Еще наши древние предки начали создавать искусство. Согласно мнению археологов, первые проявления символизма в искусстве отмечаются у ранних гоминид. В наше время специалисты обнаружили множество примеров подобного искусства, и в данной подборке представлены некоторые из наиболее известных древних рисунков и скульптур.

1. Наскальные рисунки эпохи мезолита

Эти уникальные наскальные рисунки обнаружили в пещере Шове близ Авиньона, Франция, и похожие — в пещерах Ласко в районе Бордо. Большинство рисунков в пещере Шове сделаны ранними современными людьми между 28 000 и 37 000 лет назад, а рисунки в пещерах Ласко появились около 17 000 лет назад.

2. Скульптуры из костей животных

Скульптуры из костей животных находили в основном в разных местах Европы: во Франции, Испании и Германии. На фото выше — Венера Брассампуйская, фрагмент скульптуры из кости мамонта эпохи позднего палеолита, обнаруженный во Франции. Ей примерно 25 000 лет.

3. Скульптуры Венеры

Богиню Венеру часто изображали на скульптурах: в Европе находили более 200 доисторических женских статуэток, посвящённых ей и вырезанных из мягкого камня или кости. Они были изготовлены 26 000 — 21 000 лет назад, но возраст самой древней из них, найденной в Германии, может превышать 35 000 лет. На этой фотографии — знаменитая Венера Виллендорфская, которая была высечена из камня около 30 000 лет назад.

4. Яванская свинья

Этот наскальный рисунок с изображением яванской свиньи нашли на индонезийском острове Сулавеси. Ему около 45 500 лет и, возможно, он является самым ранним из когда-либо найденных подобных рисунков. По словам учёных, в Индонезии много примеров наскального искусства, которые опровергают идею о том, что традиция наскальных рисунков зародилась в Европе и распространилась оттуда.

5. Рисунки неандертальцев

Неандертальцы тоже создавали произведения искусства. Эту резьбу нашли на стене пещеры во Франции — она была сделана до 75 000 лет назад, за много тысяч лет до появления Homo sapiens в Европе.

6. Резьба по кости

Неандертальцы также занимались резьбой по кости и дереву. в пещере в Германии. На фото выше — резьба на фаланге оленя, сделанная неандертальцами. Археологи считают, что ей около 51 000 лет.

7. Рисунки из Южной Африки

Этот камень с рисунком нашли в пещере Бломбос в Южной Африке. Рисунку около 73 000 лет, и археологи считают, что его нарисовали ранние представители вида Homo sapiens.

8. Подвески с орлиными когтями

Подвески из орлиных когтей обнаружили в древнем скальном убежище в Хорватии. Скорее всего, неандертальцы сделали их 130 000 лет назад.

9. Остатки деревянной конструкции

Эти остатки деревянной конструкции возрастом 476 000 лет нашли в Замбии. Они сохранились в глине и свидетельствуют об искусном использовании дерева, которое древние гоминины применяли для создания произведений искусства.

10. Отпечатки рук, найденные в Тибете

В районе горячего источника в Тибете нашли окаменелые отпечатки детских рук, которым, возможно, 200 000 лет. Они могут представлять собой одно из самых древних произведений искусства — но археологи спорят, можно ли считать такое искусством, и всё ещё уточняют возраст отпечатков.

11. Рисунки на раковине

Эти зигзагообразные узоры на раковине, найденной в Индонезии, предположительно сделал представитель вида Homo erectus 540 000 лет назад.

12. Выемки в камне

Камни с такими выемками находили почти на всех континентах и во многих культурах. Неизвестно, для чего их делали, но археологи считают, что самым ранним из них может быть 1,7 миллиона лет.

13. Сферы из камня

Подобные каменные сферы размером с бейсбольный мяч находили в местах изготовления орудий труда в Африке, Азии и Европе. Возраст самых ранних из них достигает 2 миллионов лет, но их назначение неизвестно. Возможно, это были попытки создать произведение искусства.

При разговоре об итальянском искусстве нам в голову в первую очередь приходят имена великих мастеров Возрождения: Рафаэля Санти, Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти.

Однако, искусство Италии не умерло в XV веке. На протяжении последующих столетий Италия подарила миру еще множество значимых имен, и сегодня мы хотим рассказать о тех из них, кто работал в 60-х годах XX века, о художниках причисляемых к движению “Arte Povera” (Бедное Искусство).

Движение Арте повера (букв. «бедное искусство») зародилось в Италии в 1960-е годы. Просуществовав всего несколько лет, оно стало самым заметным художественным течением послевоенной Европы. Художники Арте повера принесли в пространство музеев и галерей новые методы и материалы, соединив в своих скульптурах и инсталляциях природное и символическое, чувственное и концептуальное. От родственных течений — минимализма, концептуализма и поп-арта — их отличает внимание к первичному взаимодействию человека с материальным миром, эстетика природных стихий и ручного ремесленного труда.

Название «бедное искусство» в 1967 году предложил куратор и критик Джермано Челант. В этом году он организовал выставку «Arte Povera — Im Spazio» («Арте повера — в пространстве»). В ней приняли участие главные представители направления: Яннис Кунеллис, Микеланджело Пистолетто, Джованни Ансельмо, Джулио Паолини, Джузеппе Пеноне, Марио Мерц, к которым присоединилось ещё около десятка молодых итальянских художников.

Многие из них работали с простыми и грубыми материалами — мешковиной, углём, простынями, землёй, водой, хлопком, стальными прутьями, деревом и газетами. Но слово «бедность» в названии направления не стоит понимать буквально. Художники пытались достичь поэтического эффекта простейшими способами, пробиться к сути эстетического опыта, освободить переживание зрителя от предзаданных концепций и идеологий.

Движение Арте повера выкристаллизовалось на фоне политических протестов 1960-х. Участники движения разделяли антикапиталистические настроения эпохи, но не примкнули к какой-либо партии или группировке и целиком оставались на территории эстетики.

История и предшественники

В послевоенные годы Италия быстро превращалась из аграрной страны в развитое индустриальное государство, символом которого стал автомобиль ФИАТ 500. Конвейерное производство, массовые потребительские товары, модная индустрия — все эти блага современного мира хлынули на полуостров. Но экономическое чудо не избавило страну от социального неравенства, архаичных законов и отсталой системы образования. Конец 1960-х стал временем рабочих и студенческих протестов, которые были здесь ещё более ожесточёнными, чем в соседней Франции.

Главным «родным» для итальянцев художественным течением, которое получило международную огласку, по-прежнему был футуризм. Но в 1960-е уже сложно было разделять характерное для футуристов восхищение индустрией и техническим прогрессом. В произведениях Арте повера можно увидеть акцент на ручном труде и природных материалах, что было ответом не только на футуризм, но и на более современные течения — в первую очередь, американский минимализм и абстрактный экспрессионизм.

Если минималист Дональд Джадд делал свои кубы из холодного пластика и металла, то Пино Паскали создавал их из спрессованной земли. Если полотна представителей абстрактного экспрессионизма были герметичными, замкнутыми в себе посланиями, то Джулио Паолини раздел свои произведения до холста и подрамника, показав «сделанность» картины, обнажив её материальную основу.

Главными предшественниками Арте повера были такие заметные фигуры итальянской арт-сцены как Пьеро Мандзони, Лучо Фонтана и Альберто Бурри.

Бурри уже в 1950-е годы использовал в своих полотнах мешковину, металлические листы, песок, древесину и другие грубые, необработанные материалы.

Мандзони пропитывал холсты глиной, соединяя живопись и скульптуру в одно целое, а также использовал в качестве материала еду, собственную кровь, дыхание и экскременты. Лучо Фонтана разрезал полотна ножом, сведя творческий акт к минимальной основе. Его знаменитые разрезы не просто разрушают плоскость картины и размыкают её навстречу окружающему миру, но и показывают, что в основе творчества лежит простейший материальный процесс — жест художника.

Произведения художников нового поколения оказались не менее революционными. Когда молодой куратор из Генуи Джермано Челант впервые использовал название «Арте повера», основное ядро движения уже сформировалось. У них не было общей стилистики и лидера, но они двигались в общем направлении, хоть и делали это разными способами: как и более ранние представители художественного авангарда, они пытались разрушить границу между жизнью и искусством. Причём слово «жизнь» здесь нужно понимать с феноменологической точки зрения — как процесс восприятия, поток первичных чувственных ощущений.

Вскоре после первых общих выставок Джермано Челант опубликовал статью, которую можно было считать манифестом нового художественного течения — «Арте повера: заметки к партизанской войне». Хотя движение до конца сохраняло итальянские корни, Челант смог придать ему интернациональное значение. В 1969 году его книга «Арте повера» вышла на английском и французском, крупные выставки движения прошли в Лондоне, Амстердаме и Нью-Йорке. Уже через несколько лет Арте повера перестало существовать как единое художественное движение. Но в творчестве отдельных художников его основные принципы продолжают жить и развиваться до сих пор.

Неконцептуальное концептуальное искусство

Для произведений Арте повера характерно взаимодействие природного и искусственного, чувственного и концептуального. Многие из художников долгое время использовали и развивали собственные приёмы, которые сделали их работы узнаваемыми. Микеланджело Пистолетто создавал полотна из зеркал и вставлял в них фотоизображения в натуральную величину: отражаясь в зеркале, зритель становится частью произведения. Ему же принадлежит самое известное произведение Арте повера — статуя Венеры Каллипиги, которая стоит спиной к зрителю перед кучей белья. Здесь угадывается и отсылка на античное наследие, и ироническое отношение к современной массовой культуре, с которой в это же время заигрывал поп-арт.

Алигьеро Боэтти сделал серию политических карт мира, на которых территория каждой страны раскрашена в цвета её флага. Карты вручную вышили афганские мастера по заказу художника. Самому Боэтти принадлежит только концепция, но не исполнение: это умозрительное творчество, которое, тем не менее, носит на себе следы материальности и тщательной ручной работы.

Форма, с которой любит работать Марио Мерц — это иглу, простейшее жилище, символ небесного купола и земного шара, домашнего пространства и жизни кочевника. Мерц создавал свои иглу из разного материала — стекла, камня, глины, дерева, добавляя в постройку неоновые лампы и надписи. Слово и число для Марио Мерца — такой же материал, как и другие. Надпись «Что делать?» в алюминиевой банке, наполненной воском, постепенно нагревается и размягчает содержимое ёмкости: материальное и символическое соединяются.

Ян Кунеллис использовал в своих инсталляциях уголь, кофе, бобовые крупы, растения, живых людей и животных. На одной из первых выставок Арте Повера он привёл в галерею двенадцать лошадей и на три дня поместил их в выставочное пространство. Лошадь — это одновременно и один из главных персонажей классических полотен и скульптур, и живое существо из плоти и крови. Художнику интересны оба этих измерения.

В отличие от минималистов и представителей поп-арта, художники Арте повера продолжали вести диалог с прошлым — в первую очередь, с наследием античности и эпохи барокко. Но одновременно с этим они обращались к первичным физическим силам и материальным процессам. Так, Пьера Паоло Кальцолари использует в своих инсталляциях охладительные установки: это живопись инеем, которую можно не только увидеть, но и ощутить.

«Закрутка» Джованни Ансельмо — скрученная полоска ткани, которую сдерживает металлический стержень, опирающийся на стену. В этой минималистичной скульптуре — и намёк на барочные драпировки, и материализация чистой физической энергии. Ансельмо любит подвешивать камни на стены художественных галерей, как бы демонстрируя зрителю сдержанные гравитационные силы. В другой своей работе от вставил в треугольный камень небольшой компас. Художник делает видимым то, что мы не замечаем: если Энди Уорхол изображает продукты массовой культуры, то Ансельмо показывает нам силу гравитации и магнитного поля.

Джузеппе Пеноне — художник, который тщательно исследует взаимоотношения между человеком и природой. Он работает с естественными процессами биологического характера — ростом и увяданием. В одной из первых своих работ он сделал медную копию своей руки и закрепил её на дереве в приморских Альпах. Через несколько лет дерево вытолкнуло руку, но на нём остался отпечаток художника.

Дерево для Пеноне — не инертный материал, а активный участник художественного процесса. В других своих работах он снимал слой за слоем с деревянных строительных блоков, делая видимым предыдущее состояние дерева, его сердцевину. Это и возврат в прошлое, и символическое превращение — движение от культуры к природе через время.

К середине 1970-х Арте повера перестало существовать как единое художественное движение. Творчество художников, которые входили в эту группу, с самого начала было разнородным и по стилю, и по содержанию. Несмотря на недолгое время существования и отсутствие ясной художественной программы, Арте повера значительное повлияло на многие современные художественные направления — концептуализм и лэнд-арт, искусство перформанса, инсталляции и скульптуры.

Новаторские художественные приёмы, внимание к чувственному и эфемерному, стремление оказаться в пограничной зоне между концепциями и ощущениями, естественным и рукотворным — всё это делает Арте повера значимым и интересным даже сегодня.

Автор: Олег Матфанов

Художник Лю Йуньшен родился 1937 году в провинции Шаньдун на востоке Китая. Окончил Академию изящных искусств, завоевал множество профессиональных наград. В Китае Лю считается народным художником. Герои его картин будто бы сошли с тибетских высот, настолько реален каждый штрих на картинах Лю. Свои работы Йуньшен создает по памяти: каждый сюжет — это воспоминание художника из жизни на Тибете.

Изобразительное искусство всегда было под пристальным вниманием и активно обсуждалось. Но некоторые картины вызывали настолько сильные эмоции, что стали объектом запрета в различных странах. Попавшие в опалу полотна прятали, а некоторые фрески и вовсе были близки к полному уничтожению и сохранились до нашего времени лишь по случайному стечению обстоятельств. Однако иногда цензура бессильна перед настоящими шедеврами. Рассказываем о произведениях мирового искусства, которые то и дело пытались запретить.

Весь мир знает картину под названием «Иван Грозный убивает своего сына». Когда Репин представил законченное полотно императору Александру III, ему и его семье сюжет и само натуралистичное и эмоциональное изображение очень не понравились. В связи с этим 1 апреля 1885 года картина была запрещена, став первой художественной работой, подвергшейся цензуре в Российской Империи.

«Страшный суд» Микеланджело Буонарроти, 1541 год

Не картина, а фреска «Страшный Суд» украсила алтарную стену Сикстинской капеллы. Заказчик папа Павел III остался работой доволен, но его восторга не разделил инквизитор, кардинал Корафа. Обнаженная натура, изображенная на фреске вызвала у последнего негодование и гнев. Уже став папой римским, кардинал приказал уничтожить произведение, однако его замыслу не дано было сбыться. Следующий папа римский Пий IV приказал закрыть срамные места на фреске, дорисовав складки ткани.

«Что есть истина?», Николай Ге, 1890 год

Картина русского художника Николая Ге вызвала негативный отклик со стороны церкви и властей. Работа спровоцировала серьёзный резонанс из-за необычного светового решения. Изображенный на ней Иисус находился в тени, а Пилат залит яркими лучами света, хотя в художественной культуре свет используется для изображения святости, а тьма — образ зла. Картина так не понравилась Священному Синоду и правительству, что её практически сразу сняли с выставки. Сейчас полотно находится в Третьяковской галерее, реабилитированная по просьбе самого Льва Толстого.

«Авиньонские девицы», Пабло Пикассо, 1907 год

Эта картина повергла общественность в шок. Чем именно, спросите вы? Ну разумеется, чрезмерно откровенным изображением работниц публичного дома. Яркая, агрессивная сексуальность не понравилась зрителю, из-за чего Пикассо был вынужден снять картину с выставки и долгие годы прятал её в закромах мастерской.

«Раздача продовольствия», Иван Айвазовский, 1892 год

Наиболее известная картина Айвазовского — «Девятый вал». А о произведении «Раздача продовольствия» слышал далеко не каждый. Оно и понятно, ведь картина не понравилась правительству и самому Николаю II, вследствие чего была запрещена. Сюжет работы Ивана Айвазовского посвящён доставке американской гуманитарной помощи в бедствующие на тот момент Среднее Поволжье и Черноземье. Посетив США, художник подарил работу Вашингтонской галерее.

«Святой Христофор», 17 век

Икона с изображением святого Христофора, известного также как Псоглавец, была не единственной в своём роде. Хоть, согласно преданию, у Христофора действительно была голова пса, церковь такое изображение юноши считала «противным естеству». В 18 веке почти все картины с изображением святого были уничтожены, запрещены или переписаны.

«Успение Девы Марии», Микеланджело Караваджо, 1604-1606 годы

Этот традиционный сюжет, изображающий смерть Девы Марии, заказали у Караваджо для церкви Санта-Мария делла Скала. Художник понял заказ слишком буквально и изобразил святую мёртвой в самом прозаичном смысле. Заказчиков возмутило распухшее тело, мертвецкий цвет кожи и грязные ступни Девы Марии, чьё тело на картине они хотели видеть нетленным, будто она всего лишь уснула крепким сном. Картина была отвержена священнослужителями, а чуть позже её приобрел герцог Мантуи.

«Сельский крестный ход на Пасху», Василий Перов, 1861 год

Картина Перова — одна из самых скандальных работ своего времени. Сама княгиня Мария Николаевна грозила художнику ссылкой за изображение представителей духовенства в неприглядном, порочащем церковь виде. Княгиня буквально приказала уничтожить работу. Но указ так и не был исполнен, ведь картину для своей личной коллекции успел приобрести купец Третьяков.

Представленная картина являлась последней масштабной работой художника. Здесь изображены не только рабочие, но и комиссар в военном костюме, старый крестьянин, солдаты, вернувшиеся с фронта, женщины и их дети. Время действия — весна 1922 года. Рабочая семья получает новое жильё, а её прежние хозяева, фабриканты или банкиры, сбежали за границу.

Полотно демонстрировало процесс перехода ленинградского пролетариата к мирному строительству, его вливанию в новое советское общество. Комиссия неоднократно отказывала художнику в просьбе выставить картину на всеобщее обозрение из-за неоднозначности трактовки сюжета.

«Святой Матфей и ангел», Микеланджело Караваджо, 1602 год

Картина была написана художником по заказу церкви. Однако, заказчиков работа не устроила, так как изображённый на ней апостол предстаёт с грязными босыми ногами. К тому же выглядит проповедник малограмотным, ведь даже писать ему помогает сам ангел, поддерживающий перо в его руке. Церковь отказалась от работы, и, нуждающийся в деньгах Караваджо, написал новую картину, учтя все правки. Сам первоисходник был утерян в 1945 году при штурме Берлина. Судьба картины неизвестна по сей день. Вероятно, работа хранится в чьей-то частной коллекции

«Принцесса Грёза», Михаил Врубель, 1896 год

Это панно Врубелю заказали для Нижегородской всероссийской выставки. Увидев набросок работы, куратор мероприятия Александр Бенуа тут же отправил телеграмму жюри, назвав работу «ужасной» и призвав немедленно снять её. Академики прибыли на выставку и единогласно постановили убрать панно. Позже панно были дописаны и выставлены в Москве.

«Святая Троица», фреска церкви Святой Агаты, 13 век

Смесоипостасная «Святая Троица» не является картиной в привычном понимании. Это икона с изображением трёх ликов Господа — Отца, Сына и Святого Духа. Смелая работа буквально возмутила общественность и самого папу Урбана VIII. Работу назвали еретической, кощунственной и непристойной. В Европе икону запретили в 1628, а в России в 1764 году.

«Освящение монополии» (Молебен в казенке), Николай Орлов, 1894 год/h2>

На скандальной картине Орлов изобразил освящение церковными служителями только что открытого заведения, где в том числе разрешена торговля спиртным. Художник продемонстрировал свою работу на выставке в 1904 году. Однако встречена работа была холодно, её тут же назвали «нецензурной» и потребовали убрать.

Картину у Орлова пытался приобрести Максим Горький, однако у него возникли финансовые проблемы. Тогда Орлов, остро нуждающийся в деньгах, начал искал покупателей среди русских коллекционеров, однако так и не нашёл желающих приобрести полотно. Неожиданно работой заинтересовался американец по фамилии Гринвальд. Орлов, обнадёженный радостной вестью, отдал картину, однако оплаты за неё так и не получил, покупатель просто пропал вместе с работой художника.

«Протодиакон, провозглашающий на купеческих именинах долголетие», Николай Неврев, 1866 год

Картина не была запрещена фактически, однако во времена, когда она была написана, автору то и дело напоминали о том, что его работа безнравственна и больше походит на грубую карикатуру, чем на произведение искусства. Столь реалистичное изображение эмоций священнослужителя, а также его далёкое от аскетичного телосложение вызвало в православном обществе серьёзное негодование.

Разбираемся в непростых понятиях из мира моды и искусства вместе с экспертом.

Многие люди относят винтаж, ретро и антиквариат к одной категории — «одежда из прошлого» или «одежда из бабушкиного шкафа». Но так ли это? Давайте разбираться. Объясняет историк моды, эксперт Академии дизайн-профессий Pentaschool Иван Шуринов.

Самый простой признак, по которому можно отличить винтаж от других стилей — возраст вещи. Моложе всех ретро, а старше — антиквариат. Но многие, не разобравшись в особенностях, называют все старые вещи винтажными — и мамину шубу, и платье с кринолином. Поэтому нужно углубиться в терминологию, чтобы начать отличать эти категории.

Что такое антиквариат в моде

Антикварная одежда — это все вещи, которым более ста лет. Обычно это коллекционные и музейные предметы, поскольку использование в повседневной жизни портит хрупкие ткани и аксессуары.

Исключение — ювелирные изделия. Королевские семьи из Великобритании, Дании, Испании, Швеции, Норвегии, Саудовской Аравии, Бутана и других стран носят антикварные украшения в качестве символа власти. Примечательно, что Елизавета II использовала броши в качестве средства общения. Каждое украшение отвечало за определенное событие, и по нему на официальных встречах можно было понять настрой королевы или ее отношение к собеседнику.

В настоящее время антикварная одежда служит предметом коллекционирования. Дизайнеры не используют антиквариат в коллекциях prêt-à-porter, так как он совершенно не подходит для современной жизни. Но для коллекций haute couture, когда дизайнер с помощью одежды передает тот или иной образ, раритетные вещи служат источником вдохновения. Это одежда не для носки, это — произведение искусства. Самым ярким примером «антикварной» моды можно назвать коллекцию Джона Гальяно в стиле Древнего Египта, которую он разработал для Dior.

Что такое винтаж в моде

Следующим по возрасту следует винтаж. Это вещи, которым не больше ста и не меньше 20 лет. Само слово vintage пришло из профессионального языка виноделов. Это слово применяется к высококачественным винам, которые создавались в годы самых высококачественных урожаев и долго выдерживали, что придало им эксклюзивный и неповторимый вкус.

Теперь словом «винтаж» называют и предметы гардероба, которые отражают моду предыдущих поколений. Яркий пример — широкие джинсы с низкой посадкой, которые были разработаны 25 лет назад.

Винтаж в моде не редкость, а правило. Мода развивается по спирали, и каждые 25-30 лет тенденции прошлого возвращаются. Например, Алессандро Микеле, который был креативным директором дома GUCCI до недавнего времени, всегда отдавал дань моде 80-х. Детали костюмов, подача в медийном пространстве и показы — его коллекции пестрели моделями времен диско. Благодаря этому в моду вновь пришли «дедовские» объемные пиджаки, клеш, рукав-тюльпан, блестящие ткани и буйство красок.

Винтаж в высокой моде

Само понятие «винтаж» стали использовать в моде еще в 1950-е, когда в тяжелые послевоенные годы новые вещи стали комбинировать с одеждой мам и бабушек. Правда, об этом старались не говорить: использование старых вещей сообщало о затрудненном финансовом положении.

Однако в 90-е термин «винтаж» приобрел значение совершенно противоположное. Благодаря поп-культуре он стал эксклюзивом из прошлого. Джулия Робертс, Рене Зеллвегер, Кейт Мосс и госпожа-бурлеск Дита фон Тиз вмиг обратили внимание модников и модниц всего мира на хиты прошлых десятилетий.

Винтаж стал феноменом в мире моды, к которому обращаются с завидной периодичностью. На ковровых дорожках теперь никого не удивить экстравагантными платьями современности, поэтому звезды все чаще облачаются в винтаж времен творчества основателей домов мод. Например, на 76-м Каннском фестивале Натали Портман появилась в копии винтажного платья Dior коллекции 1949 года. Оно представляло собой сверкающий корсет с юбкой в виде цветочного бутона, лепестки которого усыпаны кристаллами.

На одном из балов Met Gala Ким Кардашьян тоже решила удивить всех, придя на мероприятие в знаменитом «голом платье» Мэрилин Монро. Правда, в процессе Кардашьян порвала платье в области застежки и потеряла несколько кристаллов. Такое отношение к легендарному платью побудило знаменитостей заказывать копии или брать в аренду вещи «помоложе».

Винтаж в повседневной моде

Коллекционеры и модники наших дней часто обращаются к вещам из прошлого и отлично их комбинируют в современных образах. Винтажные вещи все еще подходят для использования, хотя и редкого. Регулярно в интернете устраиваются настоящие онлайн-аукционы, где можно приобрести золотое платье Versace конца 80-х.

Но старые вещи пользуются популярностью не только у коллекционеров и звезд. Стилисты-блогеры рекомендуют миксовать современные вещи с винтажными, как это делали наши бабушки и прабабушки в послевоенные годы. Так в моду вернулись широкие пиджаки, сумки-седло, мини-рюкзаки, шапки-формовки и многое другое, что можно найти в гардеробе родителей.

Но что такое ретро?

В отличие от антиквариата и стиля винтаж, ретро возникло искусственно в конце 90-х. Ретро — это современные вещи, которые копируют винтажные предметы гардероба. Например, если вы хотите толстую оправу очков в стиле 70-х и решаете купить такую вещь в обычном магазине, то это современная копия — ретро, а не винтаж.

Для любителей прошлого есть специальные ретро-магазины, где можно купить современную одежду, разработанную на основе стилей прошлых эпох. Также в этом направлении работают некоторые бренды: Effie’s Heart, ASOS, Unique Vintage, Modcloth, Blue Velvet Vintage, Loco Lindo и многие другие.

Мода на прошлое так же переменчива, как и мода на настоящее. Только недавно все искали газовые блузы с воланами и пиджаки с острыми плечами, как теперь ищут джинсы с низкой посадкой и джинсовые юбки-карго.

Посмотрим, появится ли в моде что-то новое или нас ждет возвращение к чему-то давно забытому — например, к стилю 20-х, флэпперам и джазу.

Цзэн Сяо Лянь (Zeng Xiao Lian) обладает талантом реалистичного изображения птиц, которые поражают своей детализацией и точностью исполнения, уникальной изысканностью и утонченностью. Картины Zeng Xiao Lian не только обладают достоверностью изображения и волшебной красотой, но и показывают, насколько прекрасна наша природа.

Цзэн Сяо Лянь (Zeng Xiao Lian) родился в 1939 г. в провинции Юньнань, Китай. Долгое время работал старшим инженером Ботанического Исследовательского института Академии Наук Китая, и всегда любил рисовать.

Со временем любовь к искусству и природе, переросла в желание передать ту красоту, что нас окружает, и Zeng Xiao Lian получил художественное образование в Пекине.

В наше время картины и иллюстрации Цзэн Сяо Лянь участвуют в выставках разных стран, в том числе в США, Канаде и Австралии, а в Китае опубликовано около пятидесяти книг с его иллюстрациями, в том числе – «Китайская Флора», «Флора и Рододендроны Юньнаня», и др.

Стоит заметить, что в рунете часто пишут имя и фамилию, как — Зенг Ксяо Лянг что неверно.
В этой публикации смотрите картины Zeng Xiao Lian из серии — Птицы.

Маартен Боффе (Maarten Boffe) был вдохновлен идеями минимализма и гиперреализма которые воплотились в поэтичных картинах вызывающих восхищение.

«Многие художники торжественно говорят, что живут для искусства. Я отношусь к этому с состраданием. Моя деятельность художника направлена на развитие чувства прекрасного, на понимание удивительной красоты мира, на понимание своего присутствия в нем. Я не живу для искусства. Искусство — моя жизнь». Маартен Боффе (Maarten Boffe).

Мартен Боффе родился в 1948 году в городе Тинен (город и муниципалитет в провинции Фламандский Брабант в Бельгии). О семье и детстве сведений нет.

Маартен Боффе был вдохновлен взрослением 1960-х годов. Искусство превратилось в средство распространения догм и других программ, а поп-музыка и минимализм одновременно стали самыми значительными художественными течениями десятилетия. Поп-арт в Нью-Йорке охватил культуру средств массовой информации и массового потребления, а такие художники, как Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и Том Вессельманн, черпали вдохновение в своих произведениях на телевидении, комиксах, рекламных щитах и других продуктах подъема капитализма.

На другом конце страны, на западном побережье Калифорнии, расцветали первые признаки того, что впоследствии стало известно как концептуальное искусство.

Минимализм развил центральную идею о том, что искусство должно существовать в своей собственной реальности, а не пытаться имитировать физический мир. Рожденный желанием искоренить все предустановленные представления об искусстве, минимализм превратился в радикально прогрессивное движение, очень влиятельное во всем мире, с такими художниками, как Фрэнк Стелла, Дональд Джадд и Дэн Флавин в качестве ключевых фигур.

Минимализм стал популярным благодаря работам таких художников, как Виктор Вазарели и Бриджит Райли, в то время как поп-арт был важным побочным продуктом, в то же время критикуя и прославляя поп-культуру.

Знаковые движения современного искусства, отразившиеся в волне радикализма 1960-х годов, также имели свои особенности и масштабы, характерные для разных регионов или стран.

Маартен Боффе считается признанным современным художником, участвовал во многих национальных и международных выставках, обладатель многочисленных премий и наград. Живет и работает в Эмблеме недалеко от Антверпена, где он руководит прекрасной школой живописи.