в токонома. Это специальная ниша, которая является важной архитектурной деталью японского чайного дома. В нее помещают бонсай или икебану и вешают свитки с мудрыми каллиграфическими изречениями.

Вокруг бонсая начинает формироваться своя особая эстетика, выделяют отдельные элементы, которые наделяют значением и характеристиками. Он приобретает знакомые нам современные черты. Так как же нужно любоваться бонсаем, если вы знаток?

Бонсай – это не только само растение, но вся композиция целиком, важными элементами которой являются также горшок хати и декоративные камни суйсэки, которые сами по себе – полноценные формы искусства. Мастерство создавать композиции из камня развивалось вместе с чайной церемонией и икебаной, и часто эти практики являлись неотделимыми друг от друга. Коллекционирование камней было популярным хобби, и особо редким экземплярам даже присваивались имена. До сих пор декоративные камни – это дорогой и изысканный подарок в Японии, который свидетельствует не только о достатке, но также об образованности и утонченном вкусе.

Важно отметить, что бонсай – это не сорт растения, а именно техника выращивания различных деревьев или кустарников. Если высадить бонсай в открытый грунт, он вырастет до нормальной величины.

Некогда эта сосна, украшающая сад Золотого Павильона в Киото, была любимым бонсаем сегуна Ёсимицу Асикага. После смерти сегуна, согласно его завещанию, деревце высадили в грунт. Сейчас эта 600-летняя сосна по размеру мало чем отличается от своих собратьев в дикой природе. Считается, что сегун Асикага в XIV веке самолично придал сосне форму корабля, рассекающего своим корпусом морские волны. Эта форма тщательно поддерживается и по сей день.

При любовании бонсаем глаза смотрящего должны находиться вровень с корнями растения, крона – возвышаться над головой так, как это было бы с растением, будь оно в полную величину. Вначале смотрящий охватывает взором все растение целиком: его размер, форму, тип, а затем начинает изучать отдельно каждый из элементов.

Нэбари – видимая часть корня. Именно с корней начинается любование бонсаем. В них сосредоточена жизненная сила растения и чем старше бонсай, тем сильнее корни выступают на поверхность. Их выпуклости, вздутости, шероховатость и лоск, а также замысловатые переплетения – все становится предметом пристального изучения знатоков. Особое восхищение вызывают хаппо-нэбари – корни, разросшиеся во всех направлениях и как бы образующие переплетающиеся лучи вокруг ствола. Очень красивым считается корень, поросший мхом. Этого эффекта сложно достичь, так как мох требует много влаги, но ее избыток может погубить растение.

Татиагари – нижняя часть ствола, между корнями и до первой ветки. Здесь внимание смотрящего фокусируется на толщине ствола и на фактуре древесной коры. Ее цвет и свойства зависят от сорта растения, наиболее очаровательной считается кора японской сосны, которая с возрастом образует видимые слои.

Этой иезской ели, по приблизительным подсчетам, уже более тысячи лет. В ее поросшем мхом стволе образовалась сквозная дыра, а испещренная трещинами и наростами кора напоминает морщины и кожные образования у стариков. Это один из самых древних образцов бонсая в мире.

Эдабури – ветви и крона целиком. Здесь важна форма и баланс. Существует много разных техник, чтобы придать растению желаемый облик. Большинство из них сейчас достигаются с помощью надлома веток и специальных проволочных конструкций. В старину больше ценились естественные способы формирования кроны, но сейчас эти умения утеряны. Ветки особенно важны для бонсаев из лиственных деревьев, которые оголяются зимой и потому становятся более заметными.

Ха – листья. Как правило, именно листья формируют первое впечатление о бонсае. Их характеристики могут сильно отличаться даже у растений одного вида, не говоря уже о разнице между вечнозелеными хвойными деревьями и лиственными. Разнообразные виды японских кленов момидзи знамениты богатой палитрой от золотисто-желтых оттенков до глубокого багрянца. Именно они создают ту самую алую осень, которой так славится Япония.

Дзинсяри – это свойство присуще лишь некоторым видам растений, в частности, японской сосне мацу и можжевельнику симпаку, с возрастом у них начинает образовываться на коре дефект – выразительная белая, подобная коже, поверхность, ярко контрастирующая с зеленой листвой. Отмершие концы веток называются дзин, а сяри – это повреждение на стволе.

Особо ценным бонсаям дают имена. Эту 350-летнюю белую сосну зовут Сэирю, то есть Голубой Дракон. Ее ствол, подобно великому дракону, изгибается, словно готовится взлететь в небо. Сяри вдоль всей нижней части ствола гладкой белой поверхностью напоминает брюхо дракона, покрытое влагой от полета над морем, а темная шероховатая кора – это его спина, покрытая чешуей. Меж хвойных игл, как в роскошной гриве, играет ветер. Длина растения 1,6 м, и это один из наиболее выразительных образцов искусства бонсай.

Итак, древнее искусство, родившееся в Китае и достигшее совершенства в Японии, активно завоевывает Европу и Америку. Это и мода, и бизнес, и серьезное увлечение, стиль жизни, способ достижения гармонии с собой и миром. Бонсай идеален тем, что не занимает большой площади, но доставляет массу приятных эмоций, связанных с наблюдением за необычным растением, с которым, происходят превращения в зависимости от времени года. Бонсай является повторением взрослого или старого дерева в миниатюре с сохранением всей красоты данного вида.

Задача состоит не только в том, чтобы вырастить в контейнере здоровое растение, но и в создании единого гармонического целого из трех элементов — растения, грунта и горшка, каждый из которых должен иметь естественный и привлекательный вид.

Грунт должен выглядеть натуральной частью рельефа, тщательно подобранные камни (скалы) и мох (трава) — вызывать ассоциацию с природным лесным ландшафтом.

Контейнер предпочтительно выбирать как можно лаконичнее, цвет и форма его должны выгодно оттенять цвет и форму растения.

Растение должно иметь схожесть со сформировавшимся деревом того же вида, произрастающего в естественных условиях.

Известный португальский мастер стрит-арта Артур Бордало (Bordalo II) превращает кучи мусора в настоящие произведения искусства. После многомесячных стараний на месте обломков появляются радужные инсталляции гигантских птиц, насекомых и даже крупных животных.

К каждой своей работе Артур подходит индивидуально и очень тщательно. Из куч мусора и металлических обломков он создает задуманные композиции, а затем покрывает их нужными цветами.

Хотя сам материал не позволяет создать нечто утонченное, но это не мешает инсталляциям Артура становиться достойным украшением города. Главная цель его деятельности – пробудить в людях ответственность за экологическое состояние окружающей среды.

А вот некоторые из последних работ Бордало:

Пчела

Его озадачивающие образы визуально оглушают, пленят, заставляют задуматься и распутать символику, затмевающую собой ясность изображения.

Рафал Ольбиньский (Rafał Olbiński) – польский художник-график, дизайнер сцены и сюрреалистический живописец. Он родился в Кельце в семье профессионального актёра театра, поэтому с малых лет заинтересовался афишами и постерами. Художественные способности проявились рано. Ещё в детстве Рафал создал колоду игральных карт.

Окончив архитектурный факультет Варшавского политехнического университета, он эмигрировал в США, где вскоре зарекомендовал себя как выдающийся художник, иллюстратор и дизайнер. Ольбиньский получил профессорское звание в Школе изобразительных искусств в Нью-Йорке и более 150 наград, среди которых главный приз за самый запоминающийся плакат на Prix Savignac (1994) в Париже.

Рафал Ольбиньский известен серией сюрреалистических плакатов к оперным представлениям и картинами, которые он создал для иллюстрации статей и очерков о моральных ценностях. Его работы публикуются в международных журналах, хранятся во многих частных и государственных коллекциях.

Художник в своих картинах старается показать, что наше воображение – это волшебный мир, требующий постоянного обновления. Он вовлекает зрителя в изумительную вселенную. Безграничное воображение и безупречная техника делают его одним из известнейших современных сюрреалистов.