Такой удивительный и такой разный, сложно представить что эти картины написаны одним и тем же худоожником!

Член Профессионального Союза Художников России, состоявшийся профессиональный художник, востребованный художественным рынком. Бессмысленно подходить к художнику с вопросами: что вы хотели сказать своей картиной, что изображено на ней? Исследователи, критики, просто зрители должны задавать эти вопросы прежде всего самим себе. В этом я убедилась, познакомившись с художником Владимиром Абаимовым.

Британка Лекси Лэйн (Lexi Laine) – талантливый фотограф и художница. Лекси специализируется на фотографии подводных сцен в уникальных и самых нетронутых местах по всему миру. Её творчество отличается использованием фотографии в качестве средства для создания потустороннего и эмоционального искусства, вдохновляясь классической живописью, мифологией и фольклором.

Лекси начала свой путь в искусстве, изучая изобразительное искусство в Университете Творческих Искусств (UCA) в Кентербери с 2001 по 2004 год. С тех пор девушка строит успешную карьеру фотографа и художника, увлекаясь исследованием контрастов и созданием образов, которые показывают непередаваемую красоту подводного мира.

В своей работе Лекси восхищается эстетикой художников эпохи Возрождения и барокко, особенно их мастерством использования света для создания драматических сцен. Талантливая фотохудожница стремится создать визуальные истории, в которых объект становится персонажем сюрреалистических сказок, путешествующий из одного мира в другой поглощённый мощью воды.

«Меня привлекает передача чувств эйфории и меланхолии. Моя цель – погрузить зрителя в сказочные пейзажи, где они могут найти собственные страхи и бесстрашие», – рассказывает Лекси.

Важной частью работ Лекси — это привлечение внимания к проблеме загрязнения океана и уничтожение человеческим присутствием их обитателей. В её произведении «Планета одноразового использования» девушка исследует ответственность человечества за сохранение этого природного элемента нашей планеты. Лекси создала изображение, объединив десять отдельных кадров, чтобы сформировать свободную форму карты мира. Модель сфотографирована под водой, окружённая огромными листами прозрачного пластика.

«Как и многие, я хочу и стараюсь уменьшить использование одноразового пластика. Но к моему ужасу недавно я получила очередной пластиковый мусор в качестве упаковки от одной доставки. Поэтому я решила использовать её для создания одной из своих работ. Назвала её «Планета одноразового использования» – это игра слов и комментарий к тому, насколько наш мир подвергается угрозе», – добавляет Лекси.

Места, где Лекси снимает свои фотографии, имеют для неё особое значение. Фотохудожница предпочитает работать в открытом море, чтобы запечатлеть огромные глубины, таинственную темноту и красоту подводного мира. Она часто проводит съёмки в синодах Мексики – символических и загадочных провалах, которые она воспринимает как неземные подводные леса.

Но восхищение вызывает не только конечный результат её работ, но и самоотверженный подход к съёмке. Лекси несколько лет тренировалась в фридайвинге, чтобы увеличить время, проводимое под водой. Вместо использования снаряжения для подводного плавания, она предпочитает выполнять все свои работы на одном вдохе. В её съёмках также часто принимают участие профессиональные фридайверы.

«Я выбрала фридайвинг, потому что это позволяет мне лучше взаимодействовать с людьми, которых я фотографирую. А также позволяет мне взаимодействовать с окружающей средой, в которой я работаю. Вместе мы ощущаем острые ощущения от задержания дыхания и погружения в глубины нашего подводного мира. Именно здесь я чувствую себя наиболее живой и настоящей художником», – делится фотограф.

Работы фотохудожницы Лекси Лэйн поражают не только своим визуальным великолепием, но и умением передать эмоциональную глубину и историю через фотографию. Она погружает зрителей в потусторонний мир подводных сцен, в которых сочетаются красота природы и фантазия художника. Её работы вдохновляют на размышления о природе, человеческом влиянии и взаимодействии с окружающей средой. Лекси Лэйн призывает зрителей задуматься о значимости океанов и о том, как мы можем более ответственно относиться к природе.

С помощью своих работ, вдохновлённых классическими живописными стилями, Лекси создаёт сказочные и загадочные сцены под водой. Она использует свет и тени, чтобы придать своим фотографиям драматичность и эмоциональную глубину. Её работы переносят зрителя в другие миры, где природа и фантазия переплетаются в удивительном танце.

Однако не только визуальная привлекательность её работ важна. Лекси также активно обращает внимание на проблему загрязнения океана и одноразового использования пластика. Её произведение «Планета одноразового использования» служит напоминанием о том, что мы все должны взять на себя ответственность за сохранение нашей планеты и защиту океанов.

Сама Лекси проникается эмоциями и страстным стремлением передать истории и эстетику подводного мира. Она не только уделяет внимание деталям и композиции своих фотографий, но и активно участвует в создании каждого кадра, освещая его собственным вдохом и подводным искусством фридайвинга. Это помогает ей взаимодействовать с её моделями и окружающей средой, чтобы создать настоящие произведения искусства.

Таким образом, работы фотографа Лекси Лэйн удивляют своим визуальным великолепием и эмоциональной глубиной. Они призывают зрителей задуматься о красоте природы, о влиянии человека и о необходимости бережного отношения к нашей планете. Её фотографии переносят нас в мир фантазии и вдохновляют на защиту исключительной красоты подводного мира.

Ещё больше работ: lexilaine.co.uk

Государственная Третьяковская галерея — одна из самых известных сокровищниц мировой живописи. Ее история насчитывает более 160 лет. За это время в биографии музея накопилось немало интересных фактов, которые сыграли важную роль в его судьбе.

Идея галереи

Создать в Москве коллекцию лучших произведений искусства пришла в голову молодому московскому купцу Павлу Третьякову после посещения петербургского Эрмитажа. 20-летнего сына владельца льняной мануфактуры вдохновляла мысль о том, что благодаря московскому музею большое количество людей сможет насладиться шедеврами художников и скульпторов.

Для Третьякова было очень важно, чтобы произведения отечественных авторов были собраны в одном месте и служили, в первую очередь, просветительской миссии.

В одном из писем своей дочери Павел Третьяков признавался: «Моя идея была с самых юных лет наживать для того, чтобы нажитое от общества вернулось также обществу (народу) в каких-либо полезных учреждениях; мысль эта не покидала меня всю жизнь…»

Территория и экспонаты

Сейчас площадь Третьяковской галереи составляет 35,6 тысяч квадратных метров. В музее работает 106 залов. Количество выставленных в них, а также хранящихся в запасниках музея картин, рисунков и скульптур превышает 180 тысяч экспонатов. Они располагаются в восьми филиалах Третьяковки, при этом главным корпусом считается здание в Лаврушинском переулке.

Картины, с которых началась галерея

Общепризнанной датой создания галереи считается 22 мая 1856 года. Именно тогда Павел Третьяков купил для коллекции музея два полотна: «Искушение» Николая Шильдера и «Стычку с финляндскими контрабандистами» Василия Худякова. Несмотря на то, что купец приобретал картины художников и раньше, все же достоверной информации об этом история не сохранила.

Самое большое полотно

Самой большой картиной, представленной в галерейной коллекции, считается “Явление Христа народу”. Полотно принадлежит кисти Александра Иванова. Шедевр русского живописца имеет размеры 7,5 м на 5,4 метра. Как свидетельствуют исторические хроники, художник потратил на создание картины двадцать лет и смог завершить ее лишь в 1857 году.

Аскетизм коллекционера

Несмотря на то, что финансовое положение Павла Третьякова не было затруднительным, порой он считал необходимым вести аскетический образ жизни. Так, находясь в Европе в поисках экспонатов для своего музея, купец передвигался между городами в дешевых ночных поездах на “сидячих” местах. Коллекционер считал, что это поможет направить большую часть средств на пополнение собрания произведений для галереи.

Галерея могла погибнуть

Коллекции произведений искусства угрожала гибель, когда в 1908 году в Москве началось наводнение. Спасти хранившиеся в музее шедевры пытались, строя кирпичную стену вокруг здания. Для этого к музею были специально направлены две роты саперов.

Одновременно со строительством стены работники Третьяковки переносили экспонаты с первого этажа на второй. Так удалось сохранить коллекцию в безопасности и уменьшить нанесенный зданию ущерб.

Закрытие из-за кражи

В 1891 году в Третьяковской галерее, которая к этому времени уже имела статус общенационального достояния, произошла кража четырех произведений искусства. Это событие крайне опечалило Павла Третьякова, и он решил закрыть музей для посетителей на два года. Через некоторое время, благодаря активным поискам две картины все-таки удалось обнаружить, а в 1893 году музей был вновь открыт для публики.

Почему «Черный квадрат» висит вверх ногами

В одном из исследований, посвященных находящемуся в Третьяковке “Черному супрематическому квадрату” Казимира Малевича, утверждается, что картина на самом деле висит вверх ногами. Определить это удалось благодаря экспертизе слоев полотна с помощью рентгеновских лучей и микроскопического анализа.

Реставраторы обнаружили под верхним слоем краски надпись “Битва негров ночью”, которая оказалась перевернута. Считается, что эта фраза является отсылкой к картине французского автора Альфонса Алле “Битва негров в пещере глубокой ночью”.

Четыре версии шедевра Малевича

Далеко не всем известно, что художник Казимир Малевич написал не один «Черный квадрат”, а целых четыре. В Третьяковке висит первое из полотен, написанное в стиле супрематизм в 1915 году. Следующую версию художник создал в 1923 году.

Третий вариант появился в 1929, а четвертый был написан в 1932 году. Сейчас, кроме Государственной Третьяковской галереи, картины можно увидеть в Русском музее и Эрмитаже в Санкт-Петербурге. Любопытно, что четвертую картину удалось обнаружить совершенно случайно: один частный коллекционер решил расплатиться ею за банковский кредит.

Многострадальная картина Репина

В музее можно встретить известную картину «Иван Грозный и его сын Иван 16 ноября 1581 года».

1 апреля 1885 года впервые в России цензурой картина была запрещена к показу. Владельцу картины Павлу Третьякову было настоятельно рекомендовано «не допускать для выставок и вообще не дозволять распространения её в публике какими-либо другими способами».

В 1915 году выставленную в Третьяковской галерее картину изрезал ножом некто Абрам Балашов. Сторонники конспирологических теорий полагают, что на действия вандала могло повлиять отношение к картине императора Александра III, который не очень любил эту работу. Тем не менее, порча картины была воспринята как трагедия.

Для работников музея это событие было настолько вопиющим, что тогдашний хранитель покончил жизнь самоубийством. Впоследствии восстанавливать фрагменты полотна приезжал сам Репин. Однако гамма, в которой он ее переписал, отличалась от сохранившихся фрагментов. Позднее реставраторы нашли возможность вернуть полотну его первоначальный вид.

Эвакуация во время войны

Во время Великой Отечественной войны 1941-1945 годов экспонаты Третьяковской галереи пришлось эвакуировать из столицы. Большую их часть в 17 вагонах отправили в Новосибирск. Остальное на время перевезли в уральский город Пермь, который в военные годы носил название Молотов.

В Новосибирске коллекцию Третьяковки разместили в здании недостроенного Оперного театра, которому тут же присвоили статус филиала музея. В Молотове экспонаты выставили в местной картинной художественной галерее. Коллекции вернулись обратно в Москву уже в 1944 году.

Реставрация здания Третьяковки в Лаврушинском переулке

С 1986 по 1995 год здание по адресу Лаврушинский переулок, 10 было закрыто на реконструкцию. На протяжении почти 10 лет экспонаты галереи выставлялись в здании Центрального дома художника (ЦДХ) на Крымском валу.

Тем временем строители не только восстановили старинное здание, но и соорудили новый корпус, а также включили в музейный ансамбль храм Святителя Николая в Толмачах. После реконструкции количество залов Третьяковки увеличилось, и многие экспозиции получили собственное выставочное пространство.

Тайные входы

Внутри здания Третьяковской галереи есть сквозные проходы во все строения музейного комплекса, в том числе в депозитарий и инженерный корпус. Они созданы для того, чтобы сохранить картины, ведь носить их по улице опасно. В галерее для них поддерживают специальный климат, а на открытом воздухе они могут пострадать.

Православный храм - один из залов галереи

В архитектурный ансамбль Третьяковской галереи входит здание храма Святителя Николая в Толмачах.

Храм был домовой церковью при Третьяковской галерее. Павел Михайлович Третьяков был усердным прихожанином, молился всегда на одном и том же месте, оно отмечено в полу особой плитой с памятной надписью.

Владимирская икона Божией Матери, в отличие от многих уникальных икон, сохранившихся до наших дней, находится на постоянной экспозиции в храме, а не в музее.

К ней всегда можно подойти и помолиться, минуя музейную кассу. Но это стало возможным только потому, что храм является частью Государственной Третьяковской Галерей, и за состоянием шедевра постоянно наблюдают специалисты.

Мало кому известно, что до недавнего времени здесь находилось легендарное полотно Михаила Врубеля «Принцесса Греза» площадью 90 кв. м, высотой 14 м и весом почти в полтонны.

Искусство для народа

В завещании Третьякова особо оговаривалось одно условие — бесплатный вход в картинную галерею.
Кроме того, за свой щедрый дар он получил дворянство от императора, но меценат отказался от него, заявив, что купцом он родился, купцом и умрет.

Несмотря на перипетии судьбы, Третьяковская галерея сохранила свое предназначение — делать искусство доступным для общества.

Сбылась мечта Павла Третьякова о просветительской миссии Третьяковки, и люди выстраиваются в длинные очереди перед входом в музей, чтобы увидеть шедевры лучших представителей изобразительного искусства. Ежедневно Государственную Третьяковскую галерею посещают около 12 тысяч человек.

Александр Игнатьев (Alexander Ignatiev) — художник-пейзажист, специализируется на создании картин природы. В основном это пейзажные картины леса, иногда - деревенской местности.

Александр Игнатьев родился в 1965г в г. Минск, Беларусь. Учился в Минском Художественном училище и в Липецком педагогическом училище (художественно-графический факультет). В настоящее время картины художника хранятся в частных коллекциях.

И главное - ни одно животное не пострадало!

Мечтаете побывать в городе влюбленных и романтиков? Можете мотивировать себя еще больше, посмотрев картины художников, вдохновленных невероятным зрелищем. А после возвращения украсьте парижским пейзажем свой домашний интерьер. Благо Париж представлен в искусстве очень широко.

Большую любовь к пестрым и людным парижским улицам видим на картинах французского мастера Антуана Бланшара. Известно, что порой зодчий работал над своими произведениями месяцами, пока не чувствовал, что достиг желаемого. В его пейзажах много ярких красок, света, огней, романтики. Как после просмотра не отправиться на пешую парижскую прогулку!

Клод Моне

Влюблен в Париж был французский живописец, импрессионист Клод Моне. Особенно часто он обращался к его отдельным уголкам. Вспомним знаменитый «Бульвар Капуцинок». Очевиден сознательный отказ от четкости изображения и передача настроения города ярким цветом.

Кстати, бульвар, получивший название по некогда пребывавшему тут женскому монастырю капуцинок, часто присутствует в творчестве Моне. Есть серия полотен, посвященных вокзалу Сен-Лазар. Различные ракурсы, отличается погода, изменяется облик здания.

Эдуард Кортес

Париж постимпрессиониста Эдуарда Леона Кортеса наполнен дождями. Но веселые яркие огоньки фонарей и домов отражаются в воде тротуаров и мостовых и создают особый образ необыкновенного города. О востребованности его работ говорят цены на аукционах. А несколько из них украдены и пребывают в розыске.

Ван Гог

Великий город вдохновлял Ван Гога. Остановимся, например, на картине «Вид на Париж из квартиры Тео на улице Лепик». Лепик находится на Монмартре. Ван Гог жил тут одно время с братом Тео. Прямо из окон открывался очаровательный вид на город и его холмы, и меняющееся небо. Нидерландский художник посвятил столице Франции около 200 работ.

Огюст Ренуар

Воспевал Париж Пьер Огюст Ренуар. «Бал в Мулен де ла Галетт» (ресторане с танцевальным залом на Монмартре) написан в 1876 г. Когда позволяла погода, действо проходило прямо на улице. Это и запечатлел Ренуар. А также некоторых своих друзей – среди тех, кто сидит за столиками или танцует. Кстати, картину можно посмотреть в парижском музее Орсе. «Балу» посвящен фильм «Прекрасные воскресные дни» Алена Жобера.

Также Ренуар сделал и уменьшенную версию картины. В 1990 г. ее продали на аукционе Sotheby’s за 78 млн. долларов. Хорошо известен живописец и «Площадью Тринити» и парижскими бульварами.

Гюстав Кайботт

Выдающиеся картины посвятил пейзажам Парижа француз Гюстав Кайботт. Одно из известнейших его полотен – «Мост Европы». На нем люди, собака и часть моста, воздвигнутого в 1860-х гг. Заметна и площадь Европы. Хранится шедевр в Женеве, в музее Пти-Пале. А эскиз к картине – в Ренне, в Музее изящных искусств. На картине «Парижская улица. Дождь» отображена широкая просторная площадь Дублин – в те времена новая часть растущего города.

В нескольких работах изображен заснеженный Париж. Так, «Крыши под снегом» – вид с высоты на зимний парижский ландшафт. Картина «прописана» в музее Орсе.

Илья Репин

Илья Репин славится портретами, но Париж настолько околдовал его «красотой во всяком роде», грацией, вкусом, костюмами парижанок, что появилось «Парижское кафе». За его столиками сидят завсегдатаи. Прообразами послужили реальные парижане. В том числе среди них идентифицированы видные представители интеллигенции. Многие деятели культуры и искусства тогда часто встречались в кафе. В 2011 г. на аукционе Christie’s шедевр продали за более чем 7 млн. долларов.

Джон О’Брайен

Серия картин американского мастера Джона Патрика О’Брайена очаровывает своей романтикой, солнечностью, сказочностью, любовью к прекрасному. Ведь сразу возникает желание приобретать билет в Париж, чтобы оказаться на таких милых улочках. Стиль Джон О’Брайен часто именуют современным романтическим реализмом. Его произведения – украшения многих коллекций.

Жан Беро

У Жана Беро два героя – восхитительный Париж и люди на его фоне. Скажем, «Модистка на Елисейских полях». Элегантно одетая молодая женщина с картонками и зонтиком в руке перешла дождливую мостовую центральной магистрали города. Деревья, фонари, экипажи на дороге. Вдали – Триумфальная арка. С помощью художника можно изучать архитектуру, быт, дух Парижа рубежа 19-20 вв. и узнавать достопримечательности, благополучно дошедшие до наших дней.

Тьерри Дюваль

Конечно же, рисуют великолепный город и современные художники. Так, с теплотой отображает шарм сегодняшнего Парижа Тьерри Дюваль. Вы найдете в его творчестве набережные, мосты, реку Сену, Эйфелеву башню и другие выдающиеся сооружения.

Мартейн Схрейвер (Martijn Schrijver) — цифровой художник который в своих работах объединяет природные пейзажи, животных и людей, создавая сюрреалистические изображения больше похожие на сон, сказки или фэнтези.

Мартейн Схрейвер живет в Нидерландах, и о своем творчестве говорит: «Меня вдохновляет природа, и мне нравится создавать сюрреалистические манипуляции с фотографиями с помощью Photoshop, например, включать животных в пейзажи.

Фотографии могут помочь придумать идеи. Это вопрос использования вашего воображения. Естественные формы и текстуры можно повторно использовать в Photoshop путем клонирования, преобразования и смешивания. Мне нравится придумывать что-то «дополнительное», чтобы сделать это более сюрреалистичным».