Минимализм + гиперреализм. Художник Маартен Боффе (Maarten Boffe) и его чудесные работы

Маартен Боффе (Maarten Boffe) был вдохновлен идеями минимализма и гиперреализма которые воплотились в поэтичных картинах вызывающих восхищение.


«Многие художники торжественно говорят, что живут для искусства. Я отношусь к этому с состраданием. Моя деятельность художника направлена на развитие чувства прекрасного, на понимание удивительной красоты мира, на понимание своего присутствия в нем. Я не живу для искусства. Искусство — моя жизнь». Маартен Боффе (Maarten Boffe).


Мартен Боффе родился в 1948 году в городе Тинен (город и муниципалитет в провинции Фламандский Брабант в Бельгии). О семье и детстве сведений нет.

Маартен Боффе был вдохновлен взрослением 1960-х годов. Искусство превратилось в средство распространения догм и других программ, а поп-музыка и минимализм одновременно стали самыми значительными художественными течениями десятилетия. Поп-арт в Нью-Йорке охватил культуру средств массовой информации и массового потребления, а такие художники, как Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и Том Вессельманн, черпали вдохновение в своих произведениях на телевидении, комиксах, рекламных щитах и других продуктах подъема капитализма.

На другом конце страны, на западном побережье Калифорнии, расцветали первые признаки того, что впоследствии стало известно как концептуальное искусство.

Минимализм развил центральную идею о том, что искусство должно существовать в своей собственной реальности, а не пытаться имитировать физический мир. Рожденный желанием искоренить все предустановленные представления об искусстве, минимализм превратился в радикально прогрессивное движение, очень влиятельное во всем мире, с такими художниками, как Фрэнк Стелла, Дональд Джадд и Дэн Флавин в качестве ключевых фигур.


Минимализм стал популярным благодаря работам таких художников, как Виктор Вазарели и Бриджит Райли, в то время как поп-арт был важным побочным продуктом, в то же время критикуя и прославляя поп-культуру.

Знаковые движения современного искусства, отразившиеся в волне радикализма 1960-х годов, также имели свои особенности и масштабы, характерные для разных регионов или стран.

Маартен Боффе считается признанным современным художником, участвовал во многих национальных и международных выставках, обладатель многочисленных премий и наград. Живет и работает в Эмблеме недалеко от Антверпена, где он руководит прекрасной школой живописи.
























Поделись
с друзьями!
882
4
8
25 дней

Еда как вдохновение: топ-10 натюрмортов в истории живописи

Праздность и гедонизм, хлеб насущный и пир горой, накрытые столы, рынки и завтраки. Тема еды в живописи всегда была одной из самых актуальных.

Питер Артсен «Сцена на рынке», 1569 © Hallwyl Museum, Stockholm

Питер Артсен «Сцена на рынке», 1569


В XVI веке, придя на смену религиозным сюжетам, в жанровую живописи Нидерланд пришла еда — на столе, на рынке, на кухне. Питер Артсен, вошедший в историю мировой живописи как один из основоположников этого жанра, стал бытописателем повседневной жизни простолюдинов, крестьян, слуг, торговцев. Из картины в картину зритель попадает то в «Мясную лавку» (1551) или на «Обильную кухню» (1570), где столы ломятся от огромных окороков и рыбин, разделанных туш, коровьих голов и колбас, монументальных сырных голов и пирамид из овощей и фруктов; то на «Крестьянский праздник» (1951), где танцуют «Яичный танец» (1552), полный скрытых символов и смыслов; то в «Блинную» (1960) или к «Кухарке» (1559), осанкой, статью и взглядом похожую на императрицу и нанизывающую на вертел туши с видом величественным и грозным.

Рынок, со всеми его персонажами — продавщицей с овощами, торговцем дичью, мясником — отдельная тема Артсена, позволяющая бесконечное количество раз обыгрывать любимые сюжеты и сцены. Во всех его лавках и рынках всевозможная снедь занимает большую часть пространства и «играет» главную партию, в то время как человеческие персонажи отходят на второй план.

Флорис Ван Дейк «Натюрморт с сырами», 1615


Флорис Ван Дейк «Натюрморт с сырами», 1615 © Rijksmuseum, Amsterdam

«Breakfast piece», так называется тип натюрморта, зародившегося в 1610 году в Харлеме и Антверпене. Флорис Ван Дейк был одним из первых, кто начал рисовать эти «части завтрака», столы, сервированные на одного человека, при этом еда на них столь обильна, что ею вполне можно было накормить большую компанию: пирамида из сырных голов возвышается в центре стола, накрытого восточной скатертью; рядом стоят корзины с фруктами и хлебами, тарелки с маслинами и орехами, кувшин и бокалы с вином. Иллюзия реальности поразительна; недаром в XVII веке Теодор Шревелиус писал: «Это Флорис ван Дейк, который может заманить и поймать страстных женщин и даже птиц своей художественной кистью».

Франс Снейдерс «Фруктовая лавка», между 1618-1621

Франс Снейдерс «Фруктовая лавка», между 1618-1621 © Государственный Эрмитаж

«Фруктовая лавка» входит в серию из четырех картин фламандского художника, знаменитого своими потрясающе изобильными натюрмортами: «Лавка дичи», «Овощная лавка» и «Рыбная лавка». Фламандский натюрморт — это праздник жизни, торжество природы. В своих натюрмортах Снейдерс не только воспевал изобильную природу, но и зашифровывал в них разные смыслы. В «Фруктовой лавке» все имеет свое символическое значение: и знатная дама, выбирающая персики, и лающая у ее ног собачка, и обезьянка, опрокидывающая корзину с фруктами. И конечно, невозможно оторвать взгляд от массивного деревянного прилавка, ломящегося от корзин со всеми мыслимыми фруктами. Кажется, все, что растет и плодоносит, есть во «Фруктовой лавке»: виноград и смоква, гранаты и апельсины, лимоны и сливы, черешня и груши, персики, яблоки и ежевика. «Полная драгоценных яств кладовая», — так называл картины Снейдерса Левинсон-Лессинг.

Джузеппе Арчимбольдо «Лето», 1573


Джузеппе Арчимбольдо «Лето», 1573 © Musée du Louvre, Paris

Итальянский живописец, декоратор, маньерист, Джузеппе Арчимбольдо был одним из самых замечательных насмешников своего времени. Он создавал портреты, но так, как прежде никто не делал. Его портреты смело можно назвать и натюрмортами, ведь «лица» на них собраны, наподобие мозаики, из фруктов, овощей, птичьих перьев, рыбьих плавников, грибов и травы. Люди эпохи Возрождения любили головоломки, загадки и всевозможные странности, так что Арчимбольдо не был более странным, а просто потакал вкусам своего времени.

«Лето» — одна из четыре картин цикла «Времена года», символизирующая этапы человеческой жизни: юность, молодость, зрелость и старость. Юность жизни у Арчимбольдо состоит из сочных и спелых фруктов, овощей и ягод — айвы, персиков, вишни, винограда, малины и ежевики, огурца, помидора и баклажана, в обрамлении колосьев пшеницы.

При жизни Арчимбольдо бы невероятно популярен, но после смерти на долгие годы впал в забвение. Интерес к его творчеству снова появился в 30-е годы ХХ века и уже не ослабевал. Картины Джузеппе Арчимбольдо можно найти музеях Вены, Инсбрука, Мадрида, в парижском Лувре и Галерее Уффици, в Швеции и США.

Жан Батист Симеон Шарден «Натюрморт с фарфоровым кувшином, гранатом и виноградом», 1763


Жан Батист Симеон Шарден «Натюрморт с фарфоровым кувшином, гранатом и виноградом», 1763 © Musée du Louvre, Paris

В эпоху, когда французская живопись была известна своим величием и декоративными украшениями, натюрморты и жанровые сцены Жана-Батиста-Симеона Шардена удивляли своей простотой и скромностью. А еще они всегда были почти математически выверены: все предметы на картинах аккуратно и тщательно расставлены, нет ни одной небрежной детали. Но несмотря на непритязательность, натюрморты Шардена очаровательны. «Кто-то пишет красками, а кто-то — чувством». Эти слова художника о живописи в самой большой степени относятся к его картинам.
Мир домашних, обжитых вещей под кистью художника оживает, показывая зрителю повседневную жизнь парижан третьего сословия. За мизансценой — кувшин с вином, два бокала, фрукты — угадывается часть этой повседневности, с укладом, традициями, событиями, которые можно проживать вдвоем. «Манера Шардена своеобразна. У нее есть общее с наброском, о котором вблизи не знаешь, что это такое; по мере удаления вещь оформляется, и, наконец становится самой природой», — так говорил о живописи Шардена Дени Дидро.

Иван Хруцкий «Грибы, рыба и овощи», 1838


Иван Хруцкий «Грибы, рыба и овощи», 1838 © Киевский национальный музей русского искусства

Иван Фомич Хруцкий, русский живописец второй половины XIX века, наиболее известен в отечественном искусстве как мастер «цветов и плодов», иными словами, как создатель чудесных натюрмортов. В них — связь с художественными традициями, а также «живописная тщательность» кисти, вызывавшая ассоциации с картинами старых мастеров. «Грибы, рыба и овощи» по настроению, цветовому решению и стилю максимально близки к голландскому натюрморту XVII века.

Предметный мир натюрмортов Хруцкого лишен особого символического значения, но говорит о многом. Незатейливая кухонная утварь, овощи и грибы, ягоды и фрукты показывают жизнь в небольшом сельском поместье второй трети XIX столетия, все напоминает о летнем приволье и домашнем уюте.

Глядя на «Грибы, рыба и овощи», можно почти физически ощутить свойства каждого из изображенных предметов: шершавость лукошка, замшевую мягкость грибных шляпок, прохладный бок рыбины и гладкость медного блюда. Можно даже почувствовать запах леса, еловой хвои, реки, жизни рядом с природой, в гармонии с ней.

Пьер Огюст Ренуар «Лук», 1881


Пьер Огюст Ренуар «Лук», 1881 © Институт искусств Стерлинга и Франсин Кларк, Williamstown

Натюрморт в творчестве импрессионистов занимал не главную роль, но, тем не менее, встречается почти у всех художников этого направления. Ренуар — не исключение, за жизнь он написал 1880 натюрмортов!

Фруктово-овощные миксы Ренуара не всегда реалистичны с точки зрения гастрономической совместимости, но всегда восхитительны по цвету, свету и «вкусу». Он писал натюрморты сразу по окончании очередного портрета, чтобы отдохнуть и перезагрузиться, отчасти поэтому все они такие очаровательные и легкие. Натюрморт «Лук» прост и аскетичен. Шесть луковиц и две головки чеснока выписаны мастерски, текстура всех предметов выписана виртуозно, круглые луковые бока кажутся лакированными. Несмотря на простоту, в натюрморте ощущается жар и яркость Средиземноморья — картина была написана Ренуаров во время путешествия по Италии.

Борис Кустодиев «Купчиха за чаем», 1918


Борис Кустодиев «Купчиха за чаем», 1918 © Государственный Русский музей

Трудно представить, что душевное и колористически щедрое, светоносное искусство Кустодиева сохранило свои удивительные качества даже в ту пору, когда болезнь лишила его возможности двигаться. Но художника, по его же словам, спасала «чудесная страна воспоминаний» — сюжеты и люди уже ушедшей, но не утратившей свой терпкий аромат жизни. «Купчиха за чаем», написанная Кустодиевым в голодном Петрограде 1918 года — замечательный и характерный пример такого образного воспоминания о пышных красавицах, о теплых лазоревых вечерах, о ритуалах торжественных чаепитий, о жизни такой прекрасной в ее неторопливости и размеренности.

В этом натюрморте Кустодиева всего в избытке, всего вдосталь, но эта избыточность не кажется вульгарной. Мраморные плечи дородной купчихи, огромный сверкающим самовар, очевидно пышущий жаром, истекающий сахарным соком арбуз соседствует на столе с выпечкой и фруктами, кот, ластящийся к хозяйке, — это не лубок, а воплощенная на холсте мечта. Мечта о жизни, которая могла бы быть такой.

Кузьма Петров-Водкин «Утренний натюрморт», 1918


Кузьма Петров-Водкин «Утренний натюрморт», 1918 © Государственный Русский музей

Предметный мир натюрмортов Петрова-Водкина, как некая внутренняя вселенная, очень точно показывает настроение окружающего мира. Глядя на неодушевленные предметы, лежащие на столе (единственным «живым» персонажем картины является собака, но ее замечаешь в последнюю очередь), сразу чувствуешь настроение этого утра. Кажется, за столом кто-то только что сидел и отошел на минуту, оставил недопитый стакан с чаем, не притронулся к еде. Впереди целый летний день, в котором, возможно, будет небольшое путешествие, может быть даже приключение — на столе мы видим фонарик и спички. Верный пес не отходит от стола, в ожидании хозяина и, возможно, какого-то лакомства.

Возможно, за границами этого идиллического фрагмента, находится что-то более суровое, не видимое нам, и можно бесконечно фантазировать на тему предполагаемых событий этого летнего дня, очевидно лишь то, как мастерски Петров-Водкин простым языком вещей смог рассказать жизнь, со всеми ее радостями и тревогами.

Зинаида Серебрякова «На кухне. Портрет Кати», 1923


Зинаида Серебрякова «На кухне. Портрет Кати», 1923 © Музей изобразительных искусств, Нижний Тагил

Зинаида Серебрякова — одна из первых и наиболее любимых публикой в России профессиональных художниц, мирискусница «новой волны». В своем творчестве она создала множество обаятельных и милых женских и детских образов, много рисовала мужа, себя, детей, передавая атмосферу своего дома и теплоту домашней обстановки. Почти все семейные портреты представлены как жанровые сцены, в которых большую роль играет натюрморт. «На кухне» — не исключение.

Самое сложное в детском портрете — не скатиться в кукольность и сентиментальность. Серебряковой удалось избежать этого, дети на ее картинах не играют какую-то определенную роль, навязанную взрослыми, а живут своей важной жизнью, в которой множество разных серьезных и интересны дел. Именно так изображена на картине и младшая дочь художницы, Катя. Привычный быт здесь возведен в ранг красоты и гармонии, все настолько пронизано любовью и теплом, что даже рыбины на переднем плане не кажутся холодными. То, с какой почти идеализированной реалистичностью выписаны все детали натюрморта, говорит нам: в домашнем, семейном кругу не бывает неважных мелочей, все значимо и ценно.
Источник: magazineart.art
Поделись
с друзьями!
532
1
3
8 месяцев

Розы в живописи

Если бы составляли топы самых популярных цветов, то лидером, несомненно, снова и снова становилась бы она. Роза - эта прекрасная огненная чаша, которая расцвела на бесчисленных живописных картинах маслом, привлекает внимание своей надменной, колкой красотой. Во все времена художники не оставляли без внимания этот прекрасный цветок.


Розы с давних пор начали занимать свои позиции на полотнах великих мастеров. К эпохе Возрождения ранящие неопытных владельцев цветы покорили большинство европейских стран и появились в национальной живописи. Розовые бутоны непременно участвовали в украшении важнейших обрядов. Со временем значение розы только увеличивалось, она обретала новые смыслы, становилась символом, наполненным совершенно различными расшифровками.

Сандро Боттичелли «Дева Мария с Младенцем и Иоанном Крестителем», 1475;

Символ розы


Роза в живописи старых мастеров всегда на своем месте. Цветок, как и многие другие растения и представители фауны, наделялся значениями, которые легко считывались в свое время. Теперь же нам часто приходится вспоминать забытые коды. Например, что бутон розы обозначал чистоту, святость. Он стал частым атрибутом Девы Марии (Сандро Боттичелли «Дева Мария с Младенцем и Иоанном Крестителем», 1475; Ян ван Эйк «Дева Мария», 1426-1429).

Душа розы. Джон Уильям Уотерхаус

Общая склонность к естеству, внимание к живой природе сказалась на частом появлении розовых цветов на картинах прерафаэлитов (Джон Уильям Уотерхаус «Срывайте розы поскорей», 1908; «Моя сладкая роза (Душа розы)», 1908). На картине Уотерхауса «Психея, проникающая в сад Купидона» (1904) мы видим только девушку, держащую в руке розу. Она входит в сад, наполненный цветущими кустами, что в этом такого? Зная, что роза в живописи часто выступает как символ любви, мы понимаем, что путь, усеянный именно этими цветами, ведет к любимому. А зная этот мифологический сюжет мы добавляем к разгадке то, что сам возлюбленный и есть воплощение любви.

Джон Уильям Уотерхаус - Психея, проникающая в сад Купидона, 1904, 71×109 см

Соединяя христианские и античные образы, прерафаэлиты создавали по-новому зашифрованные картины. Например, на картине Данте Габриэля Россетти «Венера Вертикордия» (1868) богиня окружена розовыми бутонами и жимолостью, которые означают любовь и чувственность. Это очень подходящие атрибуты для разжигательницы любовных чувств.

Данте Габриэль Россетти «Венера Вертикордия» (1868)

Кроме того, женщина держит в руке стрелу, очевидно, Амура, на которой сидит бабочка - обозначение Психеи. Мы снова вспоминаем историю о двух влюбленных. Несмотря на большое количество языческих элементов, над головой Венеры изображен нимб святой. Интересная комбинация.

Знак раздора


Но есть у розы и более специфическое значение. Например, красно-белый цветок, который появляется на картинах и витражах в Англии - это фамильная эмблема королевской семьи Тюдор. Такой комбинированный бутон является объединением эмблем двух благородных семейств. Их вражда принесла большие потери Англии. В качестве напоминания об этом тяжелом противостоянии, мы наблюдаем белый бутон в руках Елизаветы Йоркской (из ветви Йорков), а с красным цветком нередко изображается Генрих IV (представитель династии Ланкастеров).


Все же не всегда цветы розы в живописи так многозначны. Иногда красивый бутон - это только то, что мы видим. Таковы розы в пейзажах и натюрмортах импрессионистов (Э. Мане «Сирень и розы», 1882; К. А. Коровин «Розы», 1912; П. И. Петровичев «Натюрморт. Розы», 1920).

Э. Мане «Сирень и розы», 1882;

К. А. Коровин «Розы. Букет у моря»

Художники этого направления не стремились усложнить свои картины, они просто ловили красоту мира вокруг. Не всегда даже можно точно определить, розы ли в живописи маслом перед нами (К. Моне «Мадам Моне с ребенком в саду художника в Аржантее», 1875). В итоге мы получаем совсем другое впечатление от растений - как от части целого, части большого букета или наполненного светом цветочного сада. Это изображение отсылает только само к себе, к быстротечной красоте нежного цветка. Хотя и этого, кажется, достаточно.

К. Моне «Мадам Моне с ребенком в саду художника в Аржантее», 1875

Живопись расцвела после первых цветочных коллекций во многом благодаря розе — цветку с совершенными формами и оттенками. Рисуя картины с розами, художники наслаждались эстетикой и гармонией природы. Многие из них увлекательно экспериментировали с сюжетами, рассказывая литературные произведения в разноцветных тонах. С каждой эпохой появлялись новые обличия и символика королевы садов.

Розы в вазе. Пьер Огюст Ренуар

Ваза с розами Франс Мортельманс

Розы и тюльпаны. Эдуард Мане

Корзина с розами. Франс Мортельманс

Натюрморт с розами. Франс Мортельманс

Красные розы


Алая роза знаменуется как символ любви, желания, расцвета, безупречной красоты и страсти. Она выражает одновременно язык души и плоти, что дает огромное количество идей для написания картин маслом и акварелью. Мастера живописи в разные эпохи отражали эмоции в закрытых бутонах, а раскрытый цветок считали королевским, увядшие розы показывали прошедшую любовь, разлуку, боль и разочарование. Так картины с красными розами олицетворяли глубокие чувства влюбленных и характеризовали стиль романтизма.

Посланник любви. Мария Спартали Стиллман

Сюжетная линия с алым букетом воспроизведена во многих работах художницы-прерафаэлиты Марии Спартали Стиллман. В ее знаменитой картине, выполненной акварелью «Посланник любви», 1885, символом чувственности и любви одновременно стали красный цветок, голубь и девушка с вышивкой Купидона.

Красные розы в стеклянном кувшине Пауль де Лонгпре

Совсем по-иному чувство романтики и красоты выражает знаменитый художник-декоратор Уильям Моррис в собственном произведении «Решетка», 1864. Красивые бутоны изящно обвивают садовую конструкцию. Этот орнамент стал широко известен в мире и до сих пор применяется в английском дизайне.

Птицы и цветы на решетке Уильям Моррис

Совсем по-иному чувство романтики и красоты выражает знаменитый художник-декоратор Уильям Моррис в собственном произведении «Решетка», 1864. Красивые бутоны изящно обвивают садовую конструкцию. Этот орнамент стал широко известен в мире и до сих пор применяется в английском дизайне.

Красные розы Пьер Огюст Ренуар

Пьер Огюст Ренуар создал одну из лучших цветочных коллекций – рисуя розы в вазах, венках, кувшинах, корзинах. Он обладал неиссякаемым воображением и стремился к живости, естественности, чарующей красоте. Картины его сильно отличались от голландских натюрмортов, в них ощущалась невероятная магия. Можно сказать, что розы Ренуара впитали в себя буйство всех природных оттенков и форм.

Букет красных и белых роз Пьер Огюст Ренуар

В ряды Ренуара относят и Константина Коровина. Русский живописец нарисовал около двадцати картин маслом с розами. Особое внимание заслужила его работа «Розы и фиалки», 1912. Изображение вазы с ярко-красными бутонами, рядом с которой нарисован маленький букет фиалок, кофейные принадлежности, сахарница и оранжевый апельсин, а за окном все тот же манящий Париж.

Розы и фиалки Константин Коровин

Белые розы


О белой розе впервые упоминается в мифологических рассказах, восхваляющих ее первозданность. По легендам цветок с белыми бутонами рос в великолепных садах Древней Греции и Древнего Рима и олицетворял символ чести и невинности. В живописи садовые розы нежного оттенка символизируют то же самое – молодость, совершенство и чистоту.

Белые розы. Рауль де Лонгпре

Белые розы в голубых кувшинах. Константин Коровин

Голландские и французские живописцы нарисовали множество картин с белыми розами в виде натюрмортов: одиночных композиций; в сочетание с цветными розами; с другими цветами. Часто сюжет разбавлялся красочными элементами – добавлением алой вишни, сочных фруктов, разложенных рядом. Это идеальное перенесение даров природы на белоснежный холст.

Белые розы и вишня. Анри Фантен-Латур

Яркий след в цветочной живописи оставил Анри Фантен-Латур. Преданный реализму, он совершенствовал свое цветочное мастерство. Написал маслянистыми красками 800 композиций, среди которых запоминающаяся картина в классическом стиле «Белые розы в стеклянной вазе», 1875.

Белые розы в стеклянной вазе. Анри Фантен-Латур

Иначе исполнен нежный букет из роз в поэтической работе советского художника Александра Головина «Девочка и фарфор (Фрося)», 1916.

Девочка и фарфор Александр Головин

Розы в стеклянной вазе. Александр Головин

Желтые розы


Великолепие садов и парков, как и в ранние эпохи, невозможно представить без изящной розы, плетущейся или расстилающейся кустами. Палитра ее оттенков настолько многогранна, что художники посвящают немало времени для отражения полной красоты цветочного естества. Желтая роза, о которой сложено не так много легенд, заслуживает отдельного внимания из-за летнего и сочного оттенка.

Желтая роза. Анри Фантен-Латур

Не равнодушен к букету из желтых роз и французский живописец Пауль де Лонгпре, в собственных работах он, так же как и Э. Мане, сочетает пестрые бутоны с сиренью. Он редко рисовал цветы в вазах, предпочитал свежесобранные букеты, оставленные на столе или на деревянном пороге.

Желтые и белые розы. Пауль де Лонгпре

Абсолютный шедевр «Цветы в кувшине. Купальницы» нарисовал знаменитый советский пейзажист Петр Петровичев. Огромный желтый букет передал красоту лета в осенних мотивах. Больше всего П. Петрович привлекала чайная роза.

Цветы в кувшине. Купальницы Петр Петровичев

Розовые розы


Отражение розовых бутонов в живописи символизирует нежность, очарование и молодость. Живописцы, практикующие жанр «натюрморт», превосходно передают многоликость оттенка. Красота розового заключается в элегантности – ни один цветок в живописи не отражен так тонко как нежно-розовая роза.

Розы в вазе Эдуард Мане

Все оттенки розоватого встречаются в композициях Анри Фантен-Латура, Петра Петровичева, Пьер Огюст Ренуара, Константина Коровина. Живописцы с большим восторгом передали символику красивейшего цветка мира в собственных творениях.

Розовые розы. Константин Коровин

Букет роз в зеленой вазе. Пьер Огюст Ренуар

Розовые розы. Рауль де Лонгпре

Корзина роз. Анри Фантен-Латур

Венок из роз Пьер Огюст Ренуар
Поделись
с друзьями!
532
1
7
10 месяцев

Сирень на полотнах художников

Май - пора цветения прекрасной, благоухающий и нежной сирени. С ней связаны мысли о весне, о радости, о чудном мае, когда ожившая природа предстает перед нами во всем своем великолепии.

Пока ещё не отцвели сирени,
И сладкое дыхание их волнует грудь,
Иной раз хочется пасть на колени,
Сказать весне: «Не отходи! Побудь…»
А.Н.Апухтин

Давайте вместе полюбуемся полотнами художников, запечатлевших сирень на своих полотнах. Многие из них меня просто завораживают!!!

Владимир Иванов — Сирень в корзине

Букет сирени. Кирилл Валентинович Киселев

Софи Андерсон - Пора сирени

Станислав Брусилов - Сирень

Елена Самарская - Запах тумана

Н.С. Титов - Сирень и ландыши

Попова С. Е. - Сирень

Тимофеев Владимир Петрович - Сирень

Русский художник Петр Кончаловский очень любил писать цветущую сирень. За свою жизнь он написал более сорока таких картин. Перед его домом был чудесный сад, в котором росли всевозможные сорта сирени. С тех пор Кончаловский писал свои картины с сиренью и каждый раз цветы на его холсте получались разные. Она была символом его творчества.

Петр Кончаловский - Сирень в корзине

Петр Петрович Кончаловский - Сирень

Петр Петрович Кончаловский - Сирень в стеклянной банке на фоне печки

Петр Петрович Кончаловский - Сирень

Д. Белюкин - Натюрморт с сиренью

Марк Калпин - Сирень

Ирина Сергеева-Липеровская - Сирень

Эдуард Панов - Сирень

Рубен Сафронов - Сирень

Любовь Лесохина

Нестерчук Степан — В деревне у бабушки

Щербинина Мария

Пивторак С.Н. - Сирень и котик

Заведеева Татьяна - Сирень

Зинаида Ведешина - Сирень в саду

Зинаида Ведешина - Сиреневый вечер

Ирек Нуртдинов

Иванов Владимир - Сирень

Инесса Сафронова

И в заключении немного интересных фактов о сирени. На удивление она имеет богатую историю и любопытное происхождение!

Научное название сирени произошло от греческого «syrinx», это означает «трубка», «дудочка». Так как, из мягкой сердцевины ствола растения можно сделать дудочку или свирель, а по древнегреческой легенде дудочку изобрел и сделал из тростника бог лесов и полей — Пан. Он полюбил нимфу Сирингу и преследовал ее, но Пан внешне был ужасен: рогатый и бородатый, поэтому спасаясь от его преследования нимфа превратилась в прекрасный куст сирени. Тот, кто слышал мелодичные звуки свирели, сделанной из сирени, будет всегда помнить это прекрасное звучание.

Родиной сирени считают Малую Азию. Оттуда ее завезли в Европу в ХVI веке и она быстро прижилась. Уже через несколько лет сирень цвела в Англии, Германии, Франции и других странах Европы. По-французски сирень называют «Lilas» — «лиловый». Это слово персидское и обозначает — «цветок».

Букет белой сирени можно окрасить в разные цвета. Например, в розовый, сиреневый, голубой или золотистый. Для этого необходимо взять срезанный стебель и расплющить его у основания, затем поставить на два часа в ведро с подкрашенной водой. Как только цветы окрасятся, их можно поставить в вазу с чистой водой.

На Руси сирень всегда росла в старинных помещичьих усадьбах. Ее высаживали в садах и парках. В период цветения, такой Сиреневый парк обладал нежным и очень приятным запахом, поражал своими цветами и оттенками от белого, светло-сиреневого до темно-фиолетового. Это было прекрасное место для романтических прогулок и семейного отдыха.

Растворил я окно…
И в лицо мне пахнула весенняя ночь
Благовонным дыханьем сирени…
Об отчизне я вспомнил далёкой,
Где родной соловей песнь родную поет
И, не зная земных огорчений,
Заливается целую ночь на пролёт
Над душистою веткой сирени.

в.к. Константин Романович
Поделись
с друзьями!
662
2
8
11 месяцев

Нежные розы бельгийского художника Франца Мортельманса

Франс Мортельманс (1 мая 1865, Антверпен – 11 апреля 1936, Антверпен) - бельгийский живописец, рисовальщик и гравер. Первоначально писал портреты, исторические картины, морские и жанровые сцены, но позже стал специализировался на натюрмортах и, в частности, на цветочных композициях, с которыми добился значительного успеха.

Франс учился в Антверпенской академии изящных искусств под руководством Лукаса Виктора Шефельса и Шарля Верлата с 1876 по 1886 год. Затем он продолжил учебу в Высшем институте изящных искусств Антверпена.



Франс принимал активное участие в художественных обществах, которые процветали во Фландрии на рубеже 20-го века. Как и его брат Лодевейк, он был членом Антверпенского художественного общества "Де Скальден". Первоначально общество преследовало две цели: организация выставок "орнаментального искусства" и художественное оформление официальных парадов и карнавалов. Мортельманс выставлял свои работы на различных мероприятиях, организованных "De Scalden", а также местными художественными обществами "Arte Et Labore" и "De Distel". В дальнейшем участвовал в официальных салонах и различных выставках в Антверпене, Мехелене, Генте и Льеже.
















Поделись
с друзьями!
833
3
14
12 месяцев

Аурелио Бруни: современный художник из Италии и его работы

Кто такой великий художник? Тот, кто хорошо пишет картины? Тот, кто устраивает множество своих выставок? Тот, чьи работы красуются в лучших музеях и картинных галереях мира? Наверное, несколько лет назад можно было бы так сказать. Сейчас художника называть великим можно, если его признает «старая» школа, если он идет параллельно новому, не переходя грани безумного, сублимируя классику и модерн. Безусловно, работы гения вызывают эмоции у зрителя. Сегодня мы расскажем о потрясающем современном художнике из Италии, работы которого можно смело ставить в ряд с шедеврами художественного искусства.

Аурелио Бруни, так зовут итальянского художника. Он был рожден в городке Блера в октябре 1955 года. Бруни не имеет художественного образования, юноша выучился на сценографиста в институте искусств Сполето. Аурелио является самородком, ведь как художник он состоялся исключительно благодаря самообразованию, фундаментом послужили знания, полученные о живописи еще в школьные годы. Писание картин маслом Бруни открыл для себя в возрасте 19 лет, с тех пор с кистью он не расставался. Сейчас художник работает и творит в Умбрии.


Самые ранние работы Бруни больше примыкают к направлению сюрреализма, это очень четко ощущается в созданных им образах.


По мере взросления художник переходит на сторону лирического романтизма, символизма. Утонченность, пластичность линий, детализация — все это начинает прослеживаться на полотнах итальянца. Удивительно то, что неодушевленные предметы встают в ряд с одушевленными, а именно с человеком: каждый элемент выглядит гиперреалистично, однако, это не мешает разглядеть суть, уловить смысл, заложенный художником.


Изысканность, эстетика, чувственность работ вызывает легкое ощущение меланхолии, одиночества и задумчивость. Именно таким духом насквозь пропитаны потрясающие картины Аурелио Бруни.












Поделись
с друзьями!
1352
6
23
22 месяца

Цветочный натюрморт Яна де Хема: аллегория жизни и смерти

В «Золотом веке» голландской живописи в XVII веке натюрморт окончательно стал самостоятельным жанром живописи, который в образной форме воплотил мировоззрение человека. Особое место в этом периоде занимают цветочные композиции Яна Давидса де Хема, которые прославляют красоту флоры и в то же время хранят в себе множество скрытых символов.


«Автопортрет» около 1630-1635 гг. Автор: Ян Давидс де Хем

Рассмотрим его картину «Цветы в вазе». В этой работе де Хем создает гармоничную композицию из тридцати одного цветка, овощей и зерновых культур, уравновешивая их цвета и формы. Несмотря на иллюзию реальности, этот букет никогда не существовал на самом деле, так как цветы принадлежат к разным временам года. Воображение художника восхитительно! Включая те или иные виды цветов и насекомых, художник включал в полотно определенное смысловое значение.

Ян де Хем | Цветы в вазе

Начнем с фундамента натюрморта — вазы. В этой композиции де Хим подчеркивает округлость от мраморного постамента и стеклянной вазы, отражающей окно студии, до обильного цветения и изогнутых стеблей хмеля и пшеницы. Кстати, круг и овал — любимые геометрические формы мастеров барокко. Округлость перекликается и с изогнутой формой улитки и гусеницы. Луковичная форма стеклянной вазы усилена декоративными линиями, которые сходятся в центре, уравновешивая композицию.

Ян де Хем | Цветы в вазе (Фрагмент)

У основания вазы художник изобразил символы бренности: увядшие и сломанные цветы, осыпавшиеся лепестки и засохшие стручки гороха. Используя закрученные стебли, листья и лепестки, де Хем направляет взгляд зрителя. Мы смотрим на горох в левом нижнем углу, наш взгляд двигается выше и поворачивает у грозди цветов в самом центре, после чего двигается вправо вдоль изящного стебля пшеницы. Колос пшеницы — символ хлеба, тела Христова.


Тему бренности жизни мы видим и в маленьком сюжете у белого центрального цветка: гвоздика подвергается нападению насекомых. Они уже разорили листья и, вполне вероятно, направят свои силы на остальные цветы композиции. Такие элементы, с одной стороны, призваны напомнить нам о хрупкости жизни и приближающейся смерти, подчеркивая популярную идею vanitas (Vanitas vanitatum et omnia vanitas «Суета сует и все — суета») — тщеславие и привязанность к мирским вещам. А с другой стороны, добавляют натюрморту динамики и живости. Гусеница, куколка и бабочка вместе означают жизненный цикл и стадии земной жизни человека, смерть и воскресение. Улитка ассоциируется с душой грешника.

Ян де Хем | Цветы в вазе (Фрагмент)

Главный цветок композиции — мак — напоминает о скоротечности живой красоты, а скрытые в нем семена — о смерти и забвении. Синий ирис олицетворяет отпущение грехов и указывает на возможность спасения через добродетель.


В букете мы видим ещё символы скромности и чистоты: полевые цветы, фиалки и незабудки. Их окружают тюльпаны, символизирующие увядающую красоту и бессмысленное расточительство (спекуляция луковицами тюльпанов в Голландии во второй половине тридцатых годов XVII века достигла поистине степени безумства, когда за цену луковицу тюльпана редкой окраски можно было купить целый дом). © Artifex.ru



Соединив фламандскую точность с геометрической строгостью голландцев, Хем создал оригинальный и утонченный стиль. Яркие гармонично подобранные цвета и оттенки, энергия и непрерывное движение даже на таком статичном жанре как натюрморт, четко подобранная композиция и гениально скрытые аллегории — отличительные черты работ Яна де Хема и его значительный вклад в «Золотой век» Голландии.

«ЦВЕТОЧНЫЙ БУКЕТ В СТЕКЛЯННОЙ ВАЗЕ, РАСПЯТИЕ И МЁРТВАЯ ГОЛОВА»

«ЦВЕТЫ В ВАЗЕ В НИШЕ»

ЯН ДАВИДС ДЕ ХЕМ «ЦВЕТЫ В СТЕКЛЕ И ФРУКТЫ» XVII ВЕК

«MEMENTO MORI С ЧЕРЕПОМ ПОД ВАЗОЙ С ЦВЕТАМИ» 1660Г.

«КАРТУШ С ФРУКТАМИ И ЦВЕТАМИ И БОКАЛОМ ДЛЯ ВИНА» ЯН ДАВИДС ДЕ ХЕМ

ЯН ДАВИДС ДЕ ХЕМ «ВАЗА С ЦВЕТАМИ» 1645 Г.

ЯН ДАВИДС ДЕ ХЕМ «ВАЗА С ЦВЕТАМИ И ЯГОДАМИ»

Букет в стеклянной вазе.
Поделись
с друзьями!
660
3
14
22 месяца
Уважаемый посетитель!

Показ рекламы - единственный способ получения дохода проектом EmoSurf.

Наш сайт не перегружен рекламными блоками (у нас их отрисовывается всего 2 в мобильной версии и 3 в настольной).

Мы очень Вас просим внести наш сайт в белый список вашего блокировщика рекламы, это позволит проекту существовать дальше и дарить вам интересный, познавательный и развлекательный контент!