Альберту Дросу Киргизия показалась раем. «Как фотографу или любителю природы, вам знакомо это чувство, когда вы видите нетронутую красоту? Сумасшедшие горы с широкими долинами? Это воздействует на вас как спусковой сигнал. Вот что со мной сделала Киргизия», – написал Дрос.

Опытный фотограф Альберт Дрос (Albert Dros) повидал немало потрясающих пейзажей, снимая на родине в Нидерландах, в Исландии, Италии. Но он совсем не ожидал увидеть красоту, которую нашёл во время 3-недельного путешествия по Киргизии. Страна в Центральной Азии, расположенная вдоль Великого шёлкового пути, располагает невероятным разнообразием ландшафтов. Хотя территория Киргизии более чем на три четверти – горы. Она лежит в пределах двух горных систем – Тянь-Шаня и Памиро-Алая. Выхода к морю нет. Но есть великолепные долины и реки, а ещё бескрайнее небо, нетронутое световым загрязнением.

Хотя горы видны даже из Бишкека, настоящее приключение началось, когда Дрос покинул столицу и отправился исследовать регионы, населённые кочующими пастухами.

«Приложив некоторые усилия (путешествуя по бездорожью и крутым пешеходным тропам) можно найти самую красивую нетронутую природу, которую вы когда-либо видели. Бесконечные долины в окружении огромных гор, кристально чистые бирюзовые озёра, дикие орлы, каньоны. В этой стране есть всё. Меня удивило разнообразие ландшафтов на довольно небольшой территории. Всего несколько часов езды приведут от заснеженных гор к пейзажам, похожим на лунную поверхность, с красными каньонами и неземными текстурами».

Микеланджело Буонарроти был художником, архитектором, даже поэтом, но считал себя прежде всего скульптором.

Мраморная статуя «Скорчившийся мальчик» - единственная работа легендарного мастера в российских музеях. Возможно, «Скорчившегося мальчика» Микеланджело создавал для капеллы Медичи в церкви Сан-Лоренцо во Флоренции. В XVIII веке скульптуру приобрела Екатерина II.

«Мадонна у лестницы»

Ок. 1490
Каза-Буонарроти, Флоренция

Этот рельеф высотой 56,7 см — самая ранняя сохранившаяся работа Микеланджело-скульптора. Когда он создал «Мадонну у лестницы», ему было примерно 15 лет. В те годы Микеланджело жил при дворе Лоренцо Великолепного, фактического правителя Флоренции, который окружил себя юными дарованиями и предоставил им возможность учиться и совершенствоваться. Лестница, на фоне которой сидит Богородица с младенцем Христом, может символизировать союз земного и небесного, человеческого и божественного.

Снеговик

1494

В январе 1494 года во Флоренции случился на редкость обильный снегопад. Пьеро Медичи, сын и наследник Лоренцо Великолепного, не дал сугробам пропасть зря. Согласно Джорджо Вазари, ученику и биографу Микеланджело, Медичи послал за 18-летним скульптором и «приказал ему вылепить у себя во дворе статую из снега, которая вышла прекраснейшей».

Кого изображала скульптура, неизвестно. Еще один ученик и биограф Микеланджело, Асканио Кондиви, писал, что за недолговечный шедевр тот был удостоен места при дворе Пьеро и за его столом. Флорентийские художники эпохи Ренессанса порой, когда позволяли погодные условия, лепили скульптуры из снега и по собственному почину, оттачивая мастерство на податливом материале.

«Вакх»

1496–1497
Национальный музей Барджелло, Флоренция

Трудно поверить, но шедевр работы Микеланджело мог не понравиться заказчику. Так вышло со статуей бога вина, которую скульптор создал для кардинала Рафаэле Риарио. В итоге «Вакха» приобрел банкир Якопо Галли и поставил его в саду среди античных древностей.

Вероятно, это самая ироничная скульптура Микеланджело. Молодой мастер продемонстрировал приверженность классическому идеалу красоты и воспроизвел одну из традиционных для античного искусства поз, сумев, однако, показать, что хмельной бог нетвердо держится на ногах.

Римская, или ватиканская, «Пьета»

1498–1499
Собор Святого Петра в Риме

Всего скульптурных групп на сюжет оплакивания Христа работы Микеланджело известно три; эта самая ранняя и самая знаменитая. «Пьету» заказал ему в Риме французский кардинал Жан Билэр де Лагрола, изначально — для своей усыпальницы. Эта скульптура — единственная, которую Микеланджело подписал.

По словам Джорджо Вазари, однажды мастер услышал разговор приезжих из Ломбардии, которые обсуждали его шедевр как произведение другого человека, их земляка. Ночью Микеланджело пришел к скульптуре со светильником и выбил прямо на ленте, стягивавшей платье на груди Богородицы, латинскую подпись, которая переводится как «Микеланджело Буонарроти, флорентиец, исполнил».

«Давид»

1501–1504
Галерея Академии изящных искусств во Флоренции

Предшествующие скульпторы изображали этого ветхозаветного героя победителем, после поединка с великаном Голиафом, но Микеланджело решил не быть как все и изваял Давида до битвы, держащим в руке камень, которому еще только предстоит сразить супостата. «Поистине, творение это затмило все известные статуи, новые и древние», — писал Джорджо Вазари.

«Давид» изначально предназначался для кафедрального собора Флоренции. В итоге статую решили поставить на главной площади города, перед зданием Палаццо Веккьо, где заседало правительство республики, как символ независимости флорентийцев. Только в 1873 году «Давида» переместили в музей, чтобы защитить мрамор от непогоды; на площади в наши дни стоит копия.

«Моисей»

1513–1515
Церковь Сан-Пьетро-ин-Винколи в Риме

Статую ветхозаветного пророка Микеланджело изваял для гробницы папы Юлия II. Над грандиозным многофигурным проектом усыпальницы, замысел которого то и дело менялся, скульптор с перерывами работал сорок лет, с 1505 по 1545 год. Моисей держит каменные скрижали с заповедями, ниспосланными ему Богом.

Рога на лбу пророка — частый мотив в европейской иконографии, следовавшей тексту Вульгаты, латинского перевода Библии. Там, в эпизоде, когда Моисей спускается со скрижалями с горы Синай к народу (Исход, 34:29), сказано: «…Et ignorabat quod cornuta esset facies sua» — «…И не знал, что лицо его стало рогато». Редкое слово из древнееврейского оригинала «каран» другие переводчики трактовали как «сияние». Однако оно родственно слову «керен» — «рог», а рог — это древневосточный символ мощи и особого статуса, так что это могла быть метафора величия, которым Бог отметил своего пророка.

«Пробуждающийся раб»

1530
Галерея Академии изящных искусств во Флоренции

Четыре флорентийские статуи «рабов», или «пленников», изначально тоже предназначались для гробницы папы Юлия II в Риме, однако масштаб грандиозного проекта был урезан, и они так и остались в мастерской скульптора.

Все четыре выглядят незавершенными, как будто не полностью извлеченными скульптором из камня, особенно «Пробуждающийся раб». Есть мнение, что Микеланджело не забросил ставшую ненужной работу, а увидел в незаконченности особую выразительность или даже воплотил таким образом неоплатонические идеи о душе в телесном плену.

«Военачальник»

1531–1534
Капелла Медичи в церкви Сан-Лоренцо во Флоренции

Микеланджело работал еще над одним грандиозным проектом усыпальницы — капеллой семьи Медичи при соборе Сан-Лоренцо во Флоренции; тут он проявил себя и как архитектор, и как скульптор.

Пышно отделаны парные надгробия герцогов Лоренцо и Джулиано Медичи — соответственно, внука и младшего сына Лоренцо Великолепного, с идеализированными фигурами усопших и аллегориями четырех времен суток. Задумчивый образ Лоренцо, герцога Урбинского, вдохновил Огюста Родена, создавшего «Мыслителя». Одна из трактовок загадочной звериной морды на ларце под локтем фигуры: это летучая мышь — символ меланхолии.

Флорентийская «Пьета»

Ок. 1550
Музей Опера-дель-Дуомо, Флоренция

Эту скульптурную группу Микеланджело, уже пожилой человек, скорее всего, предназначал для собственного надгробия. Здесь есть автопортрет художника — в облике ученика Христа, Никодима или Иосифа Аримафейского, который поддерживает вместе с Девой Марией тело Иисуса.

Но в процессе работы что-то пошло не так, и Микеланджело попытался разбить произведение, которое счел неудавшимся, а потом забросил его. Впоследствии «Пьету» доработал ученик ее создателя Тиберио Кальканьи, однако, например, левая нога Христа так и отсутствует.

Современное искусство использует все возможные способы для выражения идей. Художник Роуэн Мерш (Rowan Mersh) решил брать материалы для своей работы со дна морского и не прогадал. Тысячи ракушек соединяются в настоящие скульптурные шедевры, производя неизгладимое впечатление на зрителей. Посмотрите и вы на красоту, созданную в результате тандема человека и природы.

Британского мультимедийного художника Роуэна Мерша привлекает красота природы. Он использует тысячи морских ракушек для создания завораживающих современных скульптур.

Его экспериментальный метод — превращать обычные предметы в высокое искусство, уделяя особое внимание форме, цвету и геометрии.

Для того, чтобы создать скульптуру, которая впоследствии украсит стену, нужно потратить от двух до шести месяцев.

Мерш прочесывает побережье в поисках материалов для творчества, которые может подарить море: от иголок морских ежей до разнообразных ракушек.

Вдохновленный идеей многоплановости материалов, Мерш заинтригован особенностями ракушек — они несут посылы символизма и традиции, которые он воплощает в своих работах.

Серия Pithváva — скульптуры на стене — создана из десятков тысяч ракушек дентария, собранных на берегу Тихого Океана на северо-западе Америки. Раньше эти ракушки высоко ценились американскими индейцами и использовались в качестве товара для обмена.

Питвава — божество из мифов первых жителей Америки, создавшее ракушки дентария и наделившее их символикой «священного богатства».

«Мои работы из этого цикла несут идею «священного богатства» через выражение его в современном звучании», — объясняет автор смысл, который вложил в свое творчество.

Скульптуры Роуэна Мерша можно рассматривать как в целостности, так и в мельчайших деталях.

Зрители восхищаются красотой каждой ракушки.

Утонченные и хрупкие, эти ракушки, каждая из которых обладает индивидуальными особенностями, привлекают внимание и воодушевляют на поиски тонких различий между ними.

Для автора эта индивидуальность — часть общей интриги. Он старается подчеркнуть красоту каждой ракушки, показать ее форму и оттенок.

Завораживающая красота этих работ доказывает, что природа — лучший в мире творец. Главное — хорошенько присмотреться, и тогда каждый сможет увидеть необычайную гармонию во всем, что нас окружает. А такие художники как Роуэн Мерш открывают наши глаза и сердца для этого познания.

Есть в глициниях (вистериях) нечто поистине волшебное. Их лиловые цветы, свисающие крупными кистями с искусственных или натуральных опор, выделяют аромат, который напоминает виноград.

Одна из самых известных глициний растет в парке цветов Асикага в Тотиги, Япония. Возраст этого растения 145 лет, оно охватывает площадь почти в пол акра и считается одним из самых красивых в своем роде:

Конечно, фотографы со всего мира фотографируют не только эту 145-летнюю глицинию. Ниже еще 25 фотографий с этими дивными древовидными растениями в лиловом цвету:

Еще в глубокой древности люди замечали, что красивые вещи приносят радость. Поэтому и сейчас даже утилитарные предметы, например, посуду, стараются делать изящной, радующей глаз. Со времен первобытного человека мало что изменилось, разве что теперь мы задумываемся над тем, почему красивые вещи помогают нам чувствовать себя счастливыми.

Ни глиняная миска, ни боевой топор не обязаны быть красивыми. Тем не менее люди тратили дополнительное время и силы, чтобы предметы выглядели привлекательно. Получается, что красота важна даже для предметов, из которых ешь похлебку или которыми убиваешь врага. Столетиями философы и мыслители пытались понять суть красоты. Почему одни вещи вызывают восторг, а другие разочаровывают?

Природная гипотеза

Точный ответ на этот вопрос никто не дал до сих пор. Но при этом ученые предложили несколько гипотез с разных точек зрения, объясняющих красоту. Наиболее популярной остается версия, основанная на законах природы. Древний человек замечал, что все съедобное и полезное, чаще всего, бывает симметричным, гладким и ярким. С другой стороны, испорченное и бесполезное часто выглядит высохшим, испорченным и, иногда, откровенно омерзительным.

Спелый фрукт на ветке дерева, пробирающийся через чащу олень, журчащая вода в ручье — все это было привлекательным. Касалось это и сексуальных партнеров. Фертильные, физически здоровые мужчины и женщины сильно отличались от старых и больных. Мозг постепенно закреплял положительные признаки. Так появились ассоциации, помогающие безошибочно определить полезное и безопасное. Это помогало выживать во враждебном первобытном мире.

Проходили тысячелетия, сменялись поколения и так появилось устойчивое понятие красивого. Можно сделать вывод, что люди считают красивым то, что в природе приносит пользу, обеспечивает безопасность и помогает размножению. Сейчас жизнь стала проще, но усвоенные многочисленными предками правила продолжают работать.

Все дело в паттернах

Одна из особенностей человека, отличающая его от животных — это способность различать паттерны. Под этим понятием подразумевают рисунки, узоры и фактуры. Для нас важно рассматривать изображения, причем каждый аз новые, а отсутствие свежих зрительных впечатлений может привести к стрессу. Человек тревожно, когда он постоянно наблюдает одно и то же.

Среда, где есть что рассматривать, всегда привлекательна. Наш мозг занят и покидать интересное место совсем не хочется. Это объясняет то, что нам неуютно в помещении с серыми бетонными стенами или среди многоэтажек спального микрорайона. Однообразие вокруг вгоняет нас в чувство уныния и даже тревоги.

Интерьеры, изобилующие деталями: книгами, статуэтками, картинами, необычной мебелью, коврами, нам нравятся. В них есть что рассматривать и анализировать, мозг как бы говорит нам: «Останемся здесь и рассмотрим больше». Поэтому имеет право на жизнь гипотеза о том, что красивым считается разнообразие, а некрасивым — однообразие и дефицит интересных мелочей.

Влияние моды

Многие ученые считают, что понятие красоты непостоянно. По их мнению, оно меняется по мере изменения окружения человека. Если мы изо дня в день смотрим на одно и то же, оно постепенно теряет свою привлекательность. Нам хочется чего-то нового, не набившего оскомину.

Страсть к новому — часть человеческой природы. Есть мнение, что древние люди, любившие все старое, не умели адаптироваться к изменчивому миру, не дали потомства и вымерли. Это объясняет то, что сегодня нам может нравиться гладкое и белое, а завтра в тренде окажется серное и шершавое.

Сейчас в моде бионика, завтра снова придет время индустриального, а потом, возможно, вернемся к классическому. В любом случае красивое всегда имеет один или несколько признаков из короткого списка: оно либо полезное, либо интересное, либо просто новое. Три этих свойства важны для выживания человека.

Маркос Беккари — художник-акварелист и учитель рисования в Общественном университете Куритибе, Бразилия. Его работы выглядят реальными из-за исключительного понимания автором освещения и акварельной техники.

Маркос Беккари не привык бежать от трудностей. Он борется с ними. Именно поэтому бразильский художник стал тем, кто он есть.

В настоящее время Беккари работает адъюнкт-профессором в Федеральном университете Параны, читая лекции по дизайну и графическому дизайну. В свободное время профессор посвящает рисункам акварелью.

Если просмотреть на портфолио его работ, можно понять, что Беккари много внимания уделяет воде. Настолько много, что в некоторых его работах вода выступает главным персонажем, поглощая людей своей массой и оттесняя их на задний план.

Вода неслучайно вышла на передний план творчества Маркоса –художник считал изображение воды своей слабостью и решил искоренить её. Сегодня можно с уверенностью сказать, что ему это удалось и теперь это одна из сильных сторон автора.

К выбору техники рисования Беккари подошёл ровно так же:

«Я считаю, что акварель – самая сложная техника из всех. Она непокорна, вы не можете полностью контролировать эту краску. Кроме того, она требует большой самодисциплины, что косвенно помогает мне и в других аспектах моей жизни».
Маркос Беккари

Маркос Беккари не просто показывает движение воды, но и завораживающий способ, которым вода преломляет черты и пропорции погруженных в неё людей.

Хотя пловцы часто находятся в центре внимания картин художника, их лица редко видны полностью. Автор предпочитает сохранять их инкогнито, часто искажая черты лица движущейся водой или поворачивая "моделей" спиной к зрителю. Это придаёт его работам ощущение романтической ностальгии и даёт зрителю возможность завершить повествование, начатое в картине.

У Маркоса нет художественного академического образования, но он с детства посещал курсы живописи. Он по прежнему считает воду самой трудной вещью для рисования:

«Я сосредотачиваюсь на воде ради преодоления моих художественных недостатков. А ещё, это также способ напомнить себе, что вы не можете контролировать большинство вещей. Я думаю, что вода олицетворяет это; мы должны научиться пользоваться ею, а не пытаться овладеть. "Пусть вода будет вашим проводником" – говорил Брюс Ли».

Маркос Беккари

Маркус хранит свои работы дома, собирая в коллекцию. Некоторые из своих акварелей он дарит. "В последнее время я сосредоточился на теле, погруженном в воду, просто потому, что это красивая ситуация", — отмечает акварелист. Он также замечает, что картины, которые чаще всего вдохновляют его, написаны под влиянием эмоций после просмотров фильмов. Кинематограф даёт Маркосу идеи для творчества и мотивируют процесс рисования.

Кристина Макеева — известный фотограф, она описывает свой уникальный стиль как гармоничное сочетание танца, фотографии и изысканной красоты природы или архитектуры.

Она твердо верит, что это слияние художественных форм усиливает радость и эмоции, вызываемые каждым запечатленным моментом. Для улучшения впечатления она призывает зрителей представлять мелодии, которые перекликаются с изображениями, и делиться своими мыслями в комментариях, позволяя другим погрузиться в то же эмоциональное путешествие.

Кристина находит очарование в захватывающих моментах, улавливая неземную суть плавных движений балета и сохраняя их в своих кадрах. Она видит в этих неподвижных снимках окна в подвешенную реальность, где время остановилось и заключена магия существования. Каждый кадр представляет собой кульминацию ее страсти и самореализации, поскольку в нем органично переплетаются ее любовь к балету, удовольствие от путешествий и увлечение фотографией. Работы Кристины — свидетельство ее непоколебимого блаженства, выраженного через среду, которую она обожает.