Древесный уголь и белая пастель на чёрной бумаге – прекрасный союз, когда художник владеет мастерством светотени. Английский художник Зульф (Zulf) как раз из таких. Настоящее имя он скрывает, а работы публикует под псевдонимом. Рассказывает, что искусство его волнует всю жизнь, а в школе это был единственный предмет, по которому он сдал экзамен.

«Я просто стесняюсь своих 50 лет. Живу с женой и двумя детьми», – сообщает художник. «Прелесть в том, что я никогда не знаю, в каком направлении дальше двинусь. Я взялся за карандаши долгими зимними вечерами, когда темнело рано и на улице было слишком холодно. Поэтому я начал рисовать портреты, тренируясь примерно по три часа каждый вечер после работы».

Для Зульфа искусство – это жизнь, особенно рисование и живопись. Серию «Из темноты» (Out of darkness) он создаёт на чёрной бумаге с использованием сочетания пастели и древесного угля. Автор стремится к тому, чтобы минимальным набором элементов композиции создать настроение. Женщины в его портретах почти скрыты в тени. Главный герой – свет.

Может ли один-единственный взгляд на холст мгновенно перенести вас из серой городской суеты в бесконечное лето, где воздух дрожит от зноя, а каждый мазок кисти пропитан теплом настоящего полуденного солнца? Пейзажи польского мастера Анджея Влодарчика стали для тысяч ценителей искусства своеобразным порталом в мир, где не существует плохой погоды, а природа замерла в своем самом безмятежном и радостном состоянии.

Родился в 1974 году в городе Вроцлав (Польша). Окончил Академию изобразительных искусств в Лодзи. Получил степень магистра в Европейской академии искусств (EAS) в Варшаве.
Участник выставок в Польше, Испании, Украине.
Работы находятся во многих частных коллекциях Европы и Азии.

Абе Тошиюки (Abe Toshiyuki) родился в 1959 году в Сакате. Получив художественное образование в национальном университете, почти 20 лет проработал учителем рисования. Но всегда мечтал стать художником, поэтому в 2008 году перестал учительствовать и сосредоточился на своей цели.

За последние годы Абе провёл множество персональных выставок и выиграл несколько престижных наград.

«Я воспринимаю акварель не просто как жанр, а больше как музыкальный инструмент. Например, на фортепиано можно сыграть джаз, рок и классическую музыку. Так же в зависимости от чувств художника, акварель может выражать много всего», – пишет художник. В его акварелях отражается свойственная японцам любовь и глубокое уважение к природе.

«По моему мнению, чтобы произведение искусства возымело настоящий эффект, оно должно затронуть глубокие эмоции в сердце зрителя», – говорит художник. Предлагаем проверить, затронут ли вас картины японского акварелиста.

Благодаря полотну «Лунная ночь на Днепре» Архип Куинджи получил признание. Многие обвиняли живописца в «сделке с дьяволом» и даже искали подсветку на задней стороне картины — настолько реалистично он написал пейзаж. Как это удалось художнику?

Маркетинг XIX века

Куинджи планировал представить на выставке всего одну картину — «Лунная ночь на Днепре». Уже до выставки ходили слухи, что полотно будет необыкновенным. По воскресеньям художник приглашал зрителей на два часа, чтобы показать работу. И один из поклонников его творчества купил полотно еще до выставки. Князь Константин Константинович спросил, сколько стоит картина, на что Куинджи ответил ему: «Вы все равно не купите — она дорогая». Художник не узнал князя, он подумал, что это «молоденький офицер». В итоге картину приобрели за 5000 рублей. Для конца XIX века это были огромные деньги.

Князю так понравилась «Лунная ночь на Днепре», что он взял полотно с собой в путешествие на корабле. Его отговаривали от этого, но князь настаивал на своем. В итоге картина потеряла свой первоначальный вид из-за морского воздуха.

«Сделка с дьяволом»

На полотне изображен обычный пейзаж, но благодаря мастерству Куинджи он превратился в произведение искусства. Мы видим необычный эффект — отражение яркого сияния света луны в реке. Чтобы усилить этот эффект, художник демонстрировал картину при занавешенных окнах. Только один луч света газовой лампы падал на работу. Это вызвало восхищение зрителей.

Они не понимали, как Куинджи смог добиться такой реалистичности и строили разные догадки. Кто-то считал, что художник использовал экзотические перламутровые краски, а кто-то вовсе обвинял его в связи с потусторонними силами. На самом деле ответ прост. Все дело в трудолюбии и любви к экспериментам. Куинджи смешивал краски вместе с химическими элементами.

Моновыставка

«Лунная ночь на Днепре» была представлена на моновыставке, то есть она была единственной работой. Известные деятели искусства, например, Павел Чистяков, Иван Тургенев часто приезжали посмотреть на картину. Посетители могли любоваться полотном несколько часов — оно действительно притягивало взгляд. Куинджи называли художником света. Иван Крамской говорил, что так еще никто никогда не писал.

Секрет художника

Те, кто его знал лично писали, что Куинджи работал как учёный. У него в мастерской были пробирки, колбы, растворы смол и масел, он смешивал лаки, проверяя, как они меняют свет. «Я ищу не цвет, а воздух между цветами.” Художник отказывался раскрывать рецептуру. Даже ближайшие ученики (Рылов, Артамонов) вспоминали, что он «мешал краски за ширмой».

Современники считали его чуть ли не колдуном: после оглушительного успеха он вдруг прекратил выставляться на 20 лет. Говорили, что он “разочаровался в зрителях, которые видят свет, но не видят смысла”. В эти годы он занимался астрономией, читал труды по оптике, наблюдал за атмосферой.

Есть свидетельства, что он часами мог смотреть на закат или луну, “пока цвета не перестают быть цветами”. Некоторые исследователи полагают, что он экспериментировал с восприятием — хотел понять, где заканчивается видимое и начинается воображаемое.

Куинджи умер в 1910 году, почти отшельником. Ученики говорили, что перед смертью он повторял: “Я всё понял, но рассказать нельзя — это видится, но не пишется.”

Сейчас уже известно, что Куинджи использовал редкие связующие, отличные от академической рецептуры: не только масло, но и смолы (копалы, мастики) и иногда даже битум.

Он создавал на картине 10-12 тончайших слоёв лака поверх подмалёвка разной степени прозрачности.

В некоторых картинах («Берёзовая роща», «После грозы») присутствуют оптические интерференционные эффекты: частицы лака и пигмента отражают свет под разными углами, создавая впечатление внутреннего свечения за счёт многослойной структуры, как в перламутре.

Самая легендарная его картина “Лунная ночь на Днепре” стала для него настоящей лабораторией света. Когда картину впервые выставили в Петербурге (1880), зал был затемнён, освещалась она одной газовой лампой.
Зрители стояли в очереди часами — говорили, что “картина светится”. Некоторые думали, что Куинджи спрятал реальный источник света за холстом.

Достоевский назвал этот эффект «чудом живописи». Более поздние эксперименты показали, что художник использовал особый голубовато-зелёный пигмент на основе меди, прозрачный и почти люминесцентный при газовом освещении. Слой лака сверху усиливал отражение, как линза. А между слоями реставраторы обнаружили тонкий просветляющий слой — возможно, смесь масла с воском. Картина действительно даёт эффект “самосвечения” при тёплом жёлтом свете — современная оптика это подтверждает.

«Лунную ночь на Днепре» исследовали лазером, рентгеном и микроспектрометром, буквально «просвечивали» микроскопические срезы картины. На основе научных данных из публикаций Государственного Русского музея (2010), Эрмитажа (2001), лаборатории имени Грабаря и исследований Института реставрации РАН (2015–2020) известно, что слой краски у Куинджи устроен как миниатюрная оптическая система.

Поверхность картины идеально выровнена — под микроскопом виден блестящий “зеркальный” микрорельеф, который усиливает отражение света. Подмалёвок очень тонкий, полупрозрачный, выполнен умброй и охрой, задаёт общую теплоту сцены — подложка “греет” холодные цвета верхних слоёв, создавая эффект свечение сквозь воздух.
Главная тайна — в сочетании нескольких прозрачных и полупрозрачных пигментов, уложенных по принципу градиента.

Самый верхний слой — это оптически активная плёнка, толщиной менее 50 микрон, состоящая из смеси копала (ископаемой смолы) и льняного масла, полимеризованного до полупрозрачного янтарного состояния. При освещении газовой лампой (жёлтый спектр) этот слой отражает больше длинноволнового света, чем коротковолнового — из-за чего кажется, будто холст светится изнутри голубым холодом. Физики называют это «обратным эффектом Рэлея», когда рассеянный свет усиливает видимость синего спектра. Микроскопия картины показала, что в каждом слое количество пигмента уменьшается к поверхности, а количество связующего материала увеличивается. То есть каждый последующий слой всё более прозрачный.

Именно такая структура создаёт эффект “плавающего света”, когда фотон, проходя сквозь слой, частично отражается от частиц пигмента и снова выходит наружу, как через микроскопический фильтр. Такое построение — почти идентичное тому, что применял Леонардо в технике сфумато, только Куинджи использовал физическую, а не оптическую живопись света. Можно сказать, он пересоздал атмосферу не в воздухе, а внутри слоя краски.
В результате — зритель видит не отражение внешнего света, а иллюзию внутреннего свечения холста.

Эксперименты проведённые еще в 2010 году подтвердили: если подсветить копию “Лунной ночи” газовым пламенем, она действительно “зажигается” как экран. Реставраторы и физики формулируют это почти как научное чудо: «Куинджи построил картину как оптический прибор, где каждый слой рассчитан на преломление света.»
Он не просто писал свет — он конструировал его поведение.

Никакой мистики, и при этом — сплошная мистерия - «Лунная ночь на Днепре» светится даже через 140 лет.

Литовский художник Petras Lukosius сочетает в себе влечение к сакральным моментам природы с любовью к созерцанию лучей света.

Петрас Лукосиус — современный литовский художник, чьи картины легко узнать по мягкому свечению, будто исходящему изнутри холста. Он родился в 1956 году и с раннего детства проявлял интерес к живописи: учился в художественной школе Клайпеды, затем в Тельшяйском техникуме прикладного искусства, а позже окончил факультет Вильнюсской академии искусств. С 1992 года Лукосиус является членом Союза художников Литвы и активно участвует в выставках как в своей стране, так и за её пределами.

Главная тема его творчества — пейзаж, но это не просто изображения природы. В его работах свет играет самостоятельную роль — он словно движется по полотну, рассеивается в листве, отражается от поверхности воды или медленно растворяется в тумане. Лукосиус выбирает тёплые, почти золотые тона рассвета и заката, создавая ощущение покоя и уюта, но в то же время — лёгкой ностальгии. Его мир — это пространство тишины, где человек чувствует себя частью природы, а не наблюдателем.

Техника художника тоже заслуживает внимания: чаще всего он пишет маслом на холсте, добиваясь плотной, бархатистой фактуры, а иногда использует масляные стики, что придаёт поверхности живости и рельефа. Картины Лукосиуса производят впечатление не столько изображения, сколько состояния — момента, когда свет и воздух становятся почти осязаемыми.

Работы художника находятся в частных коллекциях по всему миру. Его пейзажи часто называют «медитацией в цвете» — они не требуют пояснений, просто заставляют остановиться, вдохнуть и вспомнить, что красота может быть тихой. Петрас Лукосиус — из тех живописцев, кто напоминает: мир не всегда нужно понимать, иногда достаточно просто смотреть.

Карен О'Нил (Karen O'Neil) получила образование в университете искусств в Филадельфии, штат Пенсильвания и степень бакалавра изобразительного искусства в Массачусетском колледже искусств и дизайна. О'Нил также училась у колориста Генри Hensche, преподавала в Школе искусств Cape Cod в Провинстаун, Массачусет.

Натюрморты Карен вызывают желание насладиться красивыми и вкусными вещами в жизни: откусить кусочек от спелых мясистых плодов; заварить чай с лимоном и медом и неспеша пить его из большой чашки; вдохнуть аромат цветов, стоящих в вазе... Её картины - это дыхание лета, они полны лени и неги, влажности и жары, солнечного света и теней.

Чтобы увидеть рассвет, его нужно дождаться. Это в полной мере относится и к творчеству современного художника Фабрицио Корнели. Насладиться красотой его картин можно, лишь направив на них луч света. «Свет — это энергия, которая создает формы», — считает итальянский художник.

Сначала Фабрицио рассчитывает падение света: искусственного или солнечного, что значительно усложняет задачу. Далее из пластика или металла он сооружает необходимые конструкции. Их мастер располагает на стенах ‒ как внутри, так и снаружи зданий! Бывает, что без посторонней помощи и специального оборудования закрепить детали просто невозможно. Когда сооружение готово, Фабрицио направляет на него свет, и происходит чудо! Непонятное бесформенное железо начинает оживать, и мы видим удивительные силуэты людей и предметов.

Принято считать, что в основе творчества этого художника лежат принципы анаморфоза, трансформации и деформации, которые известны миру ещё с эпохи Ренессанса. Несмотря на это, каждая работа Корнели выглядит вполне современной и оригинальной. Трудно однозначно определить жанр его произведений. По мнению критиков, это «совокупность художественной графики и технического творчества».

Зарождение и развитие творчества Фабрицио произошло в одном из самых красивых городов Италии. Родившись в 1958 году, художник прожил всю свою жизнь во Флоренции. Там же, где и Леонардо да Винчи, Микеланджело, Данте. С двадцати лет он участвовал в выставках современного искусства по всей Италии, а уже в 1980 году состоялась его первая персональная выставка в Риме.

Корнели не единственный «рисующий тенью» художник. Но главная его отличительная черта — масштаб произведений. Работы мастера экспонировались на огромных фасадах домов в Риме, Барселоне, Брюсселе, Берлине и Париже. Фабрицио не останавливается на достигнутом. Постоянно совершенствуя свои технические методы, он ищет всё новые идеи. До сих пор художник принимает участие в престижных выставках, а его грандиозные произведения украшают здания многих стран мира.