Симбиоз аналогового и цифрового в скульптурах гиперреалиста Су Тунг Хана

В последние годы мы уверенно противопоставляем цифровое аналоговому. А вот тайваньский скульптор
Су Тунг Хан (Hsu Tung Han) без труда совмещает эти две системы в своих удивительных работах. Резцу
мастера принадлежат более сотни необычных, завораживающих скульптур. Они максимально
реалистичны, но при этом рассыпаются на «пиксели», ломая мозг зрителю.


Все свои скульптуры Су Тунг Хан создает вручную, тратя на это долгие месяцы. В качестве материала
творец использует исключительно природный материал. Обычно это туя гигантская — произрастающее
в Юго-Восточной Азии дерево, с мягкой и вязкой древесиной.


Работа Су Тунг Хана очень кропотливая и состоит из нескольких этапов. Сначала скульптор рисует эскиз
будущей работы на бумаге. После этого он создает макет скульптуры из глины и долго дорабатывает его,
изменяя отдельные элементы. Лишь после того, как все доведено до идеала, Хан подыскивает
подходящую заготовку и берется за резец.


Многие считают, что «пикселизацию» своих работ скульптор проектирует при помощи компьютера. Но это
не так — весь творческий процесс Су Тунг Хана полностью аналоговый. Свои современные работы
он создает точно так, как это делали мастера сотни лет назад.


















Поделись
с друзьями!
30
0
1 день

Знаменитые европейские парки скульптур: искусство в природе

Скульптурный парк — уникальное культурное пространство, нечто большее, чем просто «музей под открытым небом». Органично вписать арт-объекты в природный ландшафт — еще одна творческая задача. Посмотрим, как справились с ней «лучшие из лучших»!


Парк Гуэль (Parque Güell), Испания


На создание знаменитого Парка Гуэль у каталонского архитектора Антонио Гауди ушло 14 лет. Работы начались в 1900 году, скульптурные композиции и жилые постройки раскинулись на площади чуть более 17 га на окраине Барселоны. Изначально приобретенная для постройки частных особняков, земля не привлекала инвесторов:
владелец будущего города-сада, друг Гауди, промышленный магнат Эусеби Гуэль смог продать лишь 2 участка из 62-х. Один из выстроенных на этих участках домов в 1906 году был куплен самим Гауди — нынче там расположен дом-музей прославленного архитектора.





По обеим сторонам входа в парк расположены небольшие домики — визитная карточка парка Гуэль. Фантастические текучие формы характерны для всех достопримечательностей парка, большинство из которых украшено в любимой Гауди технике «тренкадис» — мозаики из осколков стекла и керамики. Главная лестница ведет гостей парка к знаменитой изогнутой скамье, а после к «Залу ста колонн», потолок которого украшен изумительными мозаиками. С верхних точек парка открываются красивые виды на Барселону. В 1922 году семья Гуэль продала парк городской мэрии. Сегодня парк Гуэль — одна из главных достопримечательностей Барселоны, которую любят и туристы, и местные жители.


Сад Таро (Giardino dei Tarocchi), Италия


Детище итальянки Ники де Сен-Фалль, парк скульптур Сад Таро расположен на юге Тосканы, неподалеку от городка Гаравиччио. Вдохновляясь произведениями Антонио Гауди и его знаменитым Парком Гуэль (Барселона), Ники де Сен-Фалль долгое время мечтала о собственном парке скульптур. Ее идеи начали воплощаться в жизнь в 1974 году, когда художница лечилась в Сент-Морице после болезни легких. Там она встретила свою старинную американскую подругу Мареллу Караччоло, с которой поделилась творческими планами — построить сад скульптур, в основу которых легли бы символы карт Таро. Участок земли для будущего парка художнице предложили братья Мареллы, и следующие 20 лет Ники де Сен-Фалль вдохновенно трудилась над воплощением своей мечты.



Модели будущих монументальных скульптур, основанных на Старших Арканах колоды Таро, Ники начала создавать в 1978 году. Два года спустя началась работа над первыми крупномасштабными проектами — «Верховная жрица» и «Волшебник». Жан Тэнгли с помощниками создал сварные железные каркасы для этой группы скульптур, в которую также вошла фигура «Императрица». Проект был масштабным, на Ники работали керамисты, мозаичники, сварщики. В Саду Таро, как и было запланировано, «выросли» 22 фигуры. Уже много лет это место — один из излюбленных туристических объектов Тосканы.



Йоркширский скульптурный парк (YSP), Великобритания


Йоркширский скульптурный парк расположен на севере Великобритании, в графстве Уэст-Йоркшир. Историческая парковая зона до XVIII века принадлежала семейству Вентворт, три поколения которого вкладывали огромные суммы в ландшафтную реконструкцию. После того, как парк был продан государству, на его территории был открыт колледж искусств Bretton Hall. Йоркширский скульптурный парк был основан в 1977 году и начинал с 33 скульптур. В следующие годы специально для этой галереи под открытым небом свои шедевры создали именитые скульпторы Энди Голдсворти, Дэвид Нэш, Джеймс Террелл. Сегодняшняя территория Йоркширского скульптурного парка — 200 гектаров.







На территории парка, в частности, представлена полная скульптурная группа «Семья человека» известной английской абстракционистки Барбары Хепуорт, а также бронзовые произведения Генри Мура. Оба скульптора — уроженцы Йоркшира, и если уж туристы собираются в парк скульптур, то планируют и посещение так называемого Йоркширского Скульптурного треугольника. В этот комплекс достопримечательностей входит Хепуорт Уэйкфилд, Институт Генри Мура и Художественная галерея Лидса. В самом парке, помимо постоянной экспозиции, работают временные выставки — так, до 1 ноября этого года можно полюбоваться скульптурной группой Ай Вэйвэя «Круг животных (Зодиакальные головы)», 2010, а до 1 апреля 2022 года здесь показывает четыре свои работы знаменитый Дэмиен Херст. После прогулки — и даже с собакой! — можно устроить пикник, или посетить одну из пяти крытых художественных галерей на территории парка.


Парк скульптур Вигеланда, Норвегия


На западе норвежской столицы, Осло, расположился парк скульптур Вигеланда. Названный так по имени своего создателя, скульптора Густава Вигеланда, этот культурный оазис входит в состав парка Фрогнер и занимает около 30 га. На его территории расположились 227 скульптур. Скульптор уделил внимание широчайшей гамме человеческих эмоций, всевозможных занятий и ситуаций — порой парадоксальных и неоднозначных. Работы над парком начались в 1940 году, хотя, в общей сложности, Вигеланд посвятил реализации отдельных деталей около 40 лет. Архитектурный проект парка, первоначально задуманного, как выставка работ скульптора под открытым небом, был создан Вигеландом. Он же руководил всеми строительно-ландшафтными работами.


Самая знаменитая статуя парка — «Сердитый малыш» (Sinnataggen) — размещена на мосту протяженностью сто метров, среди других 57 бронзовых произведений. Это была первая скульптурно-архитектурная локация, которую посетители увидели уже в 1940 году. Фонтан с 60 фигурами открылся три года спустя, его главная тема — цикличность жизни и смерти. Центральная композиция парка — «Монолит», высокая гранитная стела из 121 переплетенного человеческого тела. Трем резчикам понадобилось почти 14 лет, чтобы воплотить в камне скульптурную модель Вигеланда — грандиозная идея, грандиозная работа. Для тех, кто не привык к изобилию изображений обнаженного человеческого тела, в парке будет, пожалуй, неуютно. Единственная «одетая» фигура — скульптурный автопортрет самого мастера, созданный им незадолго до кончины.







Музей и парк скульптур Крёллер-Мюллер (Kröller - Müller Museum), Нидерланды


Эта культурная институция находится на территории национального парка Де-Хоге-Велюве, расположенного на востоке Нидерландов в провинции Гелдерланд. В музее Крёллер-Мюллер хранится огромная коллекция работ Винсента Ван Гога — почти 90 картин и более 180 рисунков, из которых в постоянной экспозиции представлено около 40 работ. Их дополняют произведения знаменитых мастеров современного искусства — Клода Моне, Пабло Пикассо, Жоржа Сёра, Пита Мондриана. Все эти шедевры, наряду с работами ярких представителей реалистического искусства, — плод коллекционерской страсти Елены Крёллер-Мюллер, которая всячески поддерживалась ее мужем Антоном. Дочь сталелитейщика, жена младшего брата главы судоходной компании, Елена Крёллер-Мюллер начала собирать свою коллекцию в 1909 году с трех полотен Ван Гога. Еще при жизни, в 1935 году, она передала собрание из 4000 рисунков, 275 скульптур и нескольких сотен картин в дар государству. Условие такого царского подарка — музей для экспозиции коллекции, который должен был быть построен в течение в течение пяти лет в районе Хоге-Велюве.

Дорога с кипарисами Винсент Ван Гог • Живопись, Май 1890, 92×73 см

Теперь там можно прогуляться по одному из самых крупных садов скульптуры в Европе, открытому в 1961 году, площадь которого более 25 гектаров. Здесь представлено более 160 произведений именитых мастеров: Аристида Майоля, Жана Дюбюффе, Пьера Юи, Огюста Родена, Лучо Фонтана, Класа Ольденбурга.




Площадь Национального природного парка Хоге-Велюве, на территории которого расположен музей и парк скульптур Крёллер-Мюллер — более 5 тысяч гектаров, и здесь водятся олени, муфлоны и кабаны. Чтобы было удобнее осмотреть местные достопримечательности, можно бесплатно взять велосипед.

Источник: artchive.ru
Поделись
с друзьями!
489
12
8
1 месяц

5 тайн Венеры Милосской, которая может быть вовсе и не Венера

Венеру Милосскую нашли 8 апреля 1820 года. Вот уже два столетия эта скульптура будоражит своими неразгаданными тайнами умы историков, художников и искусствоведов. У безрукой богини с греческого острова Милос множество загадок. Более того, их число множится едва ли не с каждым годом. Предлагаем вам 5 главных тайн изваяния, которое считают самым загадочным в истории.


Обнаружил античную скульптуру дивной красоты не археолог, а обычный греческий крестьянин Йоргос Кендротас. Артефакт был скрыт в нише руин одной из построек древнего города Милоса. О своей находке грек сообщил квартировавшимся на острове французским офицерам.


Военные не разбирались в древностях, но были не прочь подзаработать на их продаже, Поэтому они сбыли статую Шарлю Франсуа Ривьеру — послу Франции в Турции. Ривьер был настолько любезен, что подарил статую королю Людовику XVIII, а тот поместил ее в 1821 году в Лувр. Там Венера Милосская находится и по сей день.

А были ли руки?


Удивительно, но мы до сих пор не знаем, были ли у Венеры руки, когда ее обнаружили. Скульптуру видело немало людей, заслуживающих доверия, при этом их рассказы очень противоречивы. Классическая версия гласит, что с фигурой девушки, разбитой на две части, был еще и фрагмент руки — кисть, держащая яблоко. Куда делась рука Венеры, никто не знает.


Известный французский мореплаватель Жюль Дюмон-Дюрвиль, который увидел скульптуру одним из первых, описал ее в своих мемуарах. Офицер утверждал, что у Венеры были руки. Левая, поднятая вверх, держала яблоко, а правая придерживала складки ниспадающей ткани.

Рассказ француза вызывает сомнение. Именно Дюмон-Дюрвиль привез послу Ривьеру рисунок статуи в Константинополь и предложил ее купить. На рисунке у Венеры были обе руки, а вот привезли статую покупателю уже без рук. На вопрос о том, что произошло, капитан Дюмон-Дюрвиль поведал приключенческую историю, достойную пера Жюля Верна.

Оказывается, когда французские моряки несли статую по тропе к морю, чтобы погрузить на корабль, на них напали. Непонятно, кто это был — то ли греческие пираты, то ли турецкие янычары. Отважные французы отбили атаку, но при этом неоднократно роняли драгоценную Венеру, отбив ей руки и нос. После того как статуя оказалась на корабле, никто не захотел возвращаться на негостеприимный берег за отбитыми частями.

Жюль Дюмон-Дюрвиль

Это прекрасный образец приключенческой литературы, написанный видавшим виды моряком. Но большинство исследователей уверены, что Дюмон-Дюрвиль просто лжец. Венера ему досталась без рук, а нарисовал он ее с руками, чтобы выгоднее преподнести послу. Атака на берегу была им выдумана, чтобы оправдать нетоварный вид Венеры.

Венера или Амфитрита?


Забавно, но никто точно не знает, кого хотел изобразить древний скульптор. Сейчас работа описана в Лувре как Венера Милосская — скульптура эллинистической эпохи, созданная между 130 и 100 годами до нашей эры. Так ее и признают во всем мире уже два столетия.

Амфитрита с трезубцем

Почему все решили, что девушка из белого мрамора — Венера (Афродита)? Вывод такой сделали лишь потому, что именно богиню красоты чаще всего изображают частично или полностью обнаженной. Никаких надписей на скульптуре нет, а также отсутствуют любые атрибуты, по которым часто опознают богинь и богов.

Есть мнение, что Венера — это Артемида, а в отбитой руке она сжимала лук. Также кое-кто утверждает, что древний автор изобразил Данаиду, держащую в руке амфору. Но чаще всего настаивают на том, что в руке был трезубец, а девушка — не кто иная, как морская богиня Амфитрита. Культ морской девы, кстати, был очень популярен на Милосе. Если же фигура изображала Венеру, то в руке ей полагалось держать яблоко раздора или щит, выкованный богом Вулканом.

Венера с веретеном. Современная интерпретация от Космо Венмена, дизайнера из Сан-Диего, США

Кто автор?


Венера Милосская удивительно напоминает другую скульптуру — Афродиту Книдскую, работы Праксителя. Поэтому длительное время автором статуи считали этого грека, жившего в 5 веке до нашей эры. Но потом было решено, что ее создал Александр Антиохийский. Кто-то вспомнил, что когда статую нашли, то с ней был постамент с надписью: «Александрос, сын Менида, гражданин Антиохии на Меандре, сделал эту статую».

Какое-то время Александра считали автором, но потом усомнились и в этом. Дело в том, что постамент куда-то пропал, а достоверных данных о подписи не оказалось. Теперь Венера Милосская официально числится работой неизвестного мастера. Ученые решили, что так будет справедливо. Может быть, это вообще качественная древняя копия чьей-то работы — копировать шедевры в 5-4 веках до нашей эры было очень модно.

Лаокоон и его сыновья, Александр Родосский

Высказали свое мнение и коллекционеры древностей. Известный собиратель предметов античности Клод Тарраль в свое время заявил, что Венера — это плод таланта, жившего во 2-1 веках до нашей эры, скульптора Александра Родосского. Самая известная работа этого мастера — скульптура «Лаокоон и его сыновья». Вопрос авторством так и остается открытым до сих пор.

Венера в цвете


Как и многие другие греческие и римские скульптуры, Венера Милосская когда-то была раскрашена. В складках ее нескромного одеяния были найдены следы краски. При этом эксперты утверждают, что хоть остатки вещества сейчас еле видны, когда-то это была очень яркая работа.


Здесь хорошо видны места крепления браслета

Кроме этого, в районе плеча правой руки у Венеры был браслет, скорее всего, из металла. На участке руки, который сохранился, хорошо видны отверстия от крепления аксессуара. Шею статуи украшало ожерелье — от него остались еле заметные бороздки на мраморе. Но и это не все. Скорее всего, у богини в ушах были… серьги! Мочки ушей Венеры оказались отбиты еще в античности какими-то бессовестными мародерами.

Продукт пиара


Даже не слишком искушенный в древнем искусстве человек заметит, что Венера Милосская — не самая красивая статуя. При этом ее принято считать эталоном женской красоты. Секрет кроется в несложных PR-технологиях начала 19 столетия. В 1815 году, после поражения Наполеона, Франция отдала Италии похищенную военными Венеру Медичи.


Французам очень хотелось иметь в своем распоряжении что-то классическое, прекрасное, шедевральное. В качестве такого объекта была избрана богиня с отбитыми руками Венера Милосская. Ее выставили в Лувре 7 мая 1821 года и из премьеры сделали важное событие. На мероприятие в музей пригласили послов Турции, Англии и Голландии. Презентация была обставлена дорого и помпезно.

Венерой Милосской было положено восторгаться и это тщательно исполнялось. Дифирамбы скульптуре пели художники, критики и искусствоведы. Правда, нашлись и критики, поставившие под сомнение ее художественную ценность. Например, известный художник Пьер Ренуар находил Венеру нелепой и описал ее как «большого жандарма». Но голоса скептиков терялись на фоне хвалебного хора.


Безрукая Венера до сих пор считается ценнейшим достоянием французского народа. А по сути она была просто украдена у народа Греции Дюмон-Дюрвилем и его дружками. На момент обнаружения скульптуры, в этой стране не было закона, запрещающего вывоз древностей. Многострадальную землю Эллады грабили все кому не лень.
Источник: bigpicture.ru
Поделись
с друзьями!
759
0
9
2 месяца

Самые древние произведения искусства, дошедшие до наших дней

Еще наши древние предки начали создавать искусство. Согласно мнению археологов, первые проявления символизма в искусстве отмечаются у ранних гоминид. В наше время специалисты обнаружили множество примеров подобного искусства, и в данной подборке представлены некоторые из наиболее известных древних рисунков и скульптур.

Наскальные рисунки эпохи мезолита

1. Наскальные рисунки эпохи мезолита


Эти уникальные наскальные рисунки обнаружили в пещере Шове близ Авиньона, Франция, и похожие — в пещерах Ласко в районе Бордо. Большинство рисунков в пещере Шове сделаны ранними современными людьми между 28 000 и 37 000 лет назад, а рисунки в пещерах Ласко появились около 17 000 лет назад.

2. Скульптуры из костей животных



Скульптуры из костей животных находили в основном в разных местах Европы: во Франции, Испании и Германии. На фото выше — Венера Брассампуйская, фрагмент скульптуры из кости мамонта эпохи позднего палеолита, обнаруженный во Франции. Ей примерно 25 000 лет.

3. Скульптуры Венеры



Богиню Венеру часто изображали на скульптурах: в Европе находили более 200 доисторических женских статуэток, посвящённых ей и вырезанных из мягкого камня или кости. Они были изготовлены 26 000 — 21 000 лет назад, но возраст самой древней из них, найденной в Германии, может превышать 35 000 лет. На этой фотографии — знаменитая Венера Виллендорфская, которая была высечена из камня около 30 000 лет назад.

4. Яванская свинья



Этот наскальный рисунок с изображением яванской свиньи нашли на индонезийском острове Сулавеси. Ему около 45 500 лет и, возможно, он является самым ранним из когда-либо найденных подобных рисунков. По словам учёных, в Индонезии много примеров наскального искусства, которые опровергают идею о том, что традиция наскальных рисунков зародилась в Европе и распространилась оттуда.

5. Рисунки неандертальцев



Неандертальцы тоже создавали произведения искусства. Эту резьбу нашли на стене пещеры во Франции — она была сделана до 75 000 лет назад, за много тысяч лет до появления Homo sapiens в Европе.

6. Резьба по кости



Неандертальцы также занимались резьбой по кости и дереву. в пещере в Германии. На фото выше — резьба на фаланге оленя, сделанная неандертальцами. Археологи считают, что ей около 51 000 лет.

7. Рисунки из Южной Африки



Этот камень с рисунком нашли в пещере Бломбос в Южной Африке. Рисунку около 73 000 лет, и археологи считают, что его нарисовали ранние представители вида Homo sapiens.

8. Подвески с орлиными когтями



Подвески из орлиных когтей обнаружили в древнем скальном убежище в Хорватии. Скорее всего, неандертальцы сделали их 130 000 лет назад.

9. Остатки деревянной конструкции



Эти остатки деревянной конструкции возрастом 476 000 лет нашли в Замбии. Они сохранились в глине и свидетельствуют об искусном использовании дерева, которое древние гоминины применяли для создания произведений искусства.

10. Отпечатки рук, найденные в Тибете



В районе горячего источника в Тибете нашли окаменелые отпечатки детских рук, которым, возможно, 200 000 лет. Они могут представлять собой одно из самых древних произведений искусства — но археологи спорят, можно ли считать такое искусством, и всё ещё уточняют возраст отпечатков.

11. Рисунки на раковине



Эти зигзагообразные узоры на раковине, найденной в Индонезии, предположительно сделал представитель вида Homo erectus 540 000 лет назад.

12. Выемки в камне



Камни с такими выемками находили почти на всех континентах и во многих культурах. Неизвестно, для чего их делали, но археологи считают, что самым ранним из них может быть 1,7 миллиона лет.

13. Сферы из камня



Подобные каменные сферы размером с бейсбольный мяч находили в местах изготовления орудий труда в Африке, Азии и Европе. Возраст самых ранних из них достигает 2 миллионов лет, но их назначение неизвестно. Возможно, это были попытки создать произведение искусства.
Источник: zefirka.net
Поделись
с друзьями!
680
2
6
6 месяцев

10 главных шедевров мирового искусства, обретенных в 2023 году

Кто знает, сколько шедевров пылится прямо сейчас на чердаках и в подвалах старых домов или в комиссионных магазинах. В этой публикации мы хотим вспомнить, какие бесценные шедевры мирового искусства мы вновь обрели в 2023 году.


1. Одной из самых сенсационных находок 2023 года стало возвращение картины Винсента Ван Гога «Весенний сад», украденной из голландского музея в марте 2020 года. Неизвестный человек оставил работу 1884 года возле квартиры следователя по преступлениям в сфере искусства Артура Бренда. Причем аноним бережно ее упаковал: завернул холст в пузырчатую пленку.

Вскоре после возвращения украденного шедевра Ван Гога у порога квартиры Артура Брэеда появилось еще шесть похищенных ранее картин общей стоимостью примерно 100 000 евро — в основном, портреты нидерландских монархов, украденные из правительственного здания в Медемблике в сентябре.


2. Захватывающую находку обнаружили подрядчики, которые ремонтировали дом супружеской пары в Англии. Они наткнулись на набор фресок 17 века, изображающих сцены из сборника стихов 1635 года.

3. В другом английском здании кураторы дворца Хэмптон-Корт обнаружили картину Артемизии Джентилески. Причем владельцы ее явно недооценивали. Она 200 лет пролежала в кладовой и за это время успела обесцветиться, вдобавок кто-то нанес поверх другое изображение.

4. В Эссексе вдова покойного председателя книжного магазина Foyles заметила в задней части ящика погреба оригинальный рисунок Винни-Пуха, завернутый в кухонное полотенце. Изображение любимца детей, идущего на закат со своим другом Пятачком, датировано 1958 годом.


5. Среди других удачных открытий 2023 года — утерянная картина французского реалиста Гюстава Курбе 19 века. Ее обнаружили в подвале стоматологической школы Пенсильванского университета еще в 2016 году, однако идентификация полотен заняла целых 7 лет, и истинный создатель стал известен лишь недавно.

6. Пару портретов, написанных Рембрандтом в 1635 году, семья натурщиков продала в 1824 году. Однако потомки покупателя не осознавали выдающегося происхождения картин, пока аукционист не просмотрел их коллекцию во время пандемии коронавируса.

7. Были и находки из популярной культуры. Например, модель истребителя X-wing из первых «Звездные войн» — ее обнаружили в гараже Грега Джина, покойного художника по визуальным эффектам, который собирал памятные вещи. По словам историка Джина Козицки, эта модель считалась пропавшей без вести, когда студия Джорджа Лукаса переехала на новое место в 1978 году.

8. Невероятным источником пропавших шедевров стали и магазины подержанных вещей. В одном из таких обнаружили вазу за 3,99 доллара, которая на деле оказалась редкой работой итальянского архитектора Карло Скарпы, ушедшей с молотка за $107100.


9. Еще одна пара керамических кувшинов, купленных в лондонском благотворительном магазине за 20 фунтов, была продана за 59 800 фунтов после того, как эксперты подтвердили, что на самом деле это фарфор династии Цин 18 века.

10. Иллюстрация NC Wyeth 1939 года, приобретенная за 4 доллара в комиссионном магазине в Нью-Гемпшире, была выставлена на аукцион за $191000, хотя победитель торгов в конечном итоге не смог заплатить.
Поделись
с друзьями!
582
6
15
9 месяцев

Ткань, собранная в складки. Драпировка, как символ в искусстве

Складчатая ткань как визуальный код аккумулирует в себе мощную экспрессивную силу. Начиная с истоков классической скульптуры, драпировка была сильным изобразительным инструментом. В Средневековье она предстала символом роскоши и святости. В наше время собранная в складки ткань становится чистым художественным элементом, к которому можно применить любое репрезентативное трактование.


Принято считать, что драпировка «возвышает» любой предмет и делает его прекраснее. Не только потому, что она красива сама по себе, но и в силу долгой традиции, дошедшей до нас с древних времен, в виде бесконечной череды произведений искусства.

Складки одежды сидящей фигуры. Леонардо да Винчи 1484, 26.6×23.3 см

Испанская исследовательница Кармен Видаль прибегает к метафизическому понятию «складки» как к символическому обозначению материального и духовного пространства 80-х гг. XX ст., указывая на его барочный характер. Она отталкивается от эссе Жиля Делеза «Складка: Лейбниц и барокко», в котором философ выявляет материю как движущуюся по касательной текстуру без какого-либо пробела, где процесс свертывания-развертывания означает уже не сжатие-разжатие, сокращение-расширение, а скорее деградацию-развитие. Барочная эстетика открывает эру складки, её громкое шествие, длящееся до сих пор. Делёз считает, что складка не исчерпала всех своих возможностей, и на сегодня это «хорошее» философское понятие.

Джон Уильям Уотерхаус, Офелия, 1910

Согласно поздним работам философа Мишеля Фуко, разглаживание складки определяет время как абсолютную память. Он обозначает внешнюю складку — время, которая всегда сосуществует с внутренней — забвением: «Забвение как невозможность возврата, а память как необходимость начинать всё заново». И всё это обусловливает протяженность времени. "Забвение забвения означает смерть, но пока мы говорим о внутренней и внешней стороне складки, бытие развертывается."

Шесть этюдов подушек (обратная сторона "Автопортрета с этюдами руки и подушки") Альбрехт Дюрер 1493, 27.8×20.2 см

АНТИЧНОСТЬ


В греческой традиции драпировке придается особое значение, независимо от того, служит ли она для выгодного изображения человеческого тела, или наоборот, тело выступает для нее лишь каркасом. Древнее минойское и микенское искусство практически не интересуется изгибами и складками ткани: одежду просто кроили, подгоняли по фигуре и сшивали. Однако греки классической эпохи трансформировали изображение небрежно накинутого на тело элемента ткани в источник эстетического наслаждения не только для самих себя, но и для последующих поколений.

Портик кариатид, Эрехтейон, Афинский Акрополь, нач. V в. до н.э.

Грекам не были чужды представления о том, что одежда и скромность связаны между собой — но в этой функции одежда годилась для женщин, а не для мужчин. Полностью обнаженная женская фигура в греческом искусстве появляется довольно поздно. Обнаженный мужчина-грек стоит прямо и зачастую не нуждается в какой бы то ни было драпировке — либо же откидывает ткань за спину, дабы еще больше подчеркнуть красоту нагого тела.

Эйрена c Плутосом, римская мраморная копия, 375 — 371 гг. до н.э.

Античные мастера наделяли драпировку чисто структурными функциями. К примеру, скрытая тканью нижняя часть туловища Венеры Милосской является более прочным основанием для обнаженного торса, чем того требует анатомия, или же мраморный плащ Аполлона Бельведерского, который словно создан для поддержания вытянутой руки статуи. Вертикальные складки одежд, облекающих тела кариатид Эрехтейона напоминают каннелюры колонн. В итоге скульптура, представляющая женщину, облаченную в легкую одежду, приобретает монументальный вид: из-за напряжения, которое возникает между ниспадающими складками мраморной ткани и абсолютно прямым положением тел, напряжения, смягчаемого разве что некоторой разницей в положении.

Предп. Александр Антиохийский. Венера Милосская, ок. 130 – 100 гг. до н. э.

ПОЗДНЕЕ ДРЕВНЕРИМСКОЕ ИСКУССТВО (IV – V вв.) – СРЕДНЕВЕКОВЬЕ (V – XV вв.)


В позднеримской скульптуре и живописи впервые сформировались обычаи в изображении драпировок, которые использовали раннехристианские художники. Эти устои сохранились вплоть до Средних веков, хотя и допускались разнообразные стилизации.

Святой Петр. Серебряная обложка книги, Сирия, VI в.

Задрапированные на античный манер фигуры появляются на саркофагах, а также в качестве архитектурного декора, представляя Христа и апостолов в одежде римских государственных деятелей и мудрецов. Таким образом, вариации на тему античного костюма оказались кодифицированы как некий вневременный образец одежды, подобающий для одеяния святых лиц.

Благой амьенский Бог. Скульптура центральных врат западного фасада собора в Амьене . 1224 – 1230 гг. Собор в Амьене, Франция

ПОЗДНЯЯ ГОТИКА – РАННЯЯ НИДЕРЛАНДСКАЯ ЖИВОПИСЬ (XV в.)


Со времен позднего Средневековья в Северной Европе появилась своя концепция того, как должна выглядеть ткань на изображениях. Она опиралась на готическую традицию и не нуждалась в опоре на авторитет античности.

Робер Кампен. Алтарь Мероде (Алтарь Благовещения), средняя часть триптиха, 1427 — 1432 гг.

Снятие с креста Рогир ван дер Вейден 1438, 220×262 см

В Германии и в Нидерландах развевающиеся уголки покровов и массивные подолы одежд появляются на протяжении двух веков снова и снова, вырезанные из дерева, отлитые в металле, на картинах и на гравюрах — вне всякого античного контекста. В изображении ткани вырабатывается самостоятельный, чисто готический лексикон «жестов» и «фраз». Одеждам на этих полотнах свойственна совершенная целостность.

Ангерран Картон. Коронование Марии, ок. 1454 г.

Поклонение волхвов Иероним Босх 1480

ВЫСОКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ (XVI в.)


В XVI веке, когда одежда кроилась сложным образом и облегала тело настолько туго, что о какой-либо свободной игре ткани говорить не приходилось, на заднем плане портретов часто появляется драпировка. Ведет она себя более чем свободно и выглядит, как правило, слишком агрессивной и энергичной для того, чтобы ее можно было счесть конкретной деталью интерьера.

Аньоло Бронзино. Элеонора Толедская, 1555 г.

По многим портретам Аньоло Бронзино и его последователей заметно, как потребность иметь в поле видения красиво ниспадающую ткань может переместиться с самой центральной фигуры на фон, где эта живая субстанция перехватывает внимание зрителя, хотя к окружающей обстановке никакого отношения не имеет.

Ганс Гольбейн Младший. Портрет Сэра Томаса Мора, 1526 г.

Использование большого количества ткани в одежде с давних времен являлось признаком богатства, в связи с чем художники стремились демонстрировать эту красоту в виде пышных складок, как в деталях одежды, так и в виде занавеса, висящего поблизости или же на фоне портретируемого.
Ганс Гольбейн Младший.

Рафаэль Санти. Сикстинская Мадонна, 1513

ПОЗДНЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ – МАНЬЕРИЗМ (XVII в.) – БАРОККО (XVII – XVIII вв.)


Особенность роскошных барочных складок была обусловлена сосуществованием религиозного экстаза и эротической раскрепощенности.

Шубка. Портрет Елены Фоурман Питер Пауль Рубенс 1638, 176×83 см

XVII век вернул моду на свободные бесформенные ткани, а вместе с ней и любовь к украшению подобными тканями окружающей среды, вероятно, подражая изобразительным приемам предыдущего столетия.

Диего Веласкес. Менины, 1656

Венера перед зеркалом Диего Веласкес 1651, 122×177 см

КЛАССИЦИЗМ (XVII – XIX вв.)


В начале XVII века используются драпировки, отсылающие к мраморным складкам, которые украшали многие античные статуи. Причем не только в одежде, но и в домашнем интерьере, не говоря уже о скульптуре. Очарование классической драпировки вновь самоутвердилось в искусстве и жизни пост-ренессансной Европы.

Маха одетая Франсиско Гойя XIX век, 97×190 см

Селена и Эндимион Никола Пуссен

ПРОСВЕЩЕНИЕ – РОКОКО (XVIII в.)


Просвещение ассоциирует тяжелые драпировки с чувством собственного достоинства, если не благородства, как писал Уильям Хоггард в своем труде «Анализ красоты» (1753 г.): «Количество или пышность одеяний никогда не являлась дорогим элементом». Тяжелые драпировки он называет «величием изящества».

Портрет мадам де Помпадур. Франсуа Буше 1756, 157×201 см

Поцелуй украдкой. Жан Оноре Фрагонар 1780-е , 55×45 см

ПРЕРАФАЭЛИТЫ (XIX в.)


Живописцы из братства прерафаэлитов были готовы отказаться от самодовольного, раздутого принципа изобразительности, присущего Рафаэлю. Они по-новому посмотрели на аскетично одетые, изможденные фигуры Средневековья. Современные прерафаэлитам предметы, нагруженные смыслом, были изображены так, как если бы они были родом из Средневековья, а драпировки в работах прерафаэлитов изображаются так же, как сложные складки современного дамского платья.

Уильям Хант. Изабелла и горшок с базиликом, 1868

Данте Габриэль Россетти. Беседка на лугу, 1850—1872 гг.

МОДЕРНИЗМ (XIX – XX вв.)


Особенный интерес вызывают психоаналитические исследования, посвященные отношению к складкам в эпоху модернизма. Складчатая ткань становится синонимом фетишизма, объекта желания.

Олимпия. Эдуар Мане 1863, 130.5×190 см

Сушка белья. Пти Женвилье Гюстав Кайботт 1892

Драпировка — это не только то, на что мы можем смотреть. Это то, до чего можно дотронуться, «проверить» на слух изменчивую фактуру, уловить запах.


Новая абстрактная конвенция драпировки в контексте натюрмортов возникает со времен сезанновских мятых скатертей. При этом мощная традиция изображения ткани утверждает специфическую выразительную силу самой драпировки, а не ее формальных возможностей.

Скатерть и фрукты. Поль Сезанн 1900-е

В Новую эпоху ле Корбюзье задает новый тон: это стерильность и маскулинность функционализма.
Основываясь на комментариях английских писателей XIX века, профессор Пенни Спарк заключает, что распределение вкусовых предпочтений соответственно гендеру является идеологически сконструированным.

С наступлением эпохи, когда женщины получили доступ к сфере оплачиваемого труда, они начали критично высказываться о домашних интерьерах, украшенных драпировкой. Из этого Спарк делает вывод, что стереотип драпированного тканью интерьера имел характер определенного гендера и класса.

ПОСТМОДЕРНИЗМ (XX – XXI вв.)


По словам Пенни Спарк, специалистки по истории дизайна, «с 80-х годов драпировка становится знаком гламура, роскоши и ностальгии».

Драпировка ассоциируется с чем-то феминным. По мнению теоретиков эпохи постсовременности, маргинализированная в конце XIX века «женственная» драпировка вновь возвращается как один из множества дискурсов, из которых состоит эта плюралистическая эпоха.

Заха Хадид. Культурный центра Гейдара Алиева, Баку, Азербайджан, 2007

Складчатые извивы интерьеров Захи Хадид напоминают о барочном соединении живописи и архитектуры. Как современные философы, критики и комментаторы культуры прочитывают мир как текст, для анализа которого доступна разная оптика, так и архитектурные формы Захи напоминают о двойственности смыслов, переплетенной структуре знаков и значений.

Заха Хадид. Guangzhou Opera House, Гуанчжоу, Китай, 2010

Французский философ Жак Деррида, создатель теории деконструкции, выводит понятие складок на метафорический уровень. Он применяет принцип складки к анализу текста, который всегда имеет двойственный смысл.

Трейси Эмин. Моя кровать, 1999

На изображении неубранной кровати Трейси Эмин отмечено отсутствие двух персонажей: модели и автора. Фотография передает взаимосвязь тела и одежды, следы и складки на постели обозначают присутствие художницы. Изображение много критиковали, называя инсталляцию с несвежей постелью вульгарной. Из этого следует, что изображение складок является сильным визуальным кодом, который функционирует со времен античности и по наши дни.

Фрэнк Гери. Музей музыки в Сиэтле, США, 2000

С помощью понятия «складки» Мартин Хайдеггер описывает бытие в «Фундаментальных проблемах феноменологии». Мерло-Понти о «Я» как складке говорит в «Феноменологии восприятия». Видаль вообще считает «складку» символом 80-х годов, принципом культурной и политической дезорганизации мира, где существуют только ризомы, симуляция, видимости.

Кэвин Фрэнсис Грей. Без лица, 2007

Таким образом, помимо того, что складка является одним из основополагающих визуальных паттернов, пронизывающим всю историю искусств, это также сильная философская метафора, к которой обращались многие мыслители современности.

Ветер с моря Эндрю Уайет 1947, 47×70 см

Исследование подготовили Валерия Карпань и Екатерина Блудова

Материал был создан и экспонировался в рамках выставки «Складки времени/складки памяти» художницы Марии Куликовской, инициированной и проведенной одесской галереей Invogue.

К материалу добавлены иллюстрации из базы Артхива, созвучные концепции авторов исследования. Заглавная иллюстрация: Поль Сезанн, Натюрморт с драпировкой, кувшином и вазой для фруктов, 1894
Источник: artchive.ru
Поделись
с друзьями!
397
3
3
10 месяцев

История одного шедевра: «Давид» Микеланджело – каторжный труд и совершенная красота


В 1501 году Микеланджело получил в Риме письмо от друзей из Флоренции. Они сообщали ему, что Совет попечителей кафедрального собора Санта Мариа дель Фьоре собирается передать гигантский кусок мрамора иногороднему скульптору, чтобы он изваял для собора фигуру легендарного библейского героя Давида. Микеланджело только недавно закончил скульптуру «Пьета» (1498-99 годы) и сразу прославился как выдающийся молодой скульптор. Друзья считали, что ему не следовало упускать тот мрамор, и советовали вернуться во Флоренцию, чтобы сделать скульптуру самому.

У мраморного блока, который прозвали «гигант», была неудачная история: его вырубили в каменоломнях Каррары 35 лет назад, и все эти годы он лежал на деревянных подпорках во дворе собора в ожидании обработки. Почти 20 лет назад скульптор Агостино ди Дуччо начал обрабатывать его для фигуры Давида. Но он неудачно продырявил мрамор между намеченными ногами и сточил часть краёв. Этим он изуродовал мрамор, контракт с ним был разорван и попечители собора не знали, как завершить статую.

Микеланджело вернулся во Флоренцию и обмерил гиганта. Он был более 6 метров в длину и почти 2 метра шириной и толщиной. За годы мрамор потемнел под воздействием дождей, снегов и ветров и стал более хрупким (качество мрамора лучше для обработки, когда он свежевыточен). Микеланджело видел его дефекты, оставшиеся после неудачной обработки. Они ограничивали возможности в выборе позы статуи Давида: при любой постановке фигуры придётся сохранить положение ног, которое собирался придать фигуре неудачник Дуччо.

В эпоху Ренессанса образ героя Давида был очень популярен у итальянцев. По библейской легенде Давид был израильский юноша-пастух, небольшого роста. Но он сумел победить врага своего народа — филистимлянского (палестинского) гиганта и силача Голиафа (его имя означает на иврите «гильям и «джалут» — огромный араб). Давид с размаха бросил в него камень, размахнувшись пращой, убил и затем отрубил ему голову его же мечом. С этой победы началось наступление израильтян и изгнание филистимлян со своей земли. Давид потом стал прославленным царём Израиля и основателем Иерусалима как столицы.

Донателло. Давид

Два выдающихся флорентийских скульптора — Никколо Донателло и Андреа Верроккьо — ранее уже создали бронзовые статуи Давида. Обе статуи представляли его в момент торжества, сразу после победы на Голиафом. Донателло изваял стройного грациозного юношу лет 15-ти, полностью обнажённого. Он стоит в вызывающей позе триумфатора, держа большой меч, у его ног лежит большая отрезанная голова Голиафа. Это была первая обнажённая мужская фигура со времени римских статуй — женоподобный и заманчиво грациозный юноша, никак не передающий героический образ библейского героя. Современники видели в ней скрытые гомосексуальные наклонности Донателло.

Верроккьо. Давид

Изваять образ Давида по-своему было для Микеланджело заманчивой идеей. Ему было 26 лет, хотя в Риме он уже был известным скульптором, но во Флоренции старшины собора ещё не видели его «Пьеты», среди всего им созданного не было героической фигуры и образа, они не доверяли ему. Он сделал восковую модель со своим представлением Давида, чтобы представить старшинам. В ней он изобразил обнажённого Давида не юношей, а молодым мужчиной. Он стоит прямо и напряжённо смотрит на что-то вдали. Он ещё не триумфатор, совершивший свой подвиг. Микеланджело хотел передать образ героической решимости и представил его в тот момент, когда Давид готовится к броску камня из пращи. В фигуре и лице Давида он старался передать энергию напряжения и сосредоточения — скрытая бурная сила. Такой психологической задачи ещё не ставил перед собой ни один скульптор.

Для старшин эта интерпретация образа Давида была малопонятной, они колебались — дать ли Микеланджело мрамор-гигант. Пьеро Содерини, гонфалоньер (глава) города, предлагал отдать его для работы Леонардо да Винчи. Леонардо в это время вернулся из Милана, где он прославился фреской «Тайная Вечеря», и тоже жил во Флоренции. Ему было уже 52 года, он не имел опыта работы с мрамором. Он даже считал скульптурное искусство механическим, уступающим живописи. Микеланджело, наоборот, ставил скульптуру выше живописи.

Эти два гения искусства встретились впервые. Леонардо был на 23 года старше. Высокий, красивый, статного сложения, одетый в дорогие наряды, он был прославлен и богат. Микеланджело видел некоторые его работы и восхищался ими. Но сам Леонардо, с его мягкой, застенчивой натурой, раздражал его. Микеланджело был некрасив, с поломанным носом, невысок, небогат и ещё мало известен. От мягкой иронической улыбки Леонардо он легко воспламенялся и доходил до бешенства. Был эпизод, когда однажды группа молодых флорентийцев остановила Леонардо на улице и попросила его прокомментировать непонятное место в поэме Данте «Божественная комедия». В это время мимо проходил Микеланджело, известный знаток поэмы. Леонардо мягко сказал: «Микеланджело может вам объяснить, что значит этот стих». Микеланджело вспыхнул, он подумал, что Леонардо насмехается над ним и жёлчно ответил: «Сам объясняй, ты ведь великий мастер, сделал гипсовую модель коня, а отлить в бронзе не смог, опозорился. Только твои остолопы-миланцы могли поверить, что ты справишься с такой работой!». (Этот эпизод описан многими авторами того времени. В Милане Леонардо делал скульптуру герцога Сфорца на коне, вылепил прекрасную модель, но ему не дали бронзы для отлива, забрав ее для изготовления пушек).

Леонардо Да Винчи. Статуя Микеланджело Давид

Характер у Микеланджело был независимый и гордый, а поведение резкое. Но натура его была такая же решительная и сильная, какую он собирался передать в образе Давида. Поэтому он упорно настаивал на том, чтобы мраморного гиганта передали ему, а не Леонардо.

После долгих затяжек, в августе 1501 года, Микеланджело наконец получил от правителей Флоренции разрешение на работу над гигантом. В сентябре он начал ваять фигуру Давида.

***

По его указанию, 11-тонного «гиганта» поставили вертикально и обнесли заграждениями с крышей. Он работал над статуей два с половиной года — до января 1504-го, иногда так тяжело и упорно, что, обессиленный, оставался спать в мастерской. В процессе работы у него было много трудностей — чтобы статуя выглядела свежей, надо было убрать потемневшую поверхность. В мраморе оказалось много тонких, как волосок, трещин. Их приходилось обходить. Работал он над ним один, в закрытом сарае, никого, кроме подсобных рабочих, туда не допускал.

Микеланджело точно рассчитал секреты формы гигантской статуи — он изваял её с некоторым специальным нарушением пропорций фигуры. Учитывая её высоту 6 метров и то, что на пьедестале она будет казаться ещё выше, он рассчитал, что людям, смотрящим на неё снизу, верх статуи будет казаться маленьким. Поэтому он сделал руки длинней, корпус в грудной клетке шире и тоже длинней, и голову Давида большего размера, чем в натуральном сочетании. К тому же из-за дефекта мрамора он вынужденно дал статуе несколько разный угол наклона в верхней и нижней половинах. И он лучше других знал, что наименее прочное место статуи — это её ноги внизу, в узких голеностопных суставах. Давид стоит с основным упором на правую ногу, левая слегка отведена в сторону и полусогнута (вынужденное положение из-за дефекта мрамора). Поэтому он усилил более слабую правую ногу, на которой держался весь вес, формой куска короткого дерева.


Статуя была почти закончена в январе 1504 года. Тогда Микеланджело разрешил посмотреть на неё видным художникам — Леонардо, Боттичелли, Перуджино и другим. Они поразились, увидев перед собой не мальчика, а юношу в расцвете сил, в момент напряжения сил. Его суровый и сосредоточенный взгляд, выражающий непреклонную волю, потряс всех.

К сожалению, неизвестно, что говорили Микеланджело эти художники. Леонардо сделал быструю зарисовку позы фигуры. Но об их впечатлении написал Джоржо Вазари, первый историк искусств, ученик и друг Микеланджело:

«Мрамор был уже испорчен и изуродован предыдущим мастером, и в некоторых местах его не хватало, чтобы Микеланджело мог сделать то, что он задумал... конечно, настоящее чудо совершил Микеланджело, оживив то, что было мертвым... Поистине творение это затмило все известные статуи, новые и древние... ни в каком отношении сравниться с ней они не могут: с такой соразмерностью и красотой, с такой добротностью закончил ее Микеланджело.... и позы столь изящной не видано было никогда, ни грации, ни с чем не сравнимой, ни рук, ни ног, ни головы, которые настолько отвечали бы каждому члену этого тела своей добротностью, своей искусностью и своей согласованностью. И, право, тому, кто это видел, ни на какую скульптуру любого мастера наших или других времен и смотреть не стоит».

Вазари сам слышал рассказы Микеланджело, и описал также один смешной эпизод:

«Посмотреть на новую статую явился гонфалоньер Содерини. Взглянув вверх на статую, очень ему понравившуюся, он сказал Микеланджело, что, по его мнению, нос у нее велик: Микеланджело влез, чтобы угодить ему, на подмостья у плечей статуи и, поддев резцом немного мраморной пыли с площадки подмостьев, начал постепенно осыпать пыль вниз, работая будто резцами, но к носу не прикасаясь. Затем он сказал: „А ну-ка, посмотрите на него теперь“. — „Теперь мне нравится больше, — сказал гонфалоньер, — вы его оживили“. Микеланджело спустился с мостков, про себя над ним подсмеиваясь и сожалея о людях, которые, желая выказать себя знатоками, говорят такое, чего сами не понимают».

За эту работу Содерини заплатил Микеланджело 400 скудо (равняется приблизительно 5000 долларов). По тем временам это было самым высоким гонораром скульптора.


Старшины собирались поставить Давида на вершине собора, но не решились из-за его веса. Сам Микеланджело представлял себе статую как героическую дворцовую эмблему. Он считал, что Давид, который защитил свой народ и справедливо им управлял, должен казаться флорентийцам героем-символом их города, чтобы они поняли общественное значение статуи. Поэтому он думал, что Давид должен стоять на центральной площади — Площади Сеньории. Был создан совет 30-ти, чтобы решить, куда лучше поставить Давида. В Совет входили видные художники Леонардо, Боттичелли, Андреа дела Роббиа и Перуджино. Совет тоже решил поставить его на главной площади перед входом во дворец правительства «Палаццо Векия» — старый дворец.

Хотя расстояние от мастерской Микеланджело до дворца было всего около одного километра, но транспортировка статуи была настолько сложной, что заняла четыре дня. В ней участвовали 50 человек и 20 лошадей. Члены Совета и толпа любопытных флорентийцев сопровождали статую все дни. При транспортировке нельзя было допустить, чтобы статуя сотряслась — она могла сломаться от толчков.

Вазари описал эту транспортировку:

«...статуя оказалась такой огромной, что начались споры, как доставить ее на площадь Синьории. И тут два мастера Джулиано да Сангалло и брат его Антонио устроили очень прочную деревянную башню, к которой подвесили статую на канатах так, чтобы при толчках она не повреждалась, а равномерно покачивалась; тащили ее на канатах при помощи лебедок по гладким бревнам и, передвигая, поставили на место.... придумано это было прекрасно и остроумно».

Давида установили на площади 8 сентября 1504 года.

***

Открытие статуи должно было превратиться в народное торжество. Люди Флоренции в нетерпении собрались на площади, и когда её поставили, все замерли — вид и значение фигуры были им непонятны. Они увидели необычно громадную обнажённую мужскую фигуру, а ожидали увидеть какого-нибудь святого в обычном церковном облачении, как статуи в соборе. Трудно представить себе удивление толпы — эстетическое чувство у большинства горожан не было развито. Они сразу начали относиться к скульптуре как к воплощению чего-то живого и враждебного. Особенно испугало их выражение силы и решительности в лице Давида. Они прозвали его «terribilita» — устрашающий. В первую же ночь чернь стала бросать в статую камни, хотели разбить её. Пришлось усиленно охранять Давида.

Этот эпизод непонимания и даже раздражения толпы ярко демонстрирует, что Ренессанс даже на своём высшем уровне ещё не был массовым явлением. У флорентийцев заняло время, чтобы привыкнуть и полюбить статую, потом они гордились ею. Давид стал каноном эпохи Ренессанса, его образ вдохновлял многих художников.

Статуя Давида простояла на площади 370 лет — до 1873 года, когда её перевезли в галерею Академии Флоренции, а на её место поставили гипсовую копию.

Из книги Владимира Голяховского «Интеллектуалы эпохи Ренессанса»
Источник: gazeta-licey.ru
Поделись
с друзьями!
1224
0
16
28 месяцев
Уважаемый посетитель!

Показ рекламы - единственный способ получения дохода проектом EmoSurf.

Наш сайт не перегружен рекламными блоками (у нас их отрисовывается всего 2 в мобильной версии и 3 в настольной).

Мы очень Вас просим внести наш сайт в белый список вашего блокировщика рекламы, это позволит проекту существовать дальше и дарить вам интересный, познавательный и развлекательный контент!