Кто ещё замечал, как изящен кабачок, как заговорщицки могут выглядеть огурцы, как поэтичен лук-порей или ветка акации? Ингар Краусс – немецкий фотограф, способный вдохнуть красоту в обыкновенный овощ, одухотворить цветок, превратить натюрморт в шедевр, наделить значимостью то, на чём мы обычно не задерживаем взгляд. Заменить невнимание созерцанием.

С 2010 года Краусс работает над натюрмортами, которые целиком воспринимаются как портреты… грибов, сирени, капусты, чеснока и большого разнообразия других даров природы. Фотограф создаёт свою серию с тем трепетом и вниманием, что обычно уделяют художественным портретам. Иногда среди фруктов и овощей Краусс размещает мёртвых птиц или других животных, которых находит вблизи своего сада или которых получает от соседей, занимающихся охотой и рыболовством. Его интересует скрытая связь между внутренней жизнью человека и миром растений и животных; цель – преобразовать обыденные вещи, заменив невнимание созерцанием.

«39 картин» – вторая монография Ингара Крауссе, уникальная серия натюрмортных фотографий, опубликованная в виде фотокниги и следующая циклу времён года в четырёх главах – зима, весна, лето и осень. В соответствии с этой хронологией автор группировал свои снимки, сделанные в небольшой немецкой деревне.

Ингар Краусс родом из Восточного Берлина. Он и сейчас живёт и работает в столице Германии, но так же часто проводит время в деревне на границе с Польшей. В сельской местности он сделался садовником и огородником. Посвящая много времени растениям и овощам, фотограф превратил их и в привилегированный живописный предмет своего творчества, в традиции немецкого романтизма с его стремлением к познанию природы.

Для съёмок Краусс сооружает деревянные ящики разных размеров, где раскладывает композиции. Наполняющий их естественный свет выступает как искусный актёр в безмолвной драме. «Точно так же, как любой садовод хочет привести природу в свой особый порядок, я стараюсь раскладывать растения и животных на картинах, трансформируя их потенциал и характерные особенности таким образом, чтобы они казались новыми, странными и в то же время полностью проявившимися. Каждый натюрморт становится полем для поэтических экспериментов», – рассказывает фотограф.

Чтобы придать изображениям трансцендентности в традиции ванитас (vanitas), каждый отпечаток он вручную покрывает глазурью из масляной краски, чем увеличивает блеск и глубину изображений. Создавать такие произведения непросто. «Поскольку я смотрю на свои натюрморты как на портреты выбранных объектов, каждый раз сложно понять их характер и материальность. Как сказал "поэт вещей" Франсис Понж, все предметы стремятся выразить себя, чтобы раскрыть скрытые глубины своего существа».

В современном мире много информации, ОЧЕНЬ много информаци. Часто хочется прервать поток мыслей и отдохнуть от всего. Хорошо в том помогает глубокое ритмичное дыхание и контроль мысли, медитация. Сегодняшняя галерея сродни медитации в изобразительном искусстве, так как деталей в работах минимум: лишь наполнение чистым цветом, несколькими цветовыми, тональными переходами и парой-другой линий. Нет сюжета, нет поиска смысла, переживаний. Остается лишь спокойное восприятие цвета, уравновешенной композиции, часто лишенной центра и акцентов…

Камилла Уэст родилась в 1969 году. Получила образование в Академии искусств Фунена, Дания, в период с 1991 по 1997 годы. Пишет картины маслом по холсту, обычно изображая пейзажи южного региона Дании.

Большинству зрителей ее работы будут непонятны своим максимальным минимализмом. Некоторые картины вызовут отчетливые ассоциации лишь у тех, кто сам, как и она, наблюдал самые разнообразные морские пейзажи.

Судя по работам, она живет недалеко от моря, часто бывает на берегу. Это видно по тем ее картинам, которые запечатлели особо редкие минуты вечернего и утреннего освещения. Чтобы увидеть подобное, надо очень часто находиться у моря в ожидании соответствующего сочетания поверхности моря, света, облаков и тумана.

Иногда все складывается, и тогда ты своими глазами видишь такие необыкновенные сочетания цвета и форм, в которые сложно поверить. Тем более сложно поверить подобному в картинах. Да, художница упростила, стилизовала, подправила, но характерную суть при этом оставила…

Кто видел подобное вживую, тот и в картинах узнает. Навсегда запоминаются острова, висящие в свете золотого заката, море гладкое, почти как зеркало, и туман, в красочном освещении стирающий границы всех стихий: земли, воды, неба и огненного света…

Камилла Уэст черпает вдохновение из того, что видит и переживает. От повседневной жизни, смены времен года, перемены цвета в природе. Личное запечатлено как сжатые образы и мысли в живописной форме.

Это мысленные образы или образы настроения, которые, используя силу цвета, показывает нам мирный пейзаж. Он передает нам мощную природу, которая лежит в основе всего.

Картины Камиллы Уэст выглядят так, будто созданы одним движением. Быстро. И невероятно уверенно.

"Когда я замечаю определенный мотив — в основном проходит мало времени, прежде чем он обретет свою форму на холсте. Техника требует, чтобы краска не успела высохнуть до завершения работы, и таким образом она сохраняет свежее и яркое выражение. Штрихи нельзя исправить, и если что-то пойдет не так, нельзя рисовать поверх, так как нижележащие слои будут мешать окончательному результату. Мне больше всего нравится, когда это молниеносно."

В ее работах легко проследить непосредственность и легкость.

Маартен Боффе (Maarten Boffe) был вдохновлен идеями минимализма и гиперреализма которые воплотились в поэтичных картинах вызывающих восхищение.

«Многие художники торжественно говорят, что живут для искусства. Я отношусь к этому с состраданием. Моя деятельность художника направлена на развитие чувства прекрасного, на понимание удивительной красоты мира, на понимание своего присутствия в нем. Я не живу для искусства. Искусство — моя жизнь». Маартен Боффе (Maarten Boffe).

Мартен Боффе родился в 1948 году в городе Тинен (город и муниципалитет в провинции Фламандский Брабант в Бельгии). О семье и детстве сведений нет.

Маартен Боффе был вдохновлен взрослением 1960-х годов. Искусство превратилось в средство распространения догм и других программ, а поп-музыка и минимализм одновременно стали самыми значительными художественными течениями десятилетия. Поп-арт в Нью-Йорке охватил культуру средств массовой информации и массового потребления, а такие художники, как Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и Том Вессельманн, черпали вдохновение в своих произведениях на телевидении, комиксах, рекламных щитах и других продуктах подъема капитализма.

На другом конце страны, на западном побережье Калифорнии, расцветали первые признаки того, что впоследствии стало известно как концептуальное искусство.

Минимализм развил центральную идею о том, что искусство должно существовать в своей собственной реальности, а не пытаться имитировать физический мир. Рожденный желанием искоренить все предустановленные представления об искусстве, минимализм превратился в радикально прогрессивное движение, очень влиятельное во всем мире, с такими художниками, как Фрэнк Стелла, Дональд Джадд и Дэн Флавин в качестве ключевых фигур.

Минимализм стал популярным благодаря работам таких художников, как Виктор Вазарели и Бриджит Райли, в то время как поп-арт был важным побочным продуктом, в то же время критикуя и прославляя поп-культуру.

Знаковые движения современного искусства, отразившиеся в волне радикализма 1960-х годов, также имели свои особенности и масштабы, характерные для разных регионов или стран.

Маартен Боффе считается признанным современным художником, участвовал во многих национальных и международных выставках, обладатель многочисленных премий и наград. Живет и работает в Эмблеме недалеко от Антверпена, где он руководит прекрасной школой живописи.

В нашей подборке яркие фотографии, отобранные за время существования Black and White Minimalism Magazine, в которых авторы воплотили свои взгляды на минимализм, помня, что упрощённость композиции не упрощает её красоты. А также победители и финалисты Black and White Minimalist Photography Prize 2020–2021.

Для любителей и ценителей чёрно-белой минималисткой фотографии проходит международный конкурс Black and White Minimalist Photography Prize. Участникам уготовано признание, публикации и денежная премия в размере тысячи долларов для главного победителя. Зрителям гарантируют визуальный восторг от просмотра лучших современных минималистских фотографий в любом жанре: портретном, архитектурном, пейзажном, концептуальном.

Минималистская фотография возникла из понятия минимализма в художественном искусстве (искусство ABC), используемого многими живописцами 20-го века. Для стиля характерно минимальное количество композиционных элементов, достаточных чтобы выразить концепцию и вызвать эмоциональный отклик у зрителя. При этом открытость для интерпретации сохраняется, как и в других художественных руслах.

Главный приз Black and White Minimalist Photography Prize 2020–2021 достался Тиму Невеллу, запечатлевшему дорогу в Исландии. На втором месте скамейка в снегу от Пьера Пеллегрини. Фотограф Гектор Искьердо Селива замкнул тройку победителей со снимком деревьев в Намибии.